jueves, 30 de diciembre de 2010

Tropic Thunder, de Ben Stiller

Tropic Thunder (2008) es una comedia que logra lo que pocas: ser constantemente divertida de principio a fin.

Satirizando a los actores y a toda la industria de Hollywood, Ben Stiller reunió a una plétora de actores cómicos y no tan cómicos para sorprender al espectador, siendo el ejemplo más notorio el de Tom Cruise como el director de un estudio ojete, mal hablado y bailarín de hip hop. Pero si ponen atención, verán a muchas otras estrellas haciendo cameos, sobre todo al inicio y al final de la cinta.

Tropic Thunder no teme pasarse de la raya, ser exagerada y políticamente incorrecta, y se sale con la suya; difícil fallar en una comedia tan bien escrita y protagonizada por el mismo Stiller y el cada vez más celebrado Robert Downey Jr., en otra actuación que, irónicamente de acuerdo a lo que pasa en la película, le mereció una nominación al Oscar.

Además de los dos protagónicos, podemos ver en el reparto principal a Jack Black (de quien nunca he sido fan, pero que aquí hace un muy buen trabajo), Nick Nolte, Matthew McConaughey, el ya mentado Tom Cruise, así como los comediantes no tan conocidos en aquél entonces Jay Baruchel, Bill Hader y el siempre divertidísimo Danny McBride.

Tropic Thunder es de esas cintas que no es para todos, si en los primeros diez o quince minutos no los hace reír, me temo que no les gustará. Pero si sí, creánme que disfrutarán como enanos esta película simplona e irreverente.

The International, de Tom Tykwer

Renté The International (2009) porque me la perdí en el cine y es de esas películas que seguramente nos gustarían a mi madre y a mí por igual: un thriller con mucha acción, protagonizado por dos de mis actores favoritos: Clive Owen, y el sueño de mujer llamada Naomi Watts.

Pensando en retrospectiva, la talla de estos actores debió darme alguna pista de que estaba ante un producto sobresaliente. Poco a poco, la dirección y producción, así como el trabajo de Owen y el rostro de Watts me envolvieron en un trabajo que, dentro del género, escapa de muchos clichés y presenta una que otra sorpresa, siendo la más grande la que me llevé en los créditos finales, al ver que el director es nada más y nada menos que Tom Tykwer, director de Corre Lola Corre (1998) y la magistral La Princesa y el Guerrero (2000).

Entonces entendí el porqué de algunos planos tan preciosistas y pensados para un trhiller. No vi El Perfume (2006), pero sí llegué a escuchar comentarios sobre la belleza de su dirección y fotografía, que poco a poco van distinguiendo a este más que interesante director, a quien en esta ocasión se le agradece inyectar un poco de aire fresco al género. Intenten verla en alta definición.

Filosofía hilarante: Amor y Muerte, de Woody Allen

En Love & Death (1975), Woody Allen reflexiona sobre estos dos temas que lo han obsesionado a lo largo de su carrera, en una manera fársica.

Como de costumbre, su química con Diane Keaton es incomparable, incluso en papeles totalmente ridículos y paródicos, pero que hacen reír bastante sobre todo en las escenas dialécticas más que en las de slapstick. Pongan mucha atención a la mejor escena de toda la cinta, cuando Allen y Keaton discuten sobre el amor y la muerte de una manera bastante filosófica.

Y sin embargo, el chiste se termina rápido y la repetitividad poco a poco va desgastando la fórmula, que con un poco de mayor variedad habría resultado increíble. No obstante, como casi la totalidad de las cintas de Allen, la recomiendo ampliamente.

Viviendo de fantasías: La Rosa Púrpura del Cairo

Quienes hayan visto The Purple Rose of Cairo (1985) probablemente coincidirán en que es imposible de olvidar tanto por su historia fantástica, su belleza, y su poderosísimo final que podría derretir hasta al corazón más cínico.

En una oda de amor hacia el cine, Woody Allen cuenta la historia de una mujer que se refugia en la sala oscura para olvidar que es pobre, que se quedó sin trabajo, y que su esposo es un abusivo. De improvisto, se hará realidd su fantasía por conocer a un hombre como los que aparecen en su nueva película favorita, en una manera increíble y fantástica, revolucionando su mundo por completo.

Mia Farrow y Jeff Daniels están inconmensurables. Ella como Cecilia, la mujer que vive su fantasía, y Daniels como el hombre de sus sueños.

No quisiera contar mucho sobre la historia, sólo que Allen realizó uno de los guiones más inventivos, románticos y divertidos de toda su carrera, con un final inolvidable, emotivo, poderoso y sumamente conmovedor, una declaración de amor al cine y su capacidad de hacernos soñar, aún cuando parezca que todo está perdido. Una obra maestra.

miércoles, 29 de diciembre de 2010

¿Y si fueras el hijo de Pablo Escobar?

Muy buen tagline el de Pecados de mi padre (2009): ¿y si fueras el hijo de Pablo Escobar? Dirigido por el argentino Nicolás Entel, este documental narra algunos aspectos de la violenta vida de Pablo Escobar a través de su primogénito, supuesto heredero natural de una de las carreras criminales más impresionantes que ha conocido el mundo.

Es Juan Pablo Escobar, quien cambiaría su nombre por el de Sebastián Marroquín, quien cuenta su experiencia como hijo de Escobar, un hombre cariñoso con su familia, pero implacable con sus enemigos, lo cual pone a toda su familia en un conflicto del que no pueden escapar ni siquiera tras la muerte del gran capo.

Escrito y estructurado de gran manera, este trabajo enlaza los momentos más trascendentales en la vida de Escobar, ligándolos con el efecto que tuvo en su familia, y en la de otros personajes importantes de la vida política colombiana, a quienes asesinó.

El valor de producción también es altísimo, pues se accede a fotos y videos de la familia nunca antes vistos, así como a material del mismo Escobar. Pero lo más importante es precisamente haber logrado romper el silencio de Sebastián Marroquín y su madre, quienes reconocen los pecados referidos en el título, pero también piden perdón por ellos y ponen en perspectiva que también fueron víctimas de la violencia desatada por el narcotráfico.

Entel construye una narración coherente, ligando hechos que cambiaron la vida de todo un país y llevándolo al plano personal y familiar. De esta forma, el documental tiene un clímax verdaderamente emotivo, donde la generación colombiana actual manifiesta su voluntad por terminar con estos ciclos violentos que han azotado al país durante ya casi setenta años.

No estoy seguro si este trabajo fue realizado para televisión y después exhibido en las pantallas de cine. Yo supe de su existencia al ver el trailer en el cine, pero si se estrenó nunca me enteré, tiempo después lo transmitió Discovery Channel de Latinoamérica y me lo perdí de nuevo. Pude verla al fin porque la renté en Blockbuster, e investigando para este texto, vi que estuvo nominado en Sundance, y que ganó tanto los premios del jurado como de la audiencia en el Festival de Miami (¡de todos las ciudades posibles, tenía que ser Miami, catedral del narcotráfico estadounidense durante los años 80!).

También como resultado de buscarle en internet, di con el documental subido en su totalidad en YouTube, el cual pueden checar aquí y seguir los links para el resto de las partes, y disfrutar de uno de los mejores documentales que he visto en mucho tiempo. ¡Véanlo antes de que lo bajen!. Pueden hacer lo mismo dando click aquí para ver un programa de History Channel sobre la vida de Pablo Escobar. Los dejo con el trailer que vi aquella vez en el cine y que desde entonces me interesó bastante. Afortunadamente, el resultado no defraudó mis expectativas.

El listón blanco, de Michael Haneke

Ya desde Caché (2005), Michael Haneke demostraba que no importa tanto el final del viaje como la travesía, lo cual hay que tener en cuenta antes de ver Das Weisse Band (2009), o El Listón Blanco, pues de nuevo entrega una historia que podría sentirse inconclusa, lo cual después de dos horas y media puede resultar un poco engorroso.

Y sin embargo, la travesía resulta bella en varios momentos. En una historia de tipo "pueblo chico, infierno grande", Haneke retrata en hermosísimo blanco y negro (del fotógrafo Christian Berger) los dos lados de la naturaleza humana. Por una parte la crueldad, el rencor y la maldad del hombre; y por otro la inocencia y belleza del amor y la niñez (aunque también hay sus excepciones).

La cinta tiene varias escenas sobresalientes ya sea por la dirección o por la actuación, pero conforme avanza la historia, éstas son cada vez menos, y el final se siente abrupto, aun cuando se entienda la intención de Haneke porque el misterio sea resuelto e interpretado por el espectador. Pero así como tiene muchas escenas grandiosas, también incluye otras que salen sobrando; incluso, algunas subtramas creo que pudieron obviarse.

