Shake It Out, de Florence + The Machine

Florence regresa el 31 de octubre con su segundo álbum de estudio, Ceremonials, en lo que promete ser otro gran trabajo después de la obra maestra que fue su multipremiado disco debut, Lungs. "Shake It Out" es el primer sencillo, y junto a la otra canción que ha mostrado "What The Water Gave Me", parecen confirmar que la calidad de Florence + The Machine no ha sufrido un ápice, como suele pasar con los que están realmente iluminados o tocados por el espíritu santo o yo que sé, el punto es que su música es de la mejor que he escuchado en mi vida.

Sacúdetelo

Los remordimientos se acumulan como viejos amigos
Están aquí para revivir tus momentos oscuros
No veo una salida, no veo una salida
Y todos los espectros salen a jugar

Y cada demonio quiere su pedazo de carne
Pero me gusta guardarme algunas cosas para mí
Me gusta mantener mis problemas fuertes
Siempre es más oscuro antes del amanecer

Y he sido una tonta y he estado ciega
Nunca puedo dejar atrás el pasado
No veo una salida, no veo una salida
Siempre estoy arrastrando ese caballo

Y nuestro amor está pastando un sonido tan lastimero
Hoy voy a enterrar ese caballo en el suelo
Así que me gusta mantener fuertes mis problemas
Pero siempre es más oscuro antes del amanecer

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Estoy harta de mi corazón sin gracia
Así que hoy lo voy a cortar y volver a empezar
Porque me gusta mantener fuertes mis problemas
Siempre es más oscuro antes del amanecer

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Y si tuviera la oportunidad, ¿hubiera cambiado algo?
Es un desorden final, pero me ha dejado muy vacía
Siempre es más oscuro antes del amanecer

Maldita si lo hago, y maldita si no lo hago
Así que a brindar por unos tragos en la oscuridad al final de mi camino
Y estoy lista para sufrir y estoy lista para tener esperanza
Es un disparo en la oscuridad y dio justo en mi garganta
Busco el cielo, por el demonio en mí
Buscando el cielo, por el demonio en mí
¡Al infierno! Voy a dejar que me suceda

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Midnight in Paris, de Woody Allen

- Eric Lax: ¿Se imagina lo que hubiera sucedido si se hubiera quedado allí? (a vivir en París, en la década de los sesenta)

- Woody Allen: Había que tener un espíritu más aventurero que el mío para hacerlo, y es una lástima. Conozco a mucha gente de mi edad que dice: "yo no me arrepiento de nada" [ríe a carcajadas]. Pues yo me arrepiento de mil cosas [Sonríe] De mil cosas no, pero de eso sí [Acaba con un tono un tanto nostálgico] Habría estado bien.

Conversaciones con Woody Allen; Eric Lax; Random House; 2010

Esta entrevista realizada en 2005 se refiere a la ocasión en que Allen conoció París durante la filmación de What's Up, Pussycat? en 1965, película que él solamente escribió, y que le dejó más frustraciones y casi ninguna satisfacción, excepto haber trabajado con Peter Sellers y conocer París.

Desde entonces Woody, si la memoria no me falla, sólo había regresado allí a trabajar para la filmación de Everybody Says I Love You (1996), cuyo hermosísimo y sublime final de antología se desarrolla frente a la Torre Eiffel.

Ademas, Francia se ha mostrado particularmente más receptivo a todos los trabajos del neoyorquino. Así lo ha manifestado él mismo, y hace un guiño a esa curiosa situación
en Hollywood Ending (2001). En este 2011, y por segundo año consecutivo después de You Will Meet A Dark Tall Stranger, Allen estrenó su nueva obra en Cannes. Y también por segundo año consecutivo, volverá a conquistar a las masas con Midnight In Paris, su primera cinta filmada totalmente en París, continuando así con su etapa europea luego de Match Point (2005), Cassandra's Dream (2007), You Will Meet A Dark Tall Stranger en Londres, Vicky Christina Barcelona (2008) en la Ciudad Condal, y que continuará en Roma con The Bop Decameron (2012).

Sin embargo, ni Londres ni Barcelona recibieron de Woody el tratamiento que recibe Paris, en lo que se ha llamado su "carta de amor" a la Ciudad Luz, argumento que podría confirmarse con la secuencia inicial donde repite lo que hizo con Manhattan (1979), plano tras plano de los lugares más hermosos de la capital francesa.

Si Match Point es hija de Crimes And Misdemeanors (1989), Midgnight In Paris tiene el toque Manhattan combinándolo con una historia que nos recuerda a The Purple Rose Of Cairo (1985), en donde nuestro protagonista evade la realidad ayudado por un poco de magia, presente en la filmografía de Allen en Scoop (2006) y The Curse of The Jade Scorpion (2001), mientras que la nostalgia por el pasado ya la habíamos visto en ésta última, así como en Radio Days (1987).

De nuevo, están todos los elementos de un filme clásico del autor: el miedo a la muerte, la insatisfacción con la vida que se tiene, la infidelidad, la burguesía, aderezado en este caso por encuentros con personajes clave del inicio del siglo XX, y con uno de los repartos más espectaculares con los que haya trabajado -y eso ya es mucho decir-, liderados por un sorprendente Owen Wilson.

Aunque en lo personal la forma de hablar de Wilson me resulta un poco distractora, el protagonista brilla al retratar a un soñador incomprendido por su prometida, que encontrará una respuesta a sus deseos cuando tiene la oportunidad de viajar en el tiempo a una etapa y lugar con los que siempre soñó: París en la década de los veinte, epicentro del mundo cultural en ese entonces, donde vivían los músicos, escritores, pintores y cineastas más importantes del momento.

En este viaje de fantasía, destacan Adrien Brody, inconmensurable en su papel como un artista que prefiero descubran ustedes mismos, Kathy Bathes como Gertrude Stein y, sobre todo, un magnífico trabajo de Corey Stoll como un Ernest Hemingway tocado por la guerra y con una obsesión por los valores y características que requiere un buen hombre y escritor. También está incluido Cole Porter, omnipresente en la obra de Allen, quien casi calca un diálogo de Anything Else (2003) relativo al baladista más prólifico de los Estados Unidos.
Mención aparte merece la siempre efectiva Marion Cotillard como el interés romántico del protagonista; una mujer que pareciera estar hecha a la medida de él. Cotillard enamora a Wilson y a la audiencia con su belleza, sinceridad y deseos de vivir una vida bohemia en París, el personaje más importante de esta cinta, al cual Woody hace justicia al mostrar todo lo que significa caminar y enamorarse por sus hermosas, hipnotizantes y eternas calles.

Cinco décadas después, Allen no deja de sorprender, entrener, maravillar y hacer reír, y como desde hace cincuenta años, nadie puede hacerlo como él.

Make You Feel My Love

En 1997 Bob Dylan escribió "Make You Feel My Love", incluido en su disco ganador del Grammy Time Out Of Mind como mejor álbum del año. Desde entonces, es una de las canciones más "covereadas" y populares de Dylan, debido a su romántica letra que la hace más accesible que el resto de su catálogo. En YouTube pueden encontrar muchísimos covers, pero les dejo aquí tres. El primero es mi favorito, del grandioso Billy Joel; el segundo es bastante sencillo, pero la canta uno de los íconos de la música country, Garth Brooks; y el tercero es extremadamente popular actualmente, pues lo canta Adele, y el video es bastante bueno también, pues Adele retrata la vulnerabildiad y desesperación que plasmó Dylan en su letra. Dedicado a todos quienes puedan dedicar esta canción a alguien...

