Tropic Thunder, de Ben Stiller

Tropic Thunder (2008) es una comedia que logra lo que pocas: ser constantemente divertida de principio a fin.

Satirizando a los actores y a toda la industria de Hollywood, Ben Stiller reunió a una plétora de actores cómicos y no tan cómicos para sorprender al espectador, siendo el ejemplo más notorio el de Tom Cruise como el director de un estudio ojete, mal hablado y bailarín de hip hop. Pero si ponen atención, verán a muchas otras estrellas haciendo cameos, sobre todo al inicio y al final de la cinta.

Tropic Thunder no teme pasarse de la raya, ser exagerada y políticamente incorrecta, y se sale con la suya; difícil fallar en una comedia tan bien escrita y protagonizada por el mismo Stiller y el cada vez más celebrado Robert Downey Jr., en otra actuación que, irónicamente de acuerdo a lo que pasa en la película, le mereció una nominación al Oscar.

Además de los dos protagónicos, podemos ver en el reparto principal a Jack Black (de quien nunca he sido fan, pero que aquí hace un muy buen trabajo), Nick Nolte, Matthew McConaughey, el ya mentado Tom Cruise, así como los comediantes no tan conocidos en aquél entonces Jay Baruchel, Bill Hader y el siempre divertidísimo Danny McBride.

Tropic Thunder es de esas cintas que no es para todos, si en los primeros diez o quince minutos no los hace reír, me temo que no les gustará. Pero si sí, creánme que disfrutarán como enanos esta película simplona e irreverente.

The International, de Tom Tykwer

Renté The International (2009) porque me la perdí en el cine y es de esas películas que seguramente nos gustarían a mi madre y a mí por igual: un thriller con mucha acción, protagonizado por dos de mis actores favoritos: Clive Owen, y el sueño de mujer llamada Naomi Watts.

Pensando en retrospectiva, la talla de estos actores debió darme alguna pista de que estaba ante un producto sobresaliente. Poco a poco, la dirección y producción, así como el trabajo de Owen y el rostro de Watts me envolvieron en un trabajo que, dentro del género, escapa de muchos clichés y presenta una que otra sorpresa, siendo la más grande la que me llevé en los créditos finales, al ver que el director es nada más y nada menos que Tom Tykwer, director de Corre Lola Corre (1998) y la magistral La Princesa y el Guerrero (2000).

Entonces entendí el porqué de algunos planos tan preciosistas y pensados para un trhiller. No vi El Perfume (2006), pero sí llegué a escuchar comentarios sobre la belleza de su dirección y fotografía, que poco a poco van distinguiendo a este más que interesante director, a quien en esta ocasión se le agradece inyectar un poco de aire fresco al género. Intenten verla en alta definición.

Filosofía hilarante: Amor y Muerte, de Woody Allen

En Love & Death (1975), Woody Allen reflexiona sobre estos dos temas que lo han obsesionado a lo largo de su carrera, en una manera fársica.

Como de costumbre, su química con Diane Keaton es incomparable, incluso en papeles totalmente ridículos y paródicos, pero que hacen reír bastante sobre todo en las escenas dialécticas más que en las de slapstick. Pongan mucha atención a la mejor escena de toda la cinta, cuando Allen y Keaton discuten sobre el amor y la muerte de una manera bastante filosófica.

Y sin embargo, el chiste se termina rápido y la repetitividad poco a poco va desgastando la fórmula, que con un poco de mayor variedad habría resultado increíble. No obstante, como casi la totalidad de las cintas de Allen, la recomiendo ampliamente.

Viviendo de fantasías: La Rosa Púrpura del Cairo

Quienes hayan visto The Purple Rose of Cairo (1985) probablemente coincidirán en que es imposible de olvidar tanto por su historia fantástica, su belleza, y su poderosísimo final que podría derretir hasta al corazón más cínico.

En una oda de amor hacia el cine, Woody Allen cuenta la historia de una mujer que se refugia en la sala oscura para olvidar que es pobre, que se quedó sin trabajo, y que su esposo