Das Weisse Band es un muy buen ensayo sobre la dualidad del hombre, con un interesante misterio que nos venden como leit motiv, pero termina siendo una alegoría, razón por la cual muchos podrían sentirse traicionados, lo cual no quita que es un filme que en muchas ocasiones alcanza lo sublime, y no cualquiera puede lograrlo hoy en día.



PD: Por enésima vez, una crítica a las distribuidoras. ¿Cómo es posible que una ganadora de la Palma de Oro esté en una sala de Cinemex y Cinépolis respectivamente? Creo que mierdas como Los Viajes de Gulliver ya está en demasiadas salas en todo el país, y quitarle algunas para que la gente tenga la oportunidad de ver a una ganadora en Cannes no es mucho pedir... pero ya vimos que no es así. Afortunadamente, la Cineteca vuelve a entrar al quite, ¿pero y la gente del interior de la república que se joda? El día en que, entre otras condiciones, la oferta en las salas aumente, será cuando por fin pueda empezar a hacerse algo contra la piratería, aunque creo que eso tampoco les importa ya.

sábado, 25 de diciembre de 2010

Tron: Haciendo honor al legado

Si el año comenzó con Avatar, termina de gran manera con Tron: Legacy, otro gran ejemplo del cine espectáculo pensado para dejarnos con la boca abierta, y ésta lo logra.

En los primeros 20 minutos dan los antecedentes y sientan las bases para la historia, con uno que otro guiño para los que vieron la cinta original (éstos continuarán durante el resto de la cinta). Pero todo cambia cuando Sam al fin logra entrar al sistema.

Los efectos especiales en Legacy son simple y sencillamente espectaculares, sobre todo en 3D y en las secuencias de juegos, las cuales están muy bien coreografiadas y filmadas por el director debutante Joseph Kosinski.

Por otra parte, es todo un placer ver a Jeff Bridges en un doble papel como héroe y villano, cumpliendo con creces en cada uno, mientras que los menos experimentados Olivia Wilde y Garret Hedlund completan el trío protagónico, haciendo un buen trabajo.

Se ha hablado mucho del soundtrack de Daft Punk, lo cual se entiende después de escuchar cómo capturaron el tono de cada escena con la calidad usual de su música, y a veces con el tono retro ochentero compatible con la música de la película original.

Y si bien la trama es mucho más elaborada que la primera Tron (1982), la cinta va perdiendo ritmo después de la mitad, pero logra rehacerse con una muy buena secuencia final con efectos visuales increíbles.

Puede que Legacy no sea la película del año, pero por lo visual y el entretenimiento ofrecido, bien podría ser el mejor espectáculo del año en la gran pantalla, sobre todo si logran verlo en glorioso Imax 3D...

jueves, 23 de diciembre de 2010

Tron

Con mi boleto en mano para ver Tron Legacy (2010), es que al fin pude volver a ver Tron (1982), una de las primeras películas que me impresionó. No sé si la rentaba mucho o algo parecido, pero en mi infancia me quedó un vívido recuerdo de hombres y mundos de neón que vivían dentro de una computadora.

Años después, morí de risa cuando hicieron referencia a ellos en The Simpsons, pues como nadie que conocía había visto o sabido de Tron, se me hizo un chiste muy bueno, y fue cuando me di cuenta que esta película era de culto.


Y así quedó Tron en mi memoria, como una película que me volaba la mente cuando era niño, pero que ya después no pude volver a ver para recordar la historia o algo parecido.

Hasta hoy que, con la emoción del estreno de Legacy -que se ve simple y sencillamente espectacular- pude verla en mi computadora, para darme cuenta que es una historia muy sofisticada para su época, con efectos especiales increíbles también para su época, pero también demasiado larga para lo sencillo de su trama (aunque después de todo, se supone que es para niños). Si tienen la oportunidad, vean esta cinta tan peculiar que compensa en lo visual lo que le falta en lo argumental. Ya en dos días hablaremos de Legacy...

Los dejo con un trailer hecho por un fan que está increíble, me dan ganas de comprar la cinta en BluRay para poder verla así y no como lo hice, que además fue en español de Castilla, ¡joer macho!

Drácula, de Bram Stoker

Aaah, los clásicos. Esta semana soy menos inculto que la anterior, pues por fin leí Drácula (1897), del irlandés Bram Stoker. Resultó interesantísimo leer en la contraportada que Stoker era reportero y que un caso de vampirismo que cubrió le despertó la imaginación para escribir este libro seminal, y que incluso tomó a sus amigos por sorpresa al escribir este libro.

Escrito astutamente en forma de varios diarios hilvanados, Drácula tiene muchas partes escalofriantes, sobre todo en la primera parte, mientras que en otras los protagonistas se reúnen para descifrar -cual detectives- los misterios del Conde, dirigidos por la experiencia de Abraham Van Helsing y la intuición de Mina Harker.

Qué se puede decir de un clásico como éste que no se haya dicho ya. Solamente recalcar que esta novela prácticamente creó las reglas de todo un subgénero que va más allá de la literatura y abarca todos los medios de entretenimientoy artísticos.

domingo, 19 de diciembre de 2010

Doblado por ti

Como siempre, ella sabe cómo expresar todo tipo de situaciones de gran manera. La traducción es mía.

Doblado por ti

Estás inseguro y no estás listo, eso debe significar que te deseo
No estás disponible ni interesado, y busco el confort en ti

Un millón de veces y en un millón de maneras trataré de cambiarte
Un millón de meses y un millón de días trataré de convencerte

He esperado por ti y ajustado por ti y ya estoy harta
He sido deferente contigo y te he permitido y ya estoy harta

Eres muy joven o eres muy mayor o simplemente no sientes inclinación
Estás dormido o te estás negando, esa es mi entrada para adorarte

Muchas veces de muchos modos intentaré exprimir tu amor
Muchas horas y de muchos modos me daré un festín con las migajas que me das

Me he doblado por ti y privado por ti y estoy harta
Me he deprimido por ti y crispado por ti y estoy harta
Me he reprimido por ti y comprometido por ti y estoy harta
Me he callado por ti y y sacrificado por ti y estoy harta

No pasará mucho para que me reivindique
No tomará mucho tiempo y estaré de nuevo en el camino
No será fácil distanciarnos
Estoy al final de esta etapa de autoprivación

Tienes miedo de todas las mujeres, miedo de tus maneras internas
Tiemblas de pensar en vivir bajo el mismo techo que yo, que Dios y que todo

Un millón de veces y de un millón de maneras he tratado de cambiar para igualarte
Muchas veces en muchos días he tratado de que ya no me gustes

Megamente

Es una película smipaticona, suficientemente entretenida pero pobremente escrita. Con buenos chistes de vez en cuando. Sin embargo, cintas como las de Brad Bird (The Incredibles y Ratatouille) o Cómo entrenar a tu dragón (2010) han demostrado que se necesita algo más inteligente y desarrollado. Desgraciadamente, las cintas animadas infantiles (en todo el sentido de la palabra) casi nunca generan pérdidas, por eso siguen reproduciéndose como plaga.

Eso sí, se ve increíble; el trabajo de animación es buenísimo.

jueves, 16 de diciembre de 2010

Nowhere Boy

Nowhere Boy (2009) es el original título de la más reciente cinta sobre John Lennon, o en este caso, de su adolescencia y la relación con su madre, Julia, inmortalizada en la canción del mismo nombre, así como su tía Mimi.

Creo que es refrescante esta ficcionalización semi veraz de la vida de John, sin darle tanta importancia a la formación de lo que más tarde serían The Beatles, historia contada muchas veces antes.

Aaron Johnson sobresale en su interpretación de Lennon como un chico extrovertido, a veces en demasía, bromista en casi todo momento, pero también de carácter difícil, aunque al final exageran un poco cuando dice que la historia familiar lo estaba volviendo loco. El inglés Johnson me convenció en cómo pudo haber sido John en esos años, y además demuestra gran versatilidad, pues este mismo año protagonizó Kick-Ass, en otro gran trabajo como un chico que pasa por una gran travesía personal, con un perfecto acento estadounidense, mientras que aquí recrea el de Liverpool con la misma eficacia.

Y aunque hay muchas imprecisiones históricas, la más chocante para mí fue el retrato de la tía Mimi como una persona estricta y fría con John, lo cual es totalmente alejado de la realidad. No obstante, y tomando en cuenta la manera en que fue escrito el personaje, Kirstin Scott-Thomas también un gran trabajo como la tía Mimi.