Hacerte sentir mi amor

Cuando la lluvia caiga en tu rostro
Y cargues con todo el mundo en tu maleta
Puedo ofrecerte un cálido abrazo
Para hacerte sentir mi amor

Cuando aparezcan las sombras de la noche y las estrellas
Y no haya nadie para secar tus lágrimas
Podría sostenerte por un millón de años
Para hacerte sentir mi amor

Sé que no te has decidido
Pero nunca te haría daño
Lo sé desde el momento que nos conocimos
No tengo duda de dónde perteneces

Pasaría hambre, pasaría tristeza
Me arrastraría por la calle
No hay nada que no haría
Para hacerte sentir mi amor

Las tormentas se embravecen en el turbulento mar
Y en la carretera de lamentos
Los vientos de cambio soplan salvajes y libres
Aún no has conocido a nadie como yo

Podría hacerte feliz, cumplir tus sueños
No hay nada que no haría
Ir a los finales de la tierra por ti
Para hacerte sentir mi amor

Falling, de Florence + The Machine

Los que la hayan escuchado no me dejarán mentir: Florence + The Machine es una de las mejores y más espectaculares bandas de la actualidad, su música más las letras de Florence Welch los hacen tan impresionantes como adictivos. Les traigo otra canción sumamente romántica, prometiendo que pronto entraré a otras menos cortavenas. =D

Cayendo

He caído de favores, he caído de la gracia
Caído de árboles, he caído sobre mi rostro
Caído de taxis, también de ventanas
Caí en tu opinión cuando caí enamorada de ti

A veces deseo caer, deseo la liberación
Deseo caer por el aire para darme algo de alivio
Porque caer no es el problema, cuando caigo estoy en paz
Es sólo cuando golpeo el suelo cuando nace la pena

Esta es una canción para un nombre garabateado
Y mi amor lo sigue escribiendo una y otra vez
Esta es una canción para un nombre garabateado
Y mi amor lo sigue escribiendo una y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez

Bailo conmigo, me emborracho
Encuentro a gente para amar, los dejo que se ahoguen
No me da miedo saltar, no me espanta caer
Si no hubiera donde aterrizar no me espantaría para nada

Para nada, Para nada
Caer, Caer

A veces deseo caer, deseo la liberación
Deseo caer por el aire para darme algo de alivio
Porque caer no es el problema, cuando caigo estoy en paz
Es sólo cuando golpeo el suelo cuando nace la pena

La Caída de los Gigantes, de Ken Follet

La Caída de los Gigantes (2010) es el libro más reciente de Ken Follet, el autor best-seller que escribió Los Pilares de la Tierra (1989), y que con esta novela comienza con la trilogía de "El Siglo".

Así, La Caída de los Gigantes abarca las vivencias de cinco familias: de Inglaterra, Gales, Estados Unidos, Rusia y Alemania durante la Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa, mientras que en la segunda parte, a publicarse en 2012, seguiremos a la siguiente generación durante la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, mientras que la tercera se centrará en la Guerra Fría.

En lo que podría considerarse su primera novela histórica, Follet entreteje las historias de estas cinco familias y de nuevo crea a protagonistas entrañables y antagonistas detestables, dotando a todos de más humanidad que en Los Pilares, donde quizás pecó de maniqueo.

La contraportada del libro contiene una cita del autor: "De alguna forma es la historia de todos nosotros"; cita que podría parecer demasiado ambiciosa, pero que después de todo tiene algo de cierto, pues en ella se describen los primeros pasos que condujeron a la geopolítica como la conocemos actualmente, y en verdad Follet lo hace de manera interesante y entretenida, lo cual es un gran logro considerando las 1017 páginas del libro, que no se sienten pesadas por ningún momento.

Si les gusta las tramas políticas y bélicas, aderezadas con mucho romance y heroísmo, seguramente les gustará La Caída de los Gigantes. Mientras tanto, yo espero con ansías la segunda parte de esta muy buena novela.

Incendies, de Dennis Villeneuve

Tras una sequía en las carteleras, inicia el 31 Foro Internacional de la Cineteca, obviamente, en la Cineteca Nacional de México, meca de los cinéfilos capitalinos.

Con una muy buena corrida en festivales y premiaciones a nivel mundial, Incendies (2010) es la historia de dos mellizos canadienses que, al morir su madre, descubren que su padre está vivo y que tienen otro hermano, y que ambos se encuentran en el país de su madre, Palestina. En su testamento, la madre les pide encontrarlos para así expiar las faltas de su pasado. La hermana, Jean, decide seguir la voluntad de su madre, mientras que el hermano ignora la petición.

De esta manera, Jean y la audiencia vamos descubriendo las vicicitudes en la vida de Nawal, la madre, aunque en otras ocasiones lo sabemos antes que Jean, lo cual involucra al espectador por completo en este juego donde también nosotros unimos los cabos, y en otras nos sorprendemos al mismo tiempo que Jean y Nawal. Eso sí, el increíble final nos toma a todos por sorpresa, en una vuelta de tuerca de antología.

El director, Dennis Villeneuve demuestra gran oficio tanto en la cámara como al escribir la adaptación desde el teatro, en una historia que, increíblemente, está basada en la vida real; mientras que la protagonista belga Lubna Azabal brilla al personificar una mujer atormentada por su pasado, pero que vive en búsqueda de un mejor futuro, aunque a veces el precio a pagar sea muy alto.

Hall Pass, de los hermanos Farrelly

Los hermanos Farrelly, que han tenido mucho éxito con comedias simples pero bien escritas y con estrellas al por mayor (Jim Carrey, Jack Black, Ben Stiller, Cameron Diaz, Gwyneth Paltrow, entre otros), regresan con Hall Pass (2011).

Con la escatología que los ha caracterizado desde el principio, los Farrelly cuentan la historia de dos hombres cuyas esposas les han dado un "pase libre" de sus matrimonios, dándoles una semana de libertad y sin consecuencias, para que de una vez dejen de ver y fantasear con otras mujeres.

La gracia de la cinta está en observar los intentos de estos dos hombres (Owen Wilson y Jason Sudeikis de "Saturday Night Live") por ligar con otras mujeres en la semana que les fue concedida. Sin embargo, las situaciones no son tan divertidas como podría esperarse, y en cambio vemos una serie de clichés que terminan cansando por su predecibilidad.

Dada las pretensiones de la cinta, podría decirse que cumple al entretener y sacar una que otra risa, pero no es una película para reír de principio a fin ni mucho menos. Véanla si de plano están en el límite de la aburrición, aunque quizás sería más barato ver alguna buena serie cómica en la televisión, probablemente los haga reír más.

The Adjustment Bureau, de George Nolfi

The Adjustment Bureau (2011) es una adaptación más a una historia de Philip K. Dick, uno de los escritores de ciencia ficción cuyas obras han sido llevadas a Hollywood con resultados muy variados.

En este caso, la química entre Matt Damon y Emily Blunt podría ser lo más destacable de la película, aunque tampoco es para tanto.

Traducida como "Los Agentes del Destino", la traducción literal sería "La Oficina de Ajustes". Y es que la premisa de la historia es la existencia de una oficina que se encarga de que la gente no se salga de lo que está ya definido en un "gran plan", cosa que nuestros protagonistas hacen.

A pesar de la idea interesante, la ejecución dista mucho de ser efectiva, y al final raya en lo absurdo, motivado además por la simpleza de las motivaciones detrás de esta oficina, y por la resolución que es contradictoria a todo lo que ya habíamos visto.

Escribo este texto mucho después de ver la cinta en el cine, así que quizás ya quede en muy pocas salas. Pero no se preocupen si no la vieron, pues no se perdieron de gran cosa.

Le Hérisson, de Mona Achache

Basada en la novela La Elegancia del Erizo, de Muriel Barbery, Le Hérisson (2009) narra la historia de Paloma, una niña parisina de once años muy precoz que, tras una ácida observación del mundo y la manera en que las personas manejan sus vidas, decide quitarse la vida el día de su doceavo cumpleaños. Sin embargo, el encuentro con dos personas que viven en su edificio podría hacerla cambiar de opinión.