Una interesante cinta para pasar el rato y repasar la historia de Lennon, y para que los que no la sepan se den una idea a grandes rasgos, aunque por muchos momentos parece más una película para televisión que para la pantalla grande.

miércoles, 15 de diciembre de 2010

The Social Network, de David Fincher

Cuando una cinta comienza con "Ball And Biscuit" de The White Stripes, uno sabe que todo irá bien. Y aunque The Social Network (2010) no es la mejor cinta de David Fincher, se posiciona sin duda entre lo más sobresaliente de su filmografía, y se convirtió en la más aceptada de todas en su carrera, pues es la más accesible de las que ha hecho.

Uno podría pensar que The Curious Case of Benjamin Button (2008) ya había cumplido con ese requisíto, con sendas nominaciones en la temporada de premios, pero me cuento entre las personas que les gustó a secas la cinta, pero con ese mal sabor de boca que nos dejó una película prefabricada para la temporada de premios precisamente, y con momentos tan cursis, totalmente ajenos a todo lo que Fincher nos había ofrecido hasta entonces. Lo sentimos como un encargo, o como si alguien más hubiera dirigido la cinta.

Sin embargo, cuando me enteré que su proyecto sería The Social Network, no pude más que entusiasmarme, pensando que era algo más acorde a él, y seguro de que el resultado sería bueno, aún cuando la noticia de "una película sobre facebook" levantó más de una ceja.

Dos años de espera después, por fin tenemos en las pantallas esta cinta, la cual ya ganó el National Board of Review, el Premio de los Críticos de Washington y de Boston, así como 6 nominaciones para los próximos Globos de Oro, incluyendo Mejor Película y Mejor Guión.

También la respuesta del público ha sido la mejor, por eso afirmo que es la cinta mejor recibida en la carrera de Fincher, lo cual no es más que justo tras un movimiento en donde se nota que hizo lo que quiso en lugar de lo que creyó que sería lo más popular y premiable.

En este filme vuelve el Fincher con el ritmo impecable y sin concesiones en el guión, al contar la historia de Mark Zuckerberg, el creador de facebook, así como todo el proceso de creación, el cual estuvo plagado de problemas y demandas de robo o plagio, mientras que le costó la relación con su mejor amigo y co-creador de la red social más grande e importante del mundo.

Peter Travers, de Rolling Stone, dice que esta obra "define a toda una generación" o algo así. No sé si llegaría a tanto, pero entiendo su idea. Si bien la historia de Zuckerberg no creo que defina a una generación, lo que sí lo hace es facebook como epítome de la penetración de internet en la sociedad actual y su crecimiento exponencial hasta llegar a la cantidad de 500 millones de personas de todos los continentes en 7 años.

Quizás las personas mayores de cuarenta no logren entender ahora la importancia de este invento, pero Zuckerberg creó una de las herramientas sociales más efectivas e importantes de la historia. En la cinta hay una escena sencilla pero vital: de repente, la frase "búscame en facebook" se hace popular en el entorno de los protagonistas. Hoy en día, facebook es la carta de presentación número uno de la juventud, muchas veces el primer contacto con el resto de la sociedad, donde ponemos lo que queremos dar a conocer y buscamos lo que queremos saber de nuestros amigos y familiares. En la actualidad, damos nuestro correo y nuestro facebook antes que nuestros teléfonos, hacemos nuevos amigos de acuerdo a nuestros intereses, y si ya no queremos saber de ellos, simplemente los eliminamos. Si queremos convencer de algo, si tenemos una causa, o simplemente si queremos invitar a alguien a una fiesta, mandamos un mensaje masivo y listo.

Si internet ya había cambiado las comunicaciones, facebook llevó este cambio a las masas, y sigue ganando adeptos en todo el planeta pues, como dice una chica en la película, es sumamente adictivo.

Ahí radica uno de los mayores aciertos de Fincher, pues es sabedor de que millones de personas están pegadas al facebook, y quizás a un porcentaje importante de ellas podría interesarles cómo es que esta herramienta fue creada. Y si encima director y guionista entregan una historia apasionante, el éxito está garantizado.

No es de sorprender el gran resultado de The Social Network. Después de todo, comienza con The White Stripes y cierra con The Beatles. No se puede pedir más.


PD: La espectacular actuación de Andrew Garfield como el co-creador de facebook es de lo mejor que pudimos disfrutar este año en la pantalla grande. Y también Jesse Eisenberg cumple a la perfección con su papel, dibujando a un cabrón bien hecho.

martes, 14 de diciembre de 2010

The Flaming Lips en vivo

Como ya he escrito en este espacio, sólo tengo y conozco los tres discos más recientes de The Flaming Lips, es decir, del 2002 a la fecha. Y a pesar de que la carrera de esta banda abarca más de 20 años, fui a ver a una de las agrupaciones más interesantes del mundo.

De antemano, ya había leído que los conciertos de los Flaming son un espectáculo donde lo visual y los "props" tienen la misma importancia que la música, y la banda no escatima en ofrecer un buen show casi circense, con el confeti y las serpentinas, los globos, la esfera de plástico en la que se mete Wayne Coyne para caminar entre el público, las botargas de osos, soles y orugas, la bola disco gigante y las manos gigantes que lanzan rayos laser hacia la bola para que se reflejen en todo el escenario (sin duda alguna, este último acto es el más espectacular de todos).

Y sin embargo, la música quedó a deber. El repertorio basado en el semi experimental y poco armónico Embryonic (2009) falló en prender al público, y con razón. Qué diferencia con temas más populares y buenos como "The Yeah Yeah Song", "Do You Realize?" y, el mejor momento de toda la noche, "Yoshimi Battles The Pink Robots Pt. 1", donde la banda deja que sea el público quien cante a todo pulmón una de sus mejores canciones.

Seguramente más de un fan ocasional salió decepcionado a pesar del buen espectáculo, e incluso tendría mis reservas para afirmar que los incondicionales estuvieron conformes. En lo personal lo disfruté en varios momentos, pero en otros me quedaba estupefacto por los temas seleccionados, aunque eso sí, la ejecución fue impecable en todo momento.

domingo, 12 de diciembre de 2010

Juegos de Poder, de Kevin Macdonald

Basada en la miniserie de la BBC del mismo nombre, State Of Play (2009) es un thriller político con reminiscencias del clásico All The President's Men (1976). Como en aquella, aunque en menor escala, un par de periodistas tendrán que seguir una serie de pistas para esclarecer un escándalo arriesgando incluso sus vidas.

Kevin Macdonald confirma ser un muy efectivo director de thrillers, después de su trabajo en The Last King of Scotland (2006), la cual le valió un Óscar a Forest Whitaker. En esta ocasión, también demuestra su buena dirección con los actores, con un casting de ensamble integrado por Russell Crowe, Helen Mirren, Rachel McAdams, Jason Bateman, Jeff Daniels, Robin Wright y Ben Affleck.

Crowe ha visto apagarse su estrella desde que ganó el Óscar y por los escándalos no profesionales de su vida, pero aquí demuestra que sigue siendo un gran actor (para mí uno de los mejores que se puedan ver hoy en día). Interpretando a Cal McAffrey, un veterano periodista que debe trabajar con la novata Della Frye (McAdams), Crowe personifica a un profesional luchando por el equilibrio entre llegar a la verdad aún a costa de perder a un amor y a uno de sus grandes amigos. Como en todos sus papeles, Crowe es completamente creíble en su papel y logra la empatía del espectador desde el comienzo.

El resto del reparto también cumple con creces su labor, pero quiero destacar también a Affleck por este renacer creativo y profesional que comenzó cuando dirigió Gone Baby Gone (2007). En esta cinta, interpreta a un joven congresista que súbitamente se ve inmerso en un escándalo a nivel nacional, que tendrá serias repercusiones en su vida privada y en su relación con Cal.

Veraz e interesante, State of Play es sin duda una muy buena pieza de entretenimiento, sobre todo si son aficionados a los thrillers.

jueves, 9 de diciembre de 2010

Somos lo que hay

Somos lo que hay (2010) es una de esas cintas que uno no se puede explicar como encontraron financiamiento y producción. Una interesante premisa (una familia de canibales tiene que sobrevivir después de que muere el padre, su proveedor) se va al bote de la basura con un filme en el que todo está mal: las actuaciones, la dirección, la música, la fotografía y, sobre todo, el guión, risible de principio a fin. Mejor, dicho, y para ser más justos, no de principio a fin... sólo como desde el minuto 20 hasta el patético desenlace.

Mientras veía esta cinta -en los momentos que no me reía-, pensé que parecía el trabajo final de una clase de producción, pero de preparatoria. En ese caso podría ser muy buena, pero cuando le pides a la gente que pague para ver esto, es como mentarles la madre. Inexplicable su programación en nuestra catedralita del cine, aunque seguramente no le durará mucho el gusto.

Sin embargo, tampoco me amargó ni fue una mala experiencia, sino todo lo contrario, me reí mucho ante tanto sinsentido y ridículo. La secuencia "climática" es de antología, para enmarcarla dentro del mejor humor involuntario en toda la historia del séptimo arte. Si la ven por accidente, no se ofendan y mejor ríanse, es tan mala que es divertida.

miércoles, 8 de diciembre de 2010

30 años sin John

Reproduzco aquí el texto que escribí este día especial, y que fue transmitido hoy mismo. Consideren que, al ser para televisión, tuve que ser lo más sintético posible:

Hace 30 años murió uno de los hombres clave para comprender el siglo veinte. John Lennon nació el 9 de octubre de 1940 en Liverpool, Inglaterra. Lennon tuvo una infancia y adolescencia difíciles, en las que vivió la mayor parte del tiempo con su tía, aunque con visitas regulares de su madre, hasta que falleció trágicamente al ser atropellada cuando él tenía diecisiete años. En ese entonces ya había fundado la banda que más tarde sería conocida en el mundo entero como Los Beatles.

Junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, conquistó y definió el mundo de la música y de la cultura en la década de los sesenta, como abanderado de los movimientos pacifistas y de la psicodelia. En Los Beatles, Lennon escribió las letras más introspectivas de la banda, como "Help!", "Nowhere Man" e "In My Life"

La popularidad y el éxito no estuvieron exentas de polémica. Durante el apogeo de la agrupación, Lennon comentó como crítica social que Los Beatles eran más populares que Jesús, lo cual provocó un escándalo en los estados unidos, donde se realizaron quemas de sus discos y amenazas de grupos como el Ku Klux Klan, este tipo de manifestaciones orillaron a la agrupación a abandonar las giras. Posteriormente, se dijo que el título de su canción "Lucy in the sky with diamonds", llena de imágenes surreales, era una referencia al LSD.

Tras la ruptura de Los Beatles, John se mudó a nueva york en 1971 junto a su esposa Yoko Ono, con quien realizó un activismo permanente por la paz mundial y contra la guerra de Vietnam con canciones como "Imagine", "(Happy Christmas (War is Over)" y "Give Peace a Chance". Estas actividades provocaron que Richard Nixon buscara deportarlo en 1973, pues creía que Lennon representaba un obstáculo para su reelección. Bob Dylan salió en defensa de la pareja, y el escándalo de Watergate se interpuso en las intenciones de Nixon.

Con el nacimiento de su segundo hijo, sean, en 1975, Lennon se retiró temporalmente de la vida pública y musical hasta 1980, cuando lanzó el álbum "Double Fantasy", el séptimo de su carrera solista. Fue en ese mismo año, el 8 de diciembre, cuando un fanático, buscando la misma fama que el artista, le disparó frente al edificio donde vivía. John Lennon murió desangrado en el camino al hospital.

Treinta años después, el mundo recuerda su legado. En Liverpool, locales y turistas se toman fotos con una estatua de Lennon, y visitan la escultura erigida en su memoria. “Fue un gran vocero de la ciudad, del amor, la paz y el entendimiento. Qué mejor época del año que la Navidad para dar este mensaje, así que por eso pensé en venir a ver el memorial. Fantástico”, declaró un coterráneo de Lennon.

En el Central Park de Nueva York, personas de todo el mundo ponen flores, fotografías, postales y mensajes sobre el mosaico dedicado al artista, en la sección del parque bautizada como "Strawberry Fields" en honor a una de sus canciones.

“Vivió en un tiempo en el que yo no había nacido, pero su música es tan conmovedora que, hasta la fecha es muy emotiva en todos los aspectos y eso es probablemente lo más importante”, afirmó Carlos, un turista brasileño; mientras que Ranada Havard, habitante de Nueva York dijo: “Me encanta lo que representaba. Todo lo que quería en su vida era la paz, todo lo que predicaba era sobre la paz. Lo único que quería hacer era amar a su esposa y a sus hijos, y perdió eso. Pero la gente lo sigue recordando treinta años después. Es genial”

martes, 7 de diciembre de 2010

Balas sobre Broadway, de Woody Allen

Bullets Over Broadway (1994) fue una de esas cintas de Woody que conectó con el público y la crítica, tan sólo un año de la maravillosa Manhattan Murder Mystery (1993), Allen nos regaló una comedia muy divertida sobre la separación del hombre y del artista, envuelta en un escenario de música, mafia, teatro, conflictos, romance y deslices.

Nominada en su momento a siete Óscares, inlcuido Mejor Guión y Director para Woody Allen, esta película brilla por su gracia y un elenco espectacular conformado por John Cusack, Chazz Palmintery, Jennifer Tilly, Jim Broadbent, Rob Reiner, Tracy Ullman, Mary Loise Parker y, en el papel que le valió el Óscar y el Globo de Oro, Dianne Wiest como la actriz que vive en drama permanente, y que quiere recuperar la gloria gracias a la nueva joya de los escritores de teatro (Cusack). Jennifer Tilly también fue nominada al Óscar, lo cual se fue convirtiendo en una tendencia de la Academia a reconocer el gran trabajo de Allen como director de actores (aunque en realidad los deja ser libres y seguir su instinto), con nominaciones para los histriones de sus cintas, sobre todo a partir de los noventa en adelante. El ejemplo más reciente es la victoria de Penélope Cruz en 2008 por Vicky Christina Barcelona.

Sin duda, Bullets Over Broadway es otra de las grandes cintas de Allen, una de las más disfrutables y accesibles para un público masivo, y con un clímax y desenlace sorpresivos y emotivos.

La chica de al lado

The Girl Next Door (2004) es una pequeña película que encuentra su mayor fortaleza en ello: no es ambiciosa ni pretenciosa, sino que sólo se preocupa por hacer reír. Y lo logra en muchas ocasiones, aunque para ello pidan demasiadas licencias del espectador.

Eso sí, explotan a la perfección la sensualidad de Elisha Cuthbert como el objeto del deseo, y es que Elisha es una de las actrices más sexys y bellas de Hollywood desde hace tiempo.

También destaca la actuación de Timothy Olyphant, en un papel casi inverosímil para él, pero donde se sale con la suya al entregar un personaje muy adorable al principio, pero que a la mitad se transforma por completo y se vuelve en un muy buen antagonista.

Llama la atención el soundtrack plagado de artistas y canciones muy populares, y como ejemplo pongo "Under Pressure" de Queen y "Baba O'Riley" de The Who, entre otras, lo cual eleva el valor de esta producción, pues los derechos a canciones tan populares no deben salir nada baratos.

Película para pasar el rato, y que está diseñada y destinada a los adolescentes, por lo que ellos la disfrutarán más.

viernes, 3 de diciembre de 2010

Manhattan Murder Mystery, de Woody Allen

Manhattan Murder Mystery (1993) es una de las joyas más brillantes en la carrera de Woody Allen pero, extrañamente, no es tan popular como otros de sus clásicos. La razón escapa de mi entendimiento, pues es una cinta extremadamente graciosa, sencilla y efectiva.

Haciendo mancuerna de nueva cuenta con Diane Keaton, Woody protagoniza esta cinta donde aplica perfectamente todas las enseñanzas de Alfred Hitchcock para crear un híbrido de humor y suspenso.

En la historia, Woody y Keaton son Larry y Carol Lipton, un matrimonio de 20 años que se ve involucrada en un misterio cuando Carol comienza a sospechar que el vecino de departamento asesinó a su esposa, mientras que Larry cree que son sólo paranoias de su mujer. Es en esta oposición de caracteres donde está el elemento más divertido de toda la historia, pues sus diálogos son los que provocan más risas gracias a una química que ya había estado más que probada a través de mas de 20 años de carrera con muchas cintas juntos. En este caso, Keaton es la entusiasta y aventurera, mientras que Woody es el mismo neurótico y gracioso de siempre.

Sin embargo, no estarán solos en su empresa, pues contarán con la importantísima ayuda de Ted y Marcia, quienes además generarán momentos de celos y tensión entre los Lipton, por lo que la historia se desenvuelve en una segunda capa en la que Larry y Carol no sólo buscan resolver el caso, sino que también se están jugando su propio matrimonio.