La directora, Mona Achache, realiza una adaptación espectacular, tomando la historia de la novela y enriqueciéndola en su traducción al lenguaje cinematógrafico. Y es que lo que pudo ser una mera transcripción, Achache lo lleva a otro nivel con una dirección imaginativa, ágil y envolvente.

A estas cualidades se suman las actuaciones de todo el elenco, y en especial de sus protagonistas femeninas, Josiane Balasko como la conserje del edificio, y Galance Le Guillermic como Paloma, un papel que fácilmente pudo caer en lo odioso, pero que la joven actriz logra transformar en entrañable cuando Paloma comienza a aprender del amor y las tragedias.

La Leyenda del Tío Boonmee

La Leyenda del Tío Boonmee (Loong Boonmee Raleu Chat, 2010) es la película tailandesa ganadora de la Palma de Oro 2010, y dirigida por Apichatpong Weerasethakul.

Este palmarés, así como la premisa (un hombre a punto de morir recibe visitas de fantasmas del pasado y criaturas míticas) ciertamente despertaron mi atención.

Al principio la cinta cumple con lo que promete, pero muy rápidamente pasa de lo onírico a lo letárgico y de ahí a lo confuso, con un final bastante complicado, al parecer destinado a personas familiarizadas con el budismo.

Lo más destacable podría ser la belleza de los paisajes naturales, así como la secuencia de la princesa, fotografiada y dirigida con gran maestría.

Por otra parte, creo que lo que más me confunde es cómo esta obra se hizo de la Palma de Oro... en verdad no le encuentro la cuadratura a ese círculo.

Blue Valentine, de Derek Cianfrance

Blue Valentine (2010) es la historia de un joven matrimonio que se enfrenta a la prueba más difícil de su relación, así de como nació su romance.

Independiente a más no poder, la cinta es producida por sus protagonistas: Michelle Williams y Ryan Gosling, lo cual demuestra el compromiso y el amor que ambos le tuvieron al proyecto, y que se refleja en la pantalla.

La actuación de Williams ha sido la más comentada y celebrada; sin embargo, es Gosling quien se lleva la mejor parte retratando a un hombre enamorado que poco a poco va cayendo en la confusión y frustración al ver cómo el mundo que había soñado se desmorona. Poco a poco, y en películas independientes como esta, Gosling se ha hecho de una muy buena reputación en Hollywood, aunadas a nominaciones al Óscar por Half Nelson (2006), y al Globo de Oro por Lars And The Real Girl (2007) y precisamente por Blue Valentine. Sin embargo, esta es la primera vez que puedo apreciar su trabajo, y me dejó un extraordinario sabor de boca.

Lo mismo esperaba de Williams, cuya carrera ha seguido un curso muy parecido a la de Gosling, también con nominaciones a ese par de premios importantes. No obstante, no logra brillar tanto como Gosling, a pesar de que hace un muy buen trabajo.

Me he centrado más en las actuaciones porque la historia no tiene demasiado que ofrecer y se siente gratuita al no contar con una verdadera justificación al proceder de nuestros protagonistas. Si acaso, ésta apenas se alcanza a insinuar de manera velada e, al final de cuentas, insuficiente.

No obstante, esto no es disuasor para que dejen de revisar este filme que resulta interesante por sí mismo, y que al final de cuentas sí contiene alguna que otra escena conmovedora.

Whatever Works, de Woody Allen

Dos años después de su estreno, llega a las salas de México Whatever Works (2009), de Woody Allen. Quizás esto se deba a que no cuenta con la pléyade de estrellas que suelen protagonizar sus cintas, como en los casos de You Will Meet A Dark, Tall Stranger (2010) y Vicky Christina Barcelona (2008); o a que por la misma razón pasó sin pena ni gloria en su estreno en las salas de los Estados Unidos, lo cual de por sí resulta interesante, ya que con Whatever Works, Allen regresó a Nueva York en medio de la etapa europea que continúa en proceso con el próximo estreno de Midnight In Paris (2011).

En esta ocasión, Woody se regodea como nunca en el pesimismo y nihilismo que ya hemos visto en su filmografía, pero llevado al extremo a través del misántropo personaje de Boris, interpretado por el magnífico Larry David, co creador y escritor de Seinfeld (para quienes no lo sepan, George Costanza está inspirado en él, y varias de sus aventuras en la serie son en realidad situaciones que David vivió), y de la hilarante Curb Your Entusiasm.

Por su altísimo coeficiente intelectual, Boris mira con desprecio al resto de la humanidad. Para él son nada, "microbios" insignificantes como la vida misma, de la cual ya ha intentado liberarse sin éxito. Sin embargo, el fortuito encuentro con una chica pueblerina podría hacer que cambie su percepción de la humanidad.

Mientras tanto, Melody, la chica pueblerina (Evan Rachel Wood en el papel más gracioso en que la he visto), ciertamente cambia su visión del mundo, nutrida por las opiniones y el estilo de vida de Boris.

Juntos, Wood y David conforman una de las mejores parejas cómicas en la filmografía de Allen. Larry David básicamente se interpreta a sí mismo elevado a la x potencia, muy al contrario de lo que la gente usualmente piensa de los recientes papeles protagónicos de Woody: que es un alter ego del director, lo cual no puede ser más falso en el caso de esta cinta, pues recordemos que los personajes interpretados por Woody (que a su vez tampoco están basados en él mismo) nunca fueron misántropos ni genios, solamente neuróticos y temerosos. Mirando por encima de esta situación, la interpretación de David es inmejorable, pues tanto él como Wood demuestran un timing perfecto y gran química. Pongan atención a la plática en las escaleras del Mausoleo de Nueva York y su final enriquecido por una efectiva edición.

A la mitad de la historia, el universo de personajes crece y se le da entrada a Patricia Clarkson como la madre de Melody, y la trama se desvía hacia ese personaje. Clarkson, como siempre, cumple con creces, y en esta historia sufrirá severos cambios cuando su intención era cambiar la vida de su hija.

Y aunque la historia de la madre de Clarkson es más que interesante, la cinta adolece cuando no vemos a Larry David, lo cual sucede durante mucho tiempo en el tercer cuarto de la historia, aunque para la recta final lo tenemos de vuelta.

Allen nos deja una reflexión sobre el azar y el sinsentido de planear nuestras vidas -sobre todo en el terreno romántico-pues irremediablemente siempre terminamos con quien menos esperábamos, y hay que aceptar cualquier cosa que funcione.

Les recomiendo no hacer caso de los argumentos de flojera inmensa cada vez que sale una nueva cinta de Woody: que si "hace mucho que no hace algo bueno", que si es una "obra menor" o cualquier otro cliché que se les ocurra. Lo cierto es que el tiempo pasa y muchísima gente que no conoce su filmografía entera se enamora de su trabajo con las obras recientes "menores" y "no tan buenas" como lo que hacía, lo cual demuestra cómo el público sin ningún prejuicio continúa descubriendo el inmenso genio del mejor autor del mundo.

Never Let Me Go, de Mark Romanek

Mark Romanek es uno de las personas más improbables para dirigir una película como Never Let Me Go (2010). Con una gran reputación como director de videos musicales (incluido "Scream" de Michael y Janet Jackson, el más caro en la historia) Romanek ha trabajado con artistas como Nine Inch Nails, Beck, Madonna, Johnny Cash, Jay-Z, Coldplay, R.E.M. y David Bowie.

Sin embargo, Never Let Me Go es una historia muy alejada del perfil o prejuicio que podríamos tener sobre el director, y al final termina pasándole factura hasta cierto punto.

La cinta se basa en una novela de Kazuo Ishiguro, y al parecer fue una novela muy bien recibida y hasta venerada, aunque en lo personal me enteré de su existencia gracias a este filme. La trama mezcla elementos de ciencia ficción, pero no como la conocemos tradicionalmente, sino apenas un matiz que, no obstante, resulta clave en el desarrollo y final de la historia.

Durante la primera mitad, y mediante una dirección sencilla, Romanek entrega una tierna historia de amor infantil y de crecimiento en circunstancias bastante especiales, donde los tres protagonistas viven en un microcosmos literalmente extraordinario. Sin embargo, la vida los separa y en la segunda mitad vemos la historia de su reencuentro, el cual presentará pruebas bastante difíciles para ellos, grandes pruebas de redención, perdón y resignación.

A pesar de la profundidad y romanticismo de la cinta, ésta carece de ritmo y de un verdadero clímax, pues es bastante predecible, aunque sí conduce a un final desgarrador.

Previo a ver este filme, había leído en más de una ocasión que los protagonistas Keira Knightley, Andrew Garfield (mejor conocido hasta el momento como el co-creador de Facebook en la magnífica The Social Network (2010), además de ser el nuevo Hombre Araña) y la ganadora del BAFTA, Carey Mulligan; sin embargo, para mí es esta última quien se luce una vez más con ese rostro de vulnerabilidad e inocencia, pero con mucho carácter, borrando del cuadro a sus co-estelares, y cargando con las escenas más emotivas del filme.

Never Let Me Go es una película con tantos aciertos como desaciertos, que termina siendo irregular. No obstante, vale la pena por los aciertos, por un guión con una premisa tan original como interesante, por el debut cinematrográfico de un director con mucho talento, y por seguir la carrera de dos grandes actores que podrían marcar época, como los son Garfield y Mulligan.

Amor Cósmico

Por canciones como esta, Florence + The Machine es una de las mejores bandas del mundo

Amor Cósmico

Una estrella fugaz cayó de tu corazón y aterrizó en mis ojos
Grité fuerte mientras los rasgó, y ahora me ha dejado ciega

Las estrellas, la luna, todas han explotado
Me dejaste en la oscuridad
No hay amanecer, no hay día, siempre estoy en crepúsculo
En la sombra de tu corazón

Y en la oscuridad, puedo escuchar tu latido
Intenté encontrar el sonido
Pero se detuvo, yo estaba en la oscuridad
Así que me fundí con ella

Las estrellas, la luna, todas han explotado
Me dejaste en la oscuridad
No hay amanecer, no hay día, siempre estoy en crepúsculo
En la sombra de tu corazón

Retiré las estrellas de mis ojos, y luego hice un mapa
Sabía que de algún modo podría encontrar mi camino de regreso
Entonces escuché tu lair, estabas en la oscuridad también
Así que me quedé en la oscuridad contigo

Las estrellas, la luna, todas han explotado
Me dejaste en la oscuridad
No hay amanecer, no hay día, siempre estoy en crepúsculo
En la sombra de tu corazón

Winter's Bone, de Debra Granik

La ganadora más reciente en Sundance, Winter's Bone (2010), es la historia de Ree, una joven de 17 años que debe descubrir el paradero de su padre, un "cocinero" de droga recién salido de la cárcel. De lo contrario, Ree, sus hermanos y su madre perderán la casa, pues su padre la dejó como fianza antes de desaparecer.

Con tal de no vivir en la indigencia, la precoz Ree no dudará en hacer lo que sea necesario, aunque tenga que realizarlo sin ayuda de nadie, ya que su madre tiene una enfermedad mental y no se da cuenta de lo que sucede; su tío está también metido en el negocio de las drogas, y se niega a ayudarla, mientras que para sus pequeños hermanos la vida sigue girando alrededor de los juegos.

Jennifer Lawrence protagoniza una interesante historia donde poco a poco iremos descubriendo la gravedad de la situación, que podría costarle la vida a más de una persona.

La dirección de Granik es sencilla y sin complicaciones, mientras que la historia, si bien es interesante y tiene un buen final, no se siente del todo cohesionada, mientras que más de una escena sale sobrando.

Podría ser revisada por ser un ejemplo de buen cine indie y una buena premisa. Pero hasta ahí.

127 Horas, de Danny Boyle

Danny Boyle nos entrega, en 127 hours (2010), una historia más de sobrevivencia y lucha, hilo conductor de prácticamente toda su filmografía. Y cuando escribo "una más de Boyle", quiero decir "otra gran obra" de este trascendente director de los últimos años.

Vibrante como siempre, y conmovedor como pocas veces, Boyle se recrea en su creatividad contando una historia a través de flashbacks, split screens y tomas subjetivas, ayudado también por otro extraordinario e impresionante soundtrack de A.R. Rahman en su segunda colaboración consecutiva después de Slumdog Millionaire (2008).

Por su parte, James Franco se luce en el que podría ser su trabajo más grande hasta el momento, el que podría acercarlo a las masas como nunca antes, aunque desde hace mucho ha demostrado tener muchísimo talento. Pero además de eso, Franco hace un espectacular trabajo como Aron Ralston, un hombre aventurero que en la vida real se enfrentó a uno de los retos más grandes que uno se pueda imaginar.

Interpretando a Ralston, Franco pasa por la euforia, la desesperación, la lucha, la pérdida de cordura, la resignación, el arrepentimiento y la voluntad. Todo en 95 intensos minutos que quizás sean difíciles de soportar para algunos.

Y es que esta cinta es una de las más incómodas que he visto en mucho tiempo, y diría que, más que una película, 127 Hours es una experiencia comparable con subirse a una montaña rusa, por explicarlo burdamente.

El éxito del filme radica en la facilidad en que la audiencia puede ponerse en los lugares de nuestro protagonista y preguntarse "¿qué haría yo en su lugar, podría hacer lo que hizo él, o me resignaría a morir en medio de la nada?". Asimismo, es una nueva celebración de la vida al estilo de Boyle, un ecléctico director que cambia de géneros y métodos sin inmutarse, llevándonos de nuevo al extremo para redimirnos al final. En suma, 127 Hours representa todo lo que el cine debe ser: emocionante, reflexivo, emotivo, entretenido y, a veces, aleccionador.

EXTRA: Un reportaje con el verdadero Aron Ralston donde describe su travesía, en este reportaje especial para la NBC realizado en 2004. Les pongo la primera parte y sigan los links para continuar viendo.

Oscar time again...

Y aquí estamos otra vez, en esta ocasión en la última hora, el mismo día de los premios. Muchas reflexiones no pudieron ser publicadas. Espero el próximo año poder preparar algo más completo.

Lo cierto es que coincido en que 2010 fue un gran año para el séptimo arte, y hubo para todos los gustos. En México estamos en esa etapa en que todas las cintas de temporada de premios al fin nos llegan, por lo que a veces es difícil seguir el ritmo a los estrenos.

En consecuencia, lamento informarles que no pude ver True Grit, lo cual es una lástima, ya que empiezo a considerarme fan de los Coen. Sin embargo, también he de confesar que el hecho de que sea un remake o una nueva adaptación de algo ya hecho también me desanimó un poco a la hora de decidir si verla o no.

Pero esta entrada es para dar mi pronóstico de las categorías más importantes de los Oscars 2011, un año en que las categorías están más cerradas que en ocasiones anteriores.

Mejor Soundtrack: Muy buena terna este año, con pronóstico reservado, ya que la tendencia en esta categoría ha sido premiar todo lo que les suene muy exótico (baste recordar a Santaolalla y sus inexplicables dos estatullas), o en su defecto se van por lo más popular (como ejemplo los risibles premios a Howard Shore por The Lord Of The Rings, o a Up de Giacchino, a quien adoro y que ya se lo merecía, pero no por Up, uno de sus trabajos menos logrados, y menos por encima del grandioso Sherlock Holmes de Zimmer). John Powell tomó a todos por sorpresa con su gran álbum de How To Train Your Dragon, un trabajo emocionante y emotivo al mismo tiempo, con sonidos celtas como leit motiv. Hans Zimmer también cumple con Inception, pero no se compara a la excelsitud de Sherlock Holmes, y si bien tiene elementos interesantes, no deja de parecerse enormemente a lo que ha hecho con el Batman de Nolan. A.R. Rahman muestra su versatilidad, y tras el Óscar por Slumdog Millionaire, cambia lo bombástico por algo más contenido y cargado de sentimiento en 127 Hours. Alexandre Desplat regresa con su cuarta nominación -tercera consecutiva- en The King's Speech, otra obra sublime y preciosista de este francés que ya ganó el BAFTA por este trabajo, y que además se llevó el César por The Ghost Writer, mientras que se acercó a las masas con Harry Potter & The Deathly Hallows Part 1. Sin duda debería llevarse la estatuilla, pero como Trent Reznor es alguien popular y salió de su ambiente tradicional, ganará por The Social Network, aunque en lo personal creo que es el menos sobresaliente de los nominados.