Ted y Marcia son interpretados espectacularmente por Alan Alda y Anjelica Huston, cada uno maravilloso en sus distintas maneras de sentirse atraídos por Carol y Larry. Él, de manera tierna y añorante; ella, más agresiva y sensual. Lo que sí tienen en común es una gran inteligencia que será de mucha ayuda para desentrañar el misterio. La escena donde los cuatro protagonistas van uniendo las piezas del rompecabezas es una delicia para todos los amantes de las buenas actuaciones, y es especial también porque estarán los cuatro en pantalla sólo una vez más.

La trama también es bastante interesante, ya que Woody logra momentos de tensión verdaderamente hitchcockianos, casi siempre liberando la tensión con una buena carcajada, mientras que también agrega elementos de film noir. Un film noir a todo color para fines del siglo XX.

Con todos estos elementos, Manhattan Murder Mystery es una de las cintas predilectas del mismísimo Woody. Una obra sobresaliente sin pretensiones que logra con creces su objetivo: brindar muchas risas y entretenimiento total.

martes, 30 de noviembre de 2010

La canción de mi vida

No sé exactamente qué tiene "Disco 2000" que me gusta tanto. Quizás su riff que te atrapa desde un principio, el coro tan romántico, los versos con esa ironía y humor que caracteriza a Pulp, o tal vez la historia de amor eterno pero imposible, la añoranza y el deseo por alguien que nunca estará, pero que de vez en cuando nos presta un poco de atención. O quizás no sea el fondo sino la forma, pues la música y la letra me encantaron desde la primera vez que la escuché y lo sigue haciendo quince años después.

El chiste es que celebro cerrar el mes más productivo de Hedonismo & Reflexión con la canción favorita de TODA MI VIDA. Además, celebro la grandiosa noticia de su inminente regreso, y me alegro de las casualidades de la vida, pues esta rola vino a mí previo a momentos en que la iba a necesitar mucho. Señoras y señores, la canción de mi vida, "Disco 2000"...

Disco 2000

Nacimos con una hora de diferencia
Nuestras mamás dijeron que podríamos ser hermanos
Tu nombre es Deborah, nunca te sentó bien
Y decían que cuando creciéramos, nos casaríamos sin separarnos
Oh, nunca lo hicimos, aunque muchas veces lo pensé
Oh, Deborah, ¿lo recuerdas?

Tu casa era muy pequeña, con astillas en las paredes
Cuando pasé a saludar ni siquiera me notaste
Y dije: hay que encontrarnos en el 2000
Será un poco extraño siendo adultos
Te espero en la fuente a las dos de la tarde
Nunca supe que te casaste
No hubiera estado viviendo solo
Sólo recordando todos esos jueves y años húmedos

Fuiste en la primera en usar sostén
Y Martin decía que eras la mejor
Oh, los chicos te amaban y yo era un desastre
Tuve que verlos intentar desnudarte
Fuimos amigos y hasta eso llegamos
Te acompañaba a casa
Eso significó nada para ti porque eras tan popular
Oh, Deborah, ¿lo recuerdas?

Tu casa era muy pequeña, con astillas en las paredes
Cuando pasé a saludar ni siquiera me notaste
Y dije: hay que encontrarnos en el 2000
Será un poco extraño siendo adultos
Te espero en la fuente a las dos de la tarde
Nunca supe que te casaste
No hubiera estado viviendo solo
Sólo recordando todos esos jueves y años húmedos

¿Qué harás el domingo, nena?
¿Te gustaría salir conmigo, quizás?
Incluso puedes llevar a tu bebé

domingo, 28 de noviembre de 2010

Sin palabras

Y como lo prometido es deuda, les traigo la traducción de una pequeña joya incluida en el álbum clásico Band On The Run (1975), de Paul McCartney & Wings, "No Words".

"Sin Palabras"

Quieres regalar tu amor
Y terminar sin dar nada
No me sorprende que tus ojos negros
Estén contemplando

Dices que el amor lo es todo
Y lo que más necesitamos
Desearía que supieras que así de sincero
Era mi amor

Sin palabras para mi amor

Tu amor ardiente, dulce amor ardiente
Está en lo profundo
No lo debes esconder, tu amor ardiente
Dulce amor ardiente, tu amor ardiente,

Quieres voltear tu cabeza
Y alguien está pensando en ti
Desearía que supieras
Que soy sólo yo
Te amo

You Will Meet A Tall Dark Stranger, de Woody Allen

You Will Meet A Tall Dark Stranger (2010) es la nueva obra de Woody Allen, mi director de cine favorito. Y como es su costumbre, nos regala una obra llena de conflictos entre parejas, infidelidad y reflexiones sobre la vida.

Y si bien regresa a estas constantes de su trabajo, también logra darle su propio carácter y personalidad, incluyendo el tema del amor en la tercera edad, es decir la suya (esta semana cumplirá 75 años).

Pero esa no es la premisa de esta cinta. Lo es, creo yo, el poder del pensamiento positivo y en tus propias creencias aún cuando todo el mundo o todas las circunstancias te indican que es mejor seguir el sentido común. En este caso, la vida castigará a los escépticos y premiará a los que son leales a sus convicciones.

Podrá sonar como algo muy serio o denso, pero es todo lo contrario. Lo que hace Woody aquí, y es por eso que millones lo adoramos, es hacernos reflexionar sobre temas serios, pero haciéndonos reír muchísimo al mismo tiempo. El humor en esta cinta es tan fino como siempre, e incluso más que en sus obras cómicas más recientes. La sala de la Cineteca Nacional no paró de reír gracias los ingeniosos y tradicionales one liners de Allen, mientras que al final aflora su visión pesimista sobre la vida.

Allen reúne a un elenco multiestelar con gente como Antonio Banderas, Anthony Hopkins, Freida Pinto y el poema de mujer Naomi Watts, pero es la veterana inglesa Gemma Jones quien se lleva esta película como Helena, la mujer que cree en los trabajos de una pitonisa, mientras que Lucy Punch también se luce en el cómico papel de Charmaine, una prostituta que le exprime el dinero a Anthony Hopkins.

Woody es el mismo de siempre, con las mismas obsesiones, los mismos conflictos desde un prisma distinto en cada obra, pero lo que más se agradece, es que su calidad sigue siendo incuestionable, lo cual queda más que demostrado con esta película -aunque en realidad no tenga que demostrarle nada a nadie.

Tetro, de Francis Ford Coppola

Francis Ford Coppola, más allá del bien y del mal, presenta Tetro (2009), una obra de misterio, arte, locura, enigmas y, por supuesto, la familia.

Resulta difícil hablar de una cinta que se desplaza hacia muchas partes y que abarca demasiado. Desde la hermosísima secuencia inicial hasta los flashbacks reveladores, los fragmentos de ópera y de ballet, así como una serie de personajes muy fellinescos.

Realizada en Buenos Aires, Coppola no desaprovecha la cultura y belleza de la capital argentina, así como a uno de sus actores más finos, Rodrigo de la Serna, así como el talento latino de Maribel Verdú, quien brilla con otro personaje muy humano y compasivo pero fuerte, como el que vimos en El Laberinto del Fauno (2006). Por otra parte, Vincent Gallo y Alden Ehrenreich cargan con todo el peso de la película como Angelo (o Tetro), y Bennie, un par de medio hermanos que se reúnen a pesar de la reticencia de Tetro, y de los deseos de Bennie por conocer mejor la historia de su familia, la cual siempre ha sido un misterio para él.

Ambos hermanos viven rodeados del ambiente artístico porteño, en una actualidad atemporal fotografiada con gran maestría por Mihai Malaimare Jr., quien colabora por segunda vez con Coppola después de la ignorada Youth Without Youth (2007).

El director puede que ya esté fuera de los círculos del mainstream, que sus cintas ya no sean estrenadas con miles de copias en el mundo, lo cual es una lástima, pues en este filme demuestra, escena tras escena, porqué es considerado como uno de los más grandes. Y si bien el ritmo cojea por momentos, el ojo experto del realizador nos regala momentos de gran belleza y emoción, al tiempo que la historia va tejiendo lentamente un misterio con un final netamente operístico que no desentona con sus pretensiones de tragedia clásica.

Interesantísima obra que nos regresa al mejor Coppola tan admirado y respetado, Tetro resultó para mí todo un deleite visual que, si bien tiene fallas en su dinamismo, es una obra que para todo el que se considere cinéfilo vale muchísimo la pena revisar.