Mejor Guión Adaptado o de Secuela: The Social Network, de Aaron Sorkin

Mejor Guión Original: The King's Speech, de David Seidler

Mejor Actriz de Reparto: Una de las categorías más cerradas con tres fuertes candidatas: Amy Adams y Melissa Leo, ambas por The Fighter, y Helena Bonham-Carter por The King's Speech. En este caso, y aunque Adams vuelve a impactar en la cinta de Russell, Bonham-Carter es más famosa (creánme, eso es algo que cuenta para los Oscars); y en este caso, la popularidad de su cinta también ayuda, y se llevará el Oscar, por lo que Adams tendrá que esperar un poco más, pero seguro que algún día será suyo.

Mejor Actor de Reparto: Tras la inexplicable, inaudita y estúpida ausencia de Andrew Garfield como el cofundador de Facebook, la batalla es de dos: Geoffrey Rush y Christian Bale. El ganador será Bale porque no sólo interpreta a un drogadicto, sino que también se sometió una vez más a una transformación física impresionante. Rush ya lo ha ganado, y como Mejor Actor, y aunque brilla en su papel de terapeuta del lenguaje en The King's Speech, no podrá repetir. Cabe destacar que esta categoría es muy bizarra, pues la inclusión de Jeremy Renner por The Town es un poco exagerada, mientras que John Hawkes y Mark Ruffalo no tienen power star, y el hecho de estar en cintas independientes mata por completo sus posibilidades.

Mejor Actriz: El Óscar más predecible de la noche será para Natalie Portman, que entrega todo en The Black Swan, fascinando y traumando a sus congéneres alrededor del mundo. Si algo increíble y extraordinario sucede, será para Michelle Williams. Pero no será así.

Mejor Actor: Esta categoría también parece decidida. Colin Firth nos regaló la actuación del año como un hombre con múltiples desafíos para desempeñar su labor como el hombre más poderoso del planeta, y por eso ganará el Oscar. Pero hay que destacar a James Franco, quien vuelve a demostrar sus alcances en 127 Hours, todo un tour de force actoral del que ya hablaré, y que en cualquier otro año le hiubiera granjeado el codiciado hombrecito dorado.

Mejor Director: Otra injusticia en esta categoría, pues la Academia sigue ninguneando a Chris Nolan, cuando ha sido uno de los directores más constantes y exitosos tanto de crítica como de taquilla, con Inception fascinó al planeta, dio todo en favor de la historia, le rehuye a los efectos por computadora, pues hace casi todo in situ, y aún así pareciera que aprecian más lo que hace gente como Cameron o Peter Jackson, esclavos del green screen y la complacencia. Tal y como en la categoría principal, y como seguro veremos a lo largo de la noche, la supremacia se la disputarán The Social Network y The King's Speech. Fincher o Hooper. Cerrada batalla en la que hace 3 meses hubiera apostado por Fincher, pero la fuerza que ha ganado The King's Speech por su reciente estreno y mayor popularidad, me hace dudar. Cualquiera sería un merecido ganador, y aunque Fincher pueda ser alguien más conocido, el corte clásico y mayor accesibilidad de la cinta de Hooper podría ser el factor decisivo. Por otra parte, tenemos el dato histórico de la primera nominación a Darren Aronofsky, que se la debían desde hace tiempo.

MEJOR PELÍCULA: A pesar de la estúpida idea de aumentar la categoría a 10 nominados, abaratando el prestigio por un poco más de rating, este año no se sienten tan injustas las nominadas, quizás con la excepción de The Kids Are Alright y su clichesca temática de la familia disfuncional. Comenzamos a ver una tendencia que se veía venir, y es que casi seguro cada año veremos a Pixar representada (aunque con Cars 2 lo dudo), este 2011 tenemos a Toy Story 3.
Gracias a este formato, la histórica nominación a Mejor Película para The Beauty And The Beast (1991) como la única animada que había logrado tal hazaña perdió su valor nominando a una cinta tan pobre, pero popular, como Up (2009). Así que una buena forma de sorprendernos, y subir el tan querido y buscado rating, habría sido tener por primera vez dos largometrajes animados en esta categoría; para algunos, How To Train Your Dragon supera a la última aventura de Woody y Buzz, así que una nominación no habría estado fuera de lugar. La otra tendencia que veremos cada año será ver a la clásica joyita independiente que nunca falta, sólo como un reconocimiento a esta industria, en 2011 tenemos a Winter's Bone, ganadora de Sundance, cuya premisa me suena parecida a otra gran independiente, Frozen River (2008). 127 Hours es una maravilla y creo que estaría incluída en el formato de cinco postuladas; la de los Coen me parece que está de relleno, mientras que Inception y Black Swan están por el rating, dada su increíble popularidad, aunque es un buen reconocimiento para Aronofsky y Nolan, tomando en cuenta lo que ya mencioné de este último y su relación con la Academia. Así que, como veremos a lo largo de la noche, los premios se dividirán entre The Social Network y The King's Speech. Como ya dije, hace tiempo apostaría todo por la historia de la creación de Facebook, pero ya no estoy tan seguro. La Academia está en la disyuntiva de crear algo fresco y moderno como la cinta de Fincher, o algo más clásico, seguro y dentro de su zona de confort. Históricamente, casi nunca se ha ido por lo arriesgado en esta categoría, y algo me dice que esta noche tampoco lo hará, por lo que creo que la tendencia de los premios de la crítica y toda la alabanza inicial para The Social Network perderá fuerza y The King's Speech ganará el premio más importante, aunque si gana Fincher y su cinta, tampoco sería injusto. En esta ocasión, la Academia tiene todo para ganar.

Recapitulando, aquí están mis pronósticos de las categorías más importantes:

Mejor Soundtrack: Trent Reznor y Atticus Ross - The Social Network
Mejor Guión Adaptado o de Secuela: Aaron Sorkin - The Social Network
Mejor Guión Original: David Seidler - The King's Speech
Mejor Actriz de Reparto: Helena Bonham-Carter - The King's Speech
Mejor Actor de Reparto: Christian Bale - The Fighter
Mejor Director: Tom Hooper - The King's Speech
Mejor Película: The King's Speech

¿Ustedes qué vaticinan? Por lo pronto, ¡disfrutemos esta noche y mañana vemos cómo nos fue!

The King's Speech, de Tom Hooper

La segunda cinta más celebrada del 2010 y que arrasó con los BAFTA llegó a México. The King's Speech, de Tom Hooper es la historia del rey Jorge VI de Inglaterra, quien tuvo que vencer un impedimento de lenguaje para conducir a su nación -bueno, con ayuda de Churchill- durante la Segunda Guerra Mundial.

Y así te la venden en los trailers, como una feel-good movie sin muchas complicaciones, pero que guarda mucho más en su esencia.

The King's Speech es una gran historia que nos habla de confiar en nuestra propia grandeza y escuchar cuando los demás nos la señalan, aderezado con tintes políticos de historias verídicas, así como muestras de verdadero amor entre hombres y mujeres y entre padres e hijos.

En el papel que le dará su primer Óscar, Colin Firth es inconmensurable como el hombre que siempre ha vivido con miedo, pero que siente como poco a poco el destino lo está llevando a un camino que no se siente preparado a realizar. Resulta increíblemente conmovedora la escena en que le confiesa esos miedos a su mujer, un trabajo que en lo personal me emocionó como no lo hacía ninguna actuación desde Mickey Rourke en The Wrestler (2008).

Helena Bonham-Carter también hace un extraordinario trabajo que muy probablemente también le reditúe en su primer Óscar (será un buen duelo con Melissa Leo de The Fighter, pero me inclino más por Bonham-Carter). Cada vez que vemos actuar e interactuar con el Rey Jorge, podemos ver en los ojos de la actriz una verdadera emoción y amor, preocupación y cuidado. Un clásico ejemplo del refrán -aunque un poco machista- "detrás de un gran hombre siempre hay una gran mujer".

Culminando con esta gran triada, Geoffrey Rush brilla como casi siempre lo hace, al convertirse en la piedra de toque para la familia real, un hombre que no se deja intimidar con la majestuasidad sino que se concentra más en su trabajo, el cual se toma muy en serio y lo hace lo mejor que puede. Un gran acierto del guión es que le da matices a este personaje que pudo volverse un cliché, pero del cual terminaremos conociendo muchos detalles vitales que nos hacen descubrir que es un espejo en otra escala del rey, es el rey de su hogar, de sus hijos, de su mujer, todo un mandatario de la clase obrera.

Como cada año, en los Óscares a pesar de los nominados, casi siempre es un asunto de dos. En este 2011 es casi un hecho que la estatuilla será para The Social Network, pero esta cinta es la segunda favorita, y si gana me daría mucho gusto, pues es una cinta para atesorar, como las joyas de la Reina en la Torre de Londres.

The Fighter, de David O. Russell

Continuando con la temporada de las cintas premiables, y también con el gran banquete cinéfilo del 2010, se estrena en México The Fighter, de David O. Russell, una de las cintas más fuertes del año, y que seguramente habría conquistado una nominación al Oscar aún con el formato de cinco nominaciones.

Y es que esta película ha dado mucho de qué hablar gracias al mejor ensamble del año: Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo y Amy Adams, a quien hace poco Robert DeNiro elogiara en el programa de David Letterman. Estos cuatro dan una verdadera clase de actuación, sobresaliendo Bale como un adicto al crack en vías de recuperación, y Adams como la novia de Wahlberg, una mujer educada y con un dulce rostro pero llena de coraje y valentía para impulsar a su amado para que salga adelante. Ya he expresado en este sitio mi enorme admiración por Adams, pero cada vez parece superarse, y en esta obra demuestra que simplemente es una natural. Christian Bale, por otro lado, rertata a un hombre arrepentido de sus decisiones, y que también libra una lucha personal muy particular.

Melissa Leo cumple con creces en un interesante papel que sin embargo no representa un gran reto para ella, después de haber visto sus alcances y su espectacular trabajo en Frozen River (2008), algo me dice que se le volverá a negar el Oscar para quedar en manos de Helena Bonham Carter. Por otra parte, Mark Wahlberg entrega la mejor actuación de toda su carrera como un boxeador que quiere darle un nuevo rumbo a su vida y lograr algo grande por el mismo y no tanto por su hermano, su madre, su manager o sus hermanas, sino por él mismo.

Es esta lucha por la superación personal donde radica la empatía con nuestro protagonista, un verdadero peleador ante los retos realistas de la vida: balancear lo que se espera de uno con las expectativas de los demás, tomar decisiones que pueden afectar a los que están cerca de nosotros, y enfrentarse a la disyuntiva de rendirse o seguir persiguiendo un sueño.

Desde la silla de director, Russell transforma una historia ya contada en un drama de alto calibre gracias a los matices del guión y la cruda humanidad de sus personajes, dando espacio también para escenas muy divertidas. Combinando un estilo casi documental con aspecto televisivo para las peleas, así como un acertado soundtrack y las actuaciones extraordinarias ya mencionadas, Russell logra una de las mejores películas del año pasado, de aquellas que seguiremos años, muchos años después.

Black Swan, de Darren Aronofsky

Cada año hay cintas que medio mundo alaba con razón, y otras que la otra mitad lo hace por razones desconocidas. Black Swan (2010) entra en la segunda categoría.

No le ayuda que desde los primeros quince minutos sepas cómo va a terminar, ni que se vuelva repetitiva ad nauseam, sobre todo en sus minutos finales donde, para empeorar las cosas, pierde toda coherencia, lo cual no se justifica con que nuestra protagonista haga lo mismo.

A Aronofsky lo "tremendista" no le queda muy bien que digamos, la prueba fehaciente es Requiem For A Dream (2000), pues de nuevo exagera, proporciona momentos "impactantes" gratuitos nomás porque sí.

Lo innegable es que tiene mucho estilo, lo cual parece impresionar a muchas personas, y en este caso la actuación de Natalie Portman, aunada a la de Mickey Rourke en The Wrestler (2008) y la de Ellen Burstyn en Requiem For A Dream confirman que es un gran director de actuación. A Rourke le robaron injustamente el Oscar para dárselo a Sean Penn por Milk (2008), Burstyn y Marissa Tomei -por The Wrestler - estuvieron nominadas, pero en este año por fin una cinta de Aronofsky recibirá el Oscar en actuación cuando se lo den a Portman.

Definitivamente esperaba más de esta cinta, cuya premisa e inicio se veían prometedores. Quizás para la próxima Aronofsky vuelva a centrarse en el fondo y no en la forma, pues ya nos ha demostrado que puede hacerlo.

Canción de cisne para Jack y Meg

Ayer dieron la noticia, la peor que haya recibido en mucho tiempo. The White Stripes, la mejor banda de rock del planeta se separa, dejándome devastado.

A principios del siglo XXI, Jack y Meg White literalmente devolvieron la esperanza a la escena del rock mundial con su inigualable, espectacular, ruidoso y virtuoso sonido que se levantó por encima del cambio de giro de MTV, que decidió echar toda su historia a la basura a cambio de Britney Spears y N'Sync.

Es en 1990 que lanzan su disco debut homónimo, seguido del De Stijl (2000), y White Blood Cells (2001), cuando empezaron a darse a conocer al resto del mundo con los rolones "Hotel Yorba", "We're Going To Be Friends", "Fell In Love With A Girl". Además de su sonido que dejó a todos rascándose la cabeza (¿cómo es que con batería y guitarra pueden hacer cosas tan geniales?), también jugaron con el misterio, pues no dejaban en claro su relación, tenían el mismo apellido pero, ¿eran hermanos, maridos, novios, o simplemente era su nombre artístico?, hoy sabemos la verdad: eran ex esposos. También tenían sus propias reglas: siempre vestir de rojo, blanco y negro, basados en el movimiento arquitectónico que da nombre a su segundo disco, e intentar innovar y mostrar algo divertido, interesante o de plano increíble con sus videoclips. Es decir, eran un paquete completo, quizás el mejor planeado de toda la historia.

En 2003, la pronta consagración. Elephant (2003) es quizás, y al menos para mí seguramente lo es, el mejor disco de toda la década, abanderada por su clásico instantáneo "Seven Nation Army".

Get Behind Me Satan (2005) podría ser el álbum más irregular de la banda, aunque a la distancia creo que simplemente esperábamos demasiado después del álbum paquidérmico. Lo cierto es que el satánico trabajo incluye rolas increíbles como "Blue Orchid", "My Doorbell", "The Denial Twist" y "Red Rain".

En 2007 volvieron con nuevos bríos, e Icky Thump es uno de sus mejores trabajos, quizás el segundo mejor, sin duda el más maduro y, como siempre, refrescante.