PD: No puedo dejar de mencionar el fascinante soundtrack de Osvaldo Golijov. Una obra llena de misterio y seducción que contiene, no podía ser de otra forma, el sabor del bandoneón y el tango argentinos. Una espectacular sorpresa que no hace sino enriquecer una obra de por sí muy buena.

Tender Son

Al salir de la sala, antes de que terminara Tender Son (The Frankenstein Project) (2010), pensaba que he hecho esto pocas veces.

Pero haciendo más memoria, no recuerdo alguna otra ocasión en que me haya salido, y miren que si he visto muchas, muchísimas cintas aburridas. Pero el problema de esta cinta no es tanto que sea aburrida (que lo es, y mucho), sino que es una ofensa para el sentido común y de narrativa, mientras que las motivaciones de los personajes no existen en absoluto.

Y si bien la dirección es más que interesante en algunas escenas y momentos, mientras que contiene algún que otro encuadre inspirado, eso no es suficiente para soportar una película de la que nunca sabré el final, pero estoy seguro que no me perdí de gran cosa.

lunes, 22 de noviembre de 2010

Band on the Run, de Paul McCartney

Band on the Run (1975) es el álbum más celebrado en la carrera solista de Paul McCartney. Desde la primera canción que da nombre al disco, hasta la cerradora "1985", Paul entrega todo el espectro de su talento en tan sólo 9 tracks oficiales y otros dos incluidos como bonus desde hace mucho tiempo.

No por nada, en su gira más reciente, éste disco y el White Album (1968) son de los que más se alimentó Paul, aunque no hay que olvidar que el White Album es doble. En "Band on the Run" describe la emocionante fuga de unos presos, en "Jet" la historia de un amor prohibido, mientras que "Bluebird" es una balada sobre libertad. Aunque negado por él, en "Let Me Roll It" adoptó el estilo de Lennon haciéndolo tan bien como él. "Mamunia" habla sobre el clima lluvioso en Lagos, Nigeria, mientras hacía el disco junto a su esposa Linda y Denny Laine, los otros dos tercios de Wings. "No Words" es una hermosa balada rock de la cual pondré la traducción muy pronto, y tanto "Picasso's Last Word (Drink To Me)" como "1985" cierran el círculo muy al estilo que había impuesto desde Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967), Abbey Road (1969) e incluso en Red Rose Speedway (1973).

Esta entrada, sin embargo, es también para hablar de la nueva edición/masterización del disco, y de la versión de lujo, que adquirí después de mucho meditar sobre su elevado precio (75 dólares). Pero como siempre, Paul hizo que lo valiera.
La edición de lujo contiene el álbum con los 9 tracks originales en un disco, los dos bonus tracks y versiones de un programa especial de televisión en el disco 2, comentario de audio y demos en el disco 3, así como un DVD con los videos musicales que se hicieron, material promocional, pietaje de la realización de la icónica portada y el mencionado especial de televisión.

Pero lo que hace realmente especial a esta edición, es el libro de 120 páginas con la historia completa sobre la realización del álbum, desde su concepción hasta el lanzamiento y las reacciones de la prensa, así como las diversas portadas de los sencillos y demás material promocional, enriquecido con muchísimas fotos personales de la familia McCartney durante la factura de esta obra maestra. Resulta de gran interés conocer los problemas y desafíos para hacer un disco en África, donde apenas habían construido un estudio de sonido no muy apto para la realización de un álbum.

También se cuenta la historia del nacimiento de algunas canciones, su génesis y motivación, pero estas historias son la minoría, lo cual podría ser el único punto en contra, aunque también a veces no es bueno conocer todos los secretos detrás de los actos de magia.

Concluyendo, se trata de una obra clave en la historia del rock, y con esta versión comienza la reedición del material solista de Paul. Si el resto de las entregas están tan bien realizadas y cuidadas como ésta, estoy seguro que ningún fan de Paul quedará decepcionado. Si son incondicionales de él, ésta es la edición a adquirir, sobre todo considerando que ya bajó a 57 dólares y por lo tanto es muy probable que suceda lo mismo con las entregas posteriores. Yo no podría estar más satisfecho.

domingo, 21 de noviembre de 2010

Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte, Parte 1

Más que nunca, el final está cerca. Las aventuras de Harry Potter están por terminar en la gran pantalla, y el público sigue tan pendiente como al principio. Tras 4 entregas a la altura y 2 muy cuestionables, pero siempre con mucho éxito en taquilla, la primera parte de Las Reliquias de la Muerte (2010) por fin se estrenó en las salas de todo el mundo. Y la espera valió la pena.

Al principio me preocupó que tuviera ese ritmo tan soso como el de las dos películas anteriores de David Yates, pero tiene a su favor que por fin la gente se ríe en las partes donde se supone que debe hacerlo, más por el guión que por la dirección actoral de Yates que, como ha quedado ya demostrado, es nula.

Pero conforme avanza la historia, la edición va mejorando, y el hecho de que ya no haya escenas con demasiados personajes juntos hace más naturales las actuaciones de nuestros tres héroes. Daniel Radcliffe y Emma Watson se desempeñan como nunca antes, mientras que Rupert Grint lo hace tan bien como en todas las entregas anteriores.

Lo comentaba en mi entrada sobre la cinta anterior a esta: el séptimo libro de la saga es tan bueno que resultaría imposible tener un mal filme, y a mi parecer así fue. Pero incluso las libertades creativas del guionista no resultan tan contraproducentes, pues la escena del baile improvisado es, a pesar de forzada, una de las más memorables de esta obra.

Como en toda cinta de Harry Potter, la acción y la aventura no podían faltar, y en este caso está muy bien desarrollada sobre todo en la parte en que nuestros tres héroes tienen que infiltrarse en el Ministerio de Magia, así como en la persecución de los carroñeros.

Además, el director nos tiene preparada una sorpresa por la manera en que explica la leyenda de las Reliquias de la Muerte, utilizando un recurso nunca antes usado en la saga, pero que va muy acorde al momento en que es contado en el libro, y tanto la entrada como la salida son desarrolladas con elegancia.

Sin embargo, la mejor escena tiene lugar cuando Ron describe las cualidades extras del artefacto que le dejó Dumbledore. Simple y sencillamente uno de los episodios más conmovedores de los siete libros, y que tanto Grint como Watson y Radclife reproducen a la perfección, considerando que el guión es idéntico al gracioso y bello diálogo que escribió J.K. Rowling.

Muchos se han enfocado en el "tono oscuro" que va adquiriendo la historia, olvidando o ignorando que éste ha sido constante en los libros desde el segundo tono. Una oscuridad mezclada con la melancolía y tribulaciones siempre presentes en la mente de Potter, que fue determinante para que lograra que millones de personas lo hayan acompañado en su travesía, desesperados por saber cómo, y si es que lograría su objetivo. El acierto en esta entrega cinematográfica es que ya no teme como antes adentrarse en esos momentos no tan "aptos para niños", mostrando también la capacidad del mal.

Traté de escuchar con atención el trabajo del compositor Alexandre Desplat, pues es sin duda uno de los mejores compositores de la actualidad, y no sé si por algún defecto de mezcla o de proyección, su trabajo es apenas perceptible y sútil en contados momentos del filme. Sin embargo, ya escuché prácticamente la totalidad del filme, y no hice más que confirmar el enorme talento de Desplat para las armonías lentas pero poderosas, y quedé gratamente sorprendido de que también puede hacer piezas más estruendosas y de acción. Cuando John Williams dejó la saga, no creí que pudiera volver a interesarme mucho la música de Harry Potter, pero la arriesgada selección de un grande como Desplat es un punto a favor de los productores, pues es un trabajo extraordinario, simple y sencillamente fantástico, como nos tiene acostumbrados.

Ahora, no nos queda más que esperar hasta julio del 2011 para la parte 2, de la cual ahora sí espero grandes cosas, pues el buen sabor de boca de esta parte, aunado a saber lo que está por pasar, no me deja duda de que será un gran cierre definitivo para la historia de este mago que durante más de una década ha cautivado a centenas de millones de personas alrededor del planeta.

Amadeus, de Milos Forman

Amadeus (1984) es una de las cintas más celebradas en la historia de Hollywood por su gracia y originalidad al tomar la vida de unos de los artistas más celebrados del mundo e inventar toda una historia que mezcla la historia con la ficción de una manera melodramática llena de risa, música, intrigas, amor y música maravillosa. Una fórmula prácticamente infalible, lo cual quedó demostrado cuando se llevó ocho Óscares, incluyendo Mejor Película, Director y Guión Adaptado.