Jack y White escriben en su infame comunicado que no estemos tristes, que ahora la banda no es sólo de ellos sino de todos nosotros. No sé si sea suficiente consuelo para mí, que soñaba con repetir la increíble experiencia de verlos en vivo, lo cual hice en mayo del 2005 en el Palacio de los Deportes, uno de los mejores conciertos de mi vida, ver a Jack en vivo es todavía más increíble que escucharlo en los discos.

Y sin embargo aquí estoy, apóstol de la guitarra de Jack y la batería de Meg, queriendo hacer ver al mundo que ayer fue uno de los peores días en la historia del rock.

Si no me creen, por favor escuchen esto:

La dedicatoria: para todos los que amamos a los White

Le Concert, de Radu Mihaileanu

Mi primera cinta del 2011 fue Le Concert (2009), cinta de Francia y Rusia en donde el director de una vieja orquesta de la vieja Unión Soviética busca dar el gran concierto que le fue impedido por el gobierno de su país, acusado de traición por defender a los músicos judíos de su orquesta.

Como lo esperaba tras ver el trailer, se trata del clásico melodrama europeo con un equilibrio entre las risas y lo dramático que la hace accesible a todo el público y que, por alguna razón, le encanta sobre todo a los ancianos, cuyos desplantes tuvimos que soportar en la sala de cine.

Desgraciadamente, escribo demasiado tarde sobre esta cinta, y ya es casi imposible encontrarla en las salas de cine de la Ciudad de México, pero les recomiendo que le echen un vistazo y la bajen, o si acaso la esperen a la renta, ¡pero por favor no compren piratería!

Puntos extra por la belleza irreal de Mélanie Laurent, parisina que pone muy en alto a la hermana república de Francia.

Café Tacvba, por Café Tacvba

En 1992, después de tres años de existencia, Café Tacvba lanzó su álbum debut y homónimo. La banda, originaria de Satélite, estado de México, se conformó en 1989 por Rubén Albarrán, Emmanuel –o Meme- del Real, y los hermanos José Alfredo –o Joselo- y Enrique Rangel. En este disco, Rubén se cambió el nombre a “Juan”, divertido porque el público lo llamará así, creyendo que la canción “Pinche Juan” era sobre él. Desde entonces, Rubén adoptaría la costumbre de cambiarse de nombre en cada disco.

Rápidamente se volvieron muy populares gracias a un sonido único en México y en todo el rock en español, a pesar de que no eran una banda de rock tradicional. En la banda no había bajo ni guitarra eléctrica, ni batería, sino una caja de ritmo, teclados, piano, guitarras, tololoche y un curioso instrumento llamado melodión.

No puedo continuar hablando de Café Tacvba sin exponer cómo nació mi admiración por ellos. Uno de mis primos hermanos se hizo del primer disco, sin saber que yo terminaría escuchándolo mucho más que él. Yo contaba con once años, y me llamó mucho la atención la simpatía de esta banda que sentía muy cercana a mí, como habitante de la Ciudad de México, pues hablaba de lugares como Garibaldi, la Alameda Central, Catedral, Bellas Artes, o la secu 23, todo muy cerca del barrio bravo de la Guerrero, en el centro de la capital mexicana, donde me crié junto a mi hermano y mis cuatro primos hermanos. Incluso el nombre de la banda fue tomado de un céntrico café.

También me gustó la “audacia” de incluir groserías en las canciones -a mi edad era algo atrevido incluir la palabra “pinche” en el título de una canción; así como las historias de personajes tan peculiares como Rarotonga, El Catrín, la Chica Banda, Labios Jaguar, los charros negros ahogados en alcohol y la fantasmagórica María.

El disco debut de CaféTacvba tomó a México por sorpresa debido a su originalidad, vitalidad y buen humor. Recordemos que en ese entonces los oscuros Caifanes seguían siendo la banda estandarte del rock mexicano. Pero también nacieron cuestionamientos sobre si eran rock o no, a lo que ellos siempre contestaron que no se consideraban así, sino como una mezcla de sonidos e influencias mexicanas. En pocas palabras, ni ellos mismos sabían cómo clasificarse.

Y en verdad era lo de menos, lo importante era que su disco debut fue un fenómeno gracias a los sencillos “Rarotonga” “Las Persianas” (en ambas canciones se escuchan los sonidos guturales y gritos que aparecen en casi todas las canciones rítmicas del álbum, y que son en extremo pegajosas), así como las hermosas “María” –un fantasma que busca revivir amores pasados: “Es María quien pena en las calles, debajo de un farol, roba besos y vida a la gente, mientras ella yace en un cajón”- , y “Las Batallas” con su solo de melodión a cargo de Meme. En ese entonces desconocía que era una canción basada en el libro clásico de la literatura mexicana Las Batallas en el Desierto, de José Emilio Pacheco.

Menos conocidas son la simpatiquísima “Cometer Suicidio”, sobre un tipo con tendencias autodestructivas que sólo quiere atención (“la nostalgia me ha invadido tantas veces, que ya tengo miedo de hacerme daño, qué no ves que quiero que me salves antes de que logre cometer suicidio”); “Labios Jaguar”, que habla de un chavo que cambia a su novia “muy refinada, de buenos modales, muy afrancesada” por la chica indígena de la limpieza, así como “El Catrín” que recorre el Centro Histórico en espera de su cita a ciegas.

Por otra parte están las canciones menos amables, por decirlo de alguna manera, pero que anticipaban una madurez de composición. “La Zonaja” y “Bar Tacuba” hablan de los excesos etílicos y sus efectos menos agradables (más tarde sabríamos que Joselo sufrió de alcoholismo), mientras que en “Debajo del Mar” reaparecen los fantasmas en una canción de amor con un surrealismo que se volvería sello de Emmanuel del Real (“Caminaba con una anciana que lloraba por sus hijos, yo le hablaba de tus ojos, de color ternura todos… Yo le hablaba sólo de ti, de los perfumes de tus flores, y ella me explicó que la eternidad eras tú”).

Café Tacvba fue uno de los primeros discos que escuché sin parar. Sin embargo, temía que sólo fueran una moda, pues me preguntaba cómo estos cuatro chicos podrían repetir una obra tan genial. Dos años después nos demostrarían que la calidad de esta banda no tenía límites.

Como ejemplos de este disco, y de los posteriores, no tendría mucho sentido remitirlos a los clásicos, así que les pondré las canciones no tan populares, pero que demuestran porqué Café Tacvba es una de las mejores bandas del mundo.

Una Mosca en el Cristal, de "Nena Daconte"

Ya en noviembre de 2009 escribí por primera vez sobre Nena Daconte. Un magnífico dueto catalán que me voló la cabeza en 2006 con su disco debut He Perdido los Zapatos (2006), una colección de extraordinarios temas sin ningún desperdicio, y que con su segunda obra, Retales de Carnaval (2008) confirmaban su gran calidad, mientras que su reputación, ventas y base de fans crecía cada vez más.

Es por ello que en 2010, los fans esperábamos con ansias la tercera producción de la vocalista y compositora Mai Meneses, y su contraparte Kim Fanlo. Sin embargo, como balde de agua fría cayó la noticia de la separación del dueto, mientras que Mai seguiría usando el nombre del dueto, situación contra la que se manifestó abiertamente Kim Fanlo en un comunicado, donde agregaba que había sido Mai quien decidiera disolver su asociación. Más tarde, se anunciaría el pésimo nombre del nuevo disco, Una Mosca en el Cristal. Después, el primer sencillo, "No Te Invité a Dormir" me dio muy mala espina, así como la HORRIBLE portada.

Aunque no es un mal tema, se nota demasiada la diferencia de calidad sin la parte musical que aportaba Fanlo, y si bien algunas letras están al nivel de los otros discos ("No Te Invité A Dormir", "Pregúntame", "No Te Fijaste En Mí", "El Halcón Que Vive En Mi Cabeza", "Esperaré, y el tema en inglés "I Just Call You Girl"), la ausencia del sonido orgánico en parte pop, jazz y blues del original Nena Daconte se extraña demasiado.

Por otra parte, hay canciones cuya inclusión me parece inexplicable, tal es el caso de "Son Niños", donde Mai se pone social y habla de niños de la calle y niños trabajadores, y también la pésima, cursi, ridícula y tonta "Tan Feliz", la cual sería rechazada hasta en el programa de Barney, el dinosaurio. Al resto de las 13 canciones les falta mucho, parecen obras de una chica que apenas empezó a componer, y aunque unas parecen pintar para más, terminan sin satisfacer o caen en la repetitividad, sentimiento incrementado por una producción que también se siente inexperta, asbusando de la caja de ritmos y de guitarras eléctricas fuera de lugar.

Tomando en cuenta que los dos anteriores discos no tenían desperdicio, y que en esta producción sólo tres temas son comparables ("El Halcón Que Vive En Mi Cabeza", "Esperaré, y "I Just Call You Girl" - curiosamente, la única que es totalmente acústica) no puedo más que coincidir en que este disco debió ser firmado sólo por Mai, y no como Nena Daconte. Ojalá que ella recapacite, Nena Daconte era un dueto extraordinario, y este álbum está lejos de serlo.

Dexter por decisión propia, de Jeff Lindsay

Dexter by design (2009) es el cuarto libro en las aventuras de Dexter Morgan, asesino serial mucho mejor conocido por la gran serie de televisión Dexter, que hace unas semanas terminó su quinta temporada.

No sabía muy bien qué esperar de estos textos, pues los libros en los que se basa True Blood representaron una decepción para mí, sobre todo por la traducción ultra españolizada que la verdad me hizo pensar "¡coño, pero qué gilipollez!" Pero no sólo eso, sino que la serie demostró ser superior a los libros, y me temía que con Dexter se repitiera esa situación. Craso error.

Dexter by design es uno de los libros con más humor negro, suspense y emoción que he leído en mucho tiempo, y donde Jeff Lindsay coloca a nuestro héroe pendiendo del alambre, sorteando a la vez un ataque a su hermana, ser perseguido por otro asesino serial, y las crecientes sospechas de compañeros de trabajo y hasta del FBI.

Como en la serie, la historia está contada en primera persona, para conocer el retorcido humor y personalidad del asesino serial ficticio más famoso de la actualidad, un hombre que a cada momento declara su falta de humanidad y de alma, pero que conforme pasa el tiempo se va sorprendiendo de saber que quizás sí tiene algo parecido a sentimientos.

Por si se lo preguntaban, en este libro no se aborda ningún caso que hayamos visto en la serie, pero obvio sí tiene muchos personajes en común, otros que nunca existieron en la serie y que aquí son importantes, unos continúan con vida y otros son creaciones de la serie.

Muy buen libro que deja prometiendo más, y que definitivamente será bienvenido.

Oh, Pretty Woman

Es momento de crear una nueva categoría en este espacio. Una categoría con las canciones más chingonas e increíbles que he escuchado en mi vida, las rolas que considero de lo mejor que se han hecho en la historia. Ya he publicado algunas que definitivamente irán a esa lista ("I Try" de Macy Gray y "Disco 2000" me vienen ahora a la mente), pero en esta ocasión le toca a "Oh, Pretty Woman", del gran Roy Orbison, mejor conocida simplemente como "Pretty Woman".

"Oh, Pretty Woman" es una canción grandiosa por su sencillez, es tan sólo la historia de un chico que se queda impactado al ver pasar a una bella mujer e intenta conquistarla. Lo grandioso de la canción está en la forma, en el ritmo tan pegadizo desde el primer batacazo, en una historia llena de inocencia y agresividad en el buen sentido de la palabra, en la excelente ejecución y en la famosa y hermosa voz de Roy Orbison, una de las figuras más importantes en la historia del rock'n'roll puro y clásico.

Ya hablaré más de Orbison, sobre todo porque recientemente adquirí una antología, la cual me confirmó que este señor era un chingón entre chingones. Mientras tanto les dejo la grandiosa, espectacular y pocamadre rola de la mujer bonita.

Oh, Mujer Bonita

Mujer bonita, caminando por la calle
Mujer bonita, del tipo que me gusta conocer
Mujer bonita, no te puedo creer
Que seas de verdad
Nadie puede verse tan bien como tú
¡Piedad!

Mujer bonita, ¿me podrías perdonar?
Mujer bonita, no pude evitar mirar
Mujer bonita, que te ves lo más adorable que se puede
¿Estás sola como yo?

Mujer bonita, detente un momento
Mujer bonita, platica un momento
Mujer bonita, dame tu sonrisa
Mujer bonita, yeah yeah yeah
Mujer bonita, mírame
Mujer bonita, di que te quedarás conmigo

Porque te necesito, te trataré bien
Ven conmigo nena, sé mía esta noche

Mujer bonita, no te vayas
Mujer bonita, no me hagas llorar
Mujer bonita, no sigas caminando
Hey, está bien...

Sí así debe ser, está bien
Creo que me iré a casa, es tarde
Ya tendré la noche de mañana, pero ¡esperen!
¿Qué es lo que veo?
¿Está regresando a mí?
Sí, camina de regreso a mí
Oh, oh, mujer bonita

Cine: Lo Mejor del 2010

Y se acabó el 2010. Un año intenso para mí en la cantidad de visitas a las salas de cine. Un año en donde vi 71 películas por primera vez, y volví a ver otras 25, dando un gran total de 96 películas vistas, un promedio de 1.8 a la semana. Fue un ejercicio interesante, pero no sé si lo repetiría, y no por verlas, sino porque me impuse el reto de escribir sobre cada una de ellas en este espacio... y lo cumplí. Eso ya es mucho decir. Quizás en 2011 me limite a los estrenos cinematográficos del año.

Para muchos críticos, 2010 fue un año grandioso para el séptimo arte, y puede que tengan razón, pues varias de las cintas en esta lista son realmente extraordinarias. Cabe aclarar que las obras escogidas fueron estrenadas en las salas de México durante el 2010, aunque técnicamente algunas son de finales de 2009.

Y sin más preámbulos, los dejo con la lista, den click en los títulos para leer las reseñas que escribí en su momento.

10.- The Ghost Writer, de Roman Polanski
9.- Biutiful, de Alejandro González Iñarritu
8.- How To Train Your Dragon, de Dean DeBlois y Chris Sanders
7.- Año Bisiesto, de Michael Rowe6.- Tetro, de Francis Ford Coppola
5.- The Social Network, de David Fincher
4.- Up In The Air, de Ivan Reitman
3.- El Secreto de sus Ojos, de Juan José Campanella

2.- Después de darle la revisada que prometí cuando escribí sobre ella, no puedo más que coincidir con la mayoría de las listas que he visto en este fin de año, y reconocer que Inception, de Chris Nolan es una de las mejores cintas que se haya realizado en mucho tiempo. Es una joya por donde se le vea. Este hombre está enrachado y va que vuela para convertirse en uno de los mejores de la historia.

1.- También tengo que hacer un texto complementario para el primer lugar de mi lista. Y es que cuando la estrenaron no supe qué poner, reconozco mi incapacidad para hacerle justicia a una película tan magistralmente dirigida, editada, fotografiada, escrita y actuada como lo es Un Prophète, de Jaques Audiard. Si no la han visto, búsquenla, rastréenla, bájenla, pídanla, hagan lo que tengan que hacer, pero véanla, no se arrepentirán.

Esa fue mi lista oficial, pero el 2010 me dejó más cosas dignas de recordar: festines geek de calidad con Kick-Ass y Scott Pilgrim vs The World, otra joya latina como La Teta Asustada, la intensidad de Das Weisse Band, el reconocimiento mundial de que Tim Burton y M. Knight Shyamalan no son nada, y el final de sagas tan seminales como Toy Story y Harry Potter. 2010 fue un muy buen año para los cinéfilos, brindemos porque el 2011 se le parezca.