En verdad es una cinta indeleble, pues en lo personal sólo la había visto una vez hace mucho tiempo, pero siempre conservé en la memoria imágenes como la de Mozart escribiendo en una mesa de billar, o Salieri escuchando en su mente la música que leía en los pentagramas.

Ahora pude revisarla en Blu Ray y me encantó la manufactura de una producción épica por los escenarios, maquillaje, vestuario y ambientes que se tuvieron que recrear. Esto, junto a una fotografía y guión realizados con maestría, hacen que no se sientan las tres horas de duración de la película, pues la edición que vi es el corte del director, y desconozco cuáles fueron los 20 miuntos agregados, por lo cual no puedo decir si pudieron ahorrárselos después de todo.

Las actuaciones de F. Murray Abraham como Antonio Salieri y de Tom Hulce como Mozart son casi casi legendarias. Éste lleno de alegría e inspiración, mientras que aquél lo está de rencor y envidia. Y sin embargo, comparten muy pocas escenas en toda la cinta, lo cual hace bastante especial la última en que aparecen juntos por lo efectivo del guión pero, sobre todo, por la autenticidad de los histriones.

Esta edición contiene un librillo de 40 páginas con datos e información sobre la película, la mayoría de los cuales también aparecen en un muy buen making of de una hora de duración. Además, contiene un disco compacto con una hora de música de Mozart, la cual, obviamente, está incluida en el filme.

La cinta es imperdible, y si tienen Blu Ray, vale muchísimo la pena que adquieran esta sencilla pero elegante edición.

Los gatos persas, de Bahman Ghobadi

Los Gatos Persas (2009), de Bahman Ghobadi, ha sido una grata sorpresa en esta 52 Muestra, considerando que la única cinta que había visto del realizador, (Las Tortugas Pueden Volar, 2004) a pesar de ser muy celebrada a nivel mundial, a mí me aburrió muchísmo.

En esta ocasión, Ghobadi presenta la historia de Negar y Ashkan, una chica y un chico que necesitan formar una banda para poder viajar a Londres y cumplir con una presentación que lograron agendar. Para ello, recorrerán toda Teherán buscando a los miembros apropiados de su nueva banda, mientras un contacto callejero intenta conseguirles las visas y pasaportes falsos, ya que el Ministerio de Censura iraní jamás se los otorgaría, y tener todo listo a tiempo para el gran viaje a Londres.

De manera casi documental, pues en la cinta aparecen bandas y músicos reales -incluidos los dos protagonistas, Ghobadi nos presenta una ciudad riquísima en expresión musical, pero que debe luchar contra la censura y la persecución, simplemente porque no se amolda a las tradiciones. Ahí radica la belleza de este filme: la prevalencia del espíritu y la pasión contra todos los obstáculos, enriquecido con música excelente de varios géneros, una fotografía cruda que encaja con esta historia netamente urbana, y la magnífica actuación de Hamed Behdad como el contrabandista Nader, el clásico personaje que conoce a todo mundo, sabe sobre todo y que no se puede quedar callado.

También resalto la sencilla pero bellísima escena en que la naciente banda comparte el pan y sus sueños de vida. Sueños que podrían darse por sentados para los habitantes de muchos habitantes de este planeta, pero que para estas personas, en la vida real, son todo un reto y una ilusión. Una lección de perspectiva donde las haya.

PD: Pueden leer una interesantísima entrevista con los protagonistas de esta cinta aquí, donde habla de la prohibición en Irán de toda la música no autóctona. Pero tengan cuidado, pues tiene un spoiler en el penúltimo párrafo, así que no lo lean si no quieren saber el final.

De hombres y de dioses, de Xavier Beauvois

Continuando con la 52 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional, vi Des hommes et des dieux (2010), de Xavier Beauvois. O mejor dicho, intenté verla, porque me noqueó como un poderosísimo somnífero de épicas proporciones. Quizás fue la comida, o que dormí mal, pero el hecho de que mi compañía se haya dormido también habla mucho de lo que se proyectaba en la pantalla.

Bien es sabido que el ritmo del cine europeo es muy distinto a la edición rápida de Hollywood y de casi todo el cine occidental y comercial, pero Beauvois exagera al poner a monjes meditando en pleno silencio, y repetidamente cantando lo que popularmente se llaman cantos gregorianos, y que ignoro si sea el nombre correcto.

Fue una lástima, pues la trama daba -y tiene sus momentos-, de reflexiones interesantes sobre la fuerza de la vocación de los principios. Lástima que tantos momentos muertos, soporíferos y repetitivos den por resultado una cinta con tan mala narrativa.

viernes, 19 de noviembre de 2010

Mystery Guitar Man

Hey! Acabo de descubrir el canal de YouTube de este tipo, tiene mucha imaginación y es muy bueno en lo que hace, si pueden chequen más de sus videos.

martes, 16 de noviembre de 2010

Hahaha, de Sang-Soo Hong

Hahaha (2010), de Sang-Soo Hong, es una película surcoreana con un título muy arriesgado, y que cumple a medias con su intención de ser una cinta de muchas risas. Quizás lo sea, pero tampoco como para arrancar carcajadas ni mucho menos.

La trama se basa en una plática de amigos que se reúnen y platican sobre su verano, sin saber que coinciden en muchos de los escenarios y personajes de sus historias. Y sin embargo, la comedia proviene de actuaciones bizarras y actitudes también muy extrañas de los personajes y no de la trama en sí misma, que rápidamente ve agotada su premisa, y tampoco desencadena en un buen clímax en que las historias se crucen realmente.

Tiene reflexiones sobre la vida que se sienten demasiado forzadas dentro del tono general de la cinta, que está dentro del absurdo.

Una de las fortalezas de la cinta es que los personajes están muy bien definidos y la dirección da muestras de imaginación y creatividad basados en la sencillez.

En general, Hahaha tiene cierto encanto que ejerce durante la primera mitad pero que, repito, poco a poco se va agotando hasta cansar y terminar más con pena que con gloria.

domingo, 14 de noviembre de 2010

Rabia, de Sebastián Cordero

Un inmigrante ilegal en España comete un grave delito accidentalmente, así que decide esconderse en la mansión donde su novia trabaja como ama de llaves, sin que ni siquiera ella se entere, aislándose así de cualquier tipo de contacto humano.

Esta es la premisa de Rabia (2009), la cual me llevó a acudir a una sala de cine donde estuve solo como por diez minutos, hasta que llegaron... dos personas. Una lástima ver tan poca convocatoria para una cinta que, sin ser espectacular, sí vale la pena ver por su muy efectiva dirección, un guión inteligente y otra gran actuación de Gustavo Sánchez Parra, quien es los ojos del público para conocer los secretos de esta gran casa.

Con momentos de suspenso y emotivos, Rabia logra escapar a la claustrofobia que podría señalar su premisa. Obviamente, para toda película donde más del 97% de las cosas suceden en una misma locación, un guión dinámico e inteligente es necesario para sacar a flote la historia, y el guión del director, quien adapta la novela homónima del argentino Sergio Bizzio, lo logra.

La transformación física de Sánchez Parra para esta cinta es sobresaliente, sobre todo porque la vemos suceder a lo largo de la historia, y que nos recuerda la que Christian Bale hiciera para El Maquinista (2004), aunque esta es más severa aún.

Para mí, esta cinta habla de un amor muy especial, o al menos de una fantasía que seguro muchos de nosotros hemos tenido alguna vez en la vida. Y es la de poder observar y escuchar en todo momento a la persona que queremos, que amamos, una especie de vouyerismo no malsano sino romántico, aunque en este caso el observador es un fantasma que no puede tocar ni hablarle a su amada (la extremadamente hermosa y talentosa Martina García como la mujer que también debe enfrentar grandes pruebas a través de la historia).

Y así, a su manera, tan lejos y tan cerca, estos dos personajes logran estar juntos, separados por la rabia, pero unidos por su amor.

Somewhere, de Sofia Coppola

Somewhere (2010), de Sofia Coppola, podría ser la primera gran película sobrevalorada del año. O quizás después de todo no será tan valorada, aunque por el momento ha recibido muy buenos comentarios. Ignoro el porqué. Pero por lo pronto la perfilan para la temporada de premios.

Y la verdad no quiero comentar mucho, me da la misma hueva que a la Coppola por hacer un guión con sustancia, que no decide si ser una sátira muy simplona de la vida de una estrella de cine que arranca unas dos o tres risas aquí y allá, o una historia de autodescubrimiento que, aunque nos quiera engañar, nos lleva directito hacia ninguna parte. Y que conste que iba con ganas de que me gustara.

sábado, 13 de noviembre de 2010

Seguir Siendo, con Café Tacvba

Difícil, muy difícil hablar de Seguir Siendo (2010) con objetividad, pero lo intentaré. Seguir Siendo es el documental sobre Café Tacvba, la mejor banda en la historia del rock mexicano. Así de simple y sencillo.

Dirigida por Ernesto Contreras, conocido -espero- por la grandiosa Párpados Azules (2007) y por un tal José Manuel Cravioto, este trabajo sigue a la banda durante dos años, desde la realización del álbum Sino (2007) hasta el último concierto de la gira "20 Años, 20 Ciudades" ante más de 55 mil personas en el Foro Sol de la Ciudad de México.

Pero no sólo eso, también hace un recuento de los ya 21 años de carrera de Rubén, Meme, Joselo y Quique, apoyado por el material que la misma banda se encargó de conservar, a pesar de que, como dice Meme, "no tenían ni idea de lo que estaban haciendo".

Por otra parte, recoge las opiniones de personas que han tenido la oportunidad de trabajar con ellos, comparándolos con los grandes entre los grandes (y mejor no les digo con quiénes para no arruinarles la sorpresa). Y además nos muestra a las personas del círculo más cercano a la banda (sección que pudo ser obviada fácilmente). Más importante aún, la cinta plantea la cuestión: "¿cómo le han hecho para estar juntos después de tanto tiempo?", y la respuesta suena sencilla, pero con creatividad artística y respeto entre ellos.

Momentos íntimos en estudio, en el camión de las gira, en el avión, hotel y calles de Japón, en las casas de los tacubos, videos personales... son tantas cosas las que contiene este documental, que seguramente dejará boquiabierto al espectador ocasional, pero también contiene datos e información nueva y relevante para el aficionado a morir, como yo.

Y somos nosotros, los que hemos estado junto a ellos durante todo este tiempo, quienes puede que disfrutemos más que nadie esta obra, al recordar tantos conciertos donde estuvimos, firmas, canciones, entrevistas, fotos, historias personales y de toda una generación, pues en verdad Café Tacvba es la banda más popular y arraigada entre la juventud mexicana; todas las canciones que suenan en este documental demuestran porqué, y nos dan ganas de que Café Tacvba siga siéndolo por mucho tiempo más.

miércoles, 10 de noviembre de 2010

This is hardcore...

Aaaah, una de las mejores noticias en mucho, mucho, mucho, muuuuuuuuuuuucho tiempo.

"Se anunció que Pulp volverá a presentarse en vivo durante el festival Primavera Sound en Barcelona el 27 de mayo de 2011 y durante el Wireless Festival londinense el 3 de julio. Así, después de ocho años desde el último concierto en diciembre de 2002, la banda regresará con su formación original constituida por Jarvis Cocker, Nick Banks, Candida Doyle, Steve MacKey, Russell Senior y Mark Webber que no sube al escenario desde 1996. "

Estoy extático...

domingo, 7 de noviembre de 2010

Fito Páez en el Auditorio

Hace aproximadamente tres años me enviaron a una entrevista como lo hacían diario muchas veces, pero aquella ocasión era distinta. Tenía que entrevistar a Fito Páez. Estaba nerviosísimo, no era lo mismo entrevistar a ídolos de barro que a un verdadero artista con todas las ley, y además uno del que conocía y sabía muy poco en general. Obviamente así no llegué a la entrevista, sino que iba preparado con información de su carrera en general y del disco que promocionaba en ese entonces: El mundo cabe en una canción (2007).

Esperaba a un divo, a un prepotente, a un mamón. Pero con su personalidad y sencillez se disiparon mis nervios y al final quedé más que encantado con Fito.

A los pocos días pude ver dos canciones en vivo en el Metropolitan ("Enloquecer" y "11 y 6"), y la fascinación continuó meses después en el Festival de Viña del Mar, donde por primera vez vi un concierto completo... y continuaba fascinado.

Después pude conocer más canciones gracias a su disco de éxitos, el estupendo en vivo No sé si es Baires o Madrid (2009) y Confiá (2010). Es por eso, y otras razones, que esperaba con ilusión el concierto del 6 de noviembre en el Auditorio Nacional, donde presentó Confiá y celebró al mismo tiempo 30 años de carrera. Fue un concierto bastante peculiar...

Enfundado en un traje blanco con corbata plateada, abrió con las dos mejores canciones de su nuevo disco: "Tiempo al tiempo" y "Confiá", que fueron recibidas por un frío Auditorio sentado, el cual se mantuvo así durante como cuatro o cinco canciones más (incluida la grandiosa "Llueve sobre mojado") el cual reaccionó hasta que Fito anunció a Armando Manzanero, aunque a mí no me entusiasmó mucho, pues verlo en vivo es un martirio.
Y así lo fue mientras cantaron "Esta tarde vi llover"-obvio, de Manzanero seguida de "Yo vengo a ofrecer mi corazón". Pero lo más relevante fue que, en estas dos canciones, Fito se quedó sin voz. Empezó con un gallo tremendo, luego tosiendo, y en una parte ya de plano abrió la boca y no salió nada. Bien por Manzanero que aguantó y tuvo que sacar adelante las canciones, y lo hizo mucho mejor con la de Páez, como respetando el trabajo ajeno.

"Esperemos que vuelva la garganta", dijo Fito, e intentó solucionarlo poniéndose una gran bufanda que al parecer le funcionó y se quedó ahí el resto de la noche. "Es la primera vez en mi carrera que me quedo afónico a medio concierto", contó casi despreocupado, como si fuera cualquier cosa.

Poco después invitó a la mitad de Café Tacvba, Quique y Meme, con quienes cantó "Eres". Sonó muy bien en voz de Fito, quien ya estaba recuperado, y a mí me tomó de sorpresa, nunca creí que cantaría una de ellos, y como fan incondicional de Café Tacvba, me hizo muy feliz. Luego cantó con ellos la para mí desconocida "Bello Abril" y eso fue todo para los satelucos.

Para entonces ya había vencido la frialdad inicial del público, quien cada vez estaba más entregado y agradecido con el comentario "Me están tirando tan buena leche que ya volvió la voz". Y después de un set acústico que incluyo temas como "Naturaleza Sangre", "Circo Beat" y la nueva "El Mundo de Hoy" (donde se inventó un pasito de baile bastante gracioso) invitó al escenario al ajonjolí de todos los moles en México, Julieta Venegas, quien vestida de negro se lució con "Un Vestido y un Amor" y a mí me dejó con ganas de más, pero fue la primera -y a la postre única- invitada que sólo cantó una vez con Fito.
Quizás fue porque seguía el set rockero que tuvo a "La Rueda Mágica", "Al Lado del Camino" y "El amor después del amor". Fue en esta última donde apareció Susana Zabaleta rockeando más que nada como corista y haciéndolo muy bien sin sus tradicionales protagonismos.

Luego el primer gran final con "A Rodar", uno de sus temas más populares. Tras dejar el escenario, la gente coreaba su nombre como en un partido de futbol, y celebraron al verlo regresar, ahora vestido con tennis, camisa polo roja y jeans y chamarra de mezclilla. Entonces llamó al escenario otra vez a la Zabaleta para otra versión de "Yo vengo a ofrecer mi corazón" que ya había intentado cantar con Manzanero. Susana cantó como si fuera una aria y para mí sonó de la chingada, y además impregnó su actuación -ahora sí- de su protagonismo cachondo-patético, tirándose al suelo al final para que Fito la acompañara y la abrazara y terminaran dándose un beso en la boca. Además, al final intentó improvisar un poco y recibió como respuesta un "¡Cállate!" de una mujer en el primer piso, al menos esa mujer y yo opinamos lo mismo, y creo que fue el sentir general del público.

La segunda pieza del encore fue nada más y nada menos que "Dar es dar", para terminar poniendo a todos a brincar y cantar con "Mariposa Teknicolor", la cual por primera vez lo veía cantar sin que él tocara el piano.

Y así, tras treinta piezas y dos horas y media de concierto, Páez recordó de nuevo el episodio de la afonía y agradeció la buena vibra del Auditorio Nacional, el cual comenzó a vaciarse rápidamente. La gente salió a la fría noche. Ya habrán más ocasiones que compartir con el buen rosarino.



PD: Mil gracias a Óscar por obvias razones y por las fotos que engalanan esta entrada (¡dénles click para verlas más grande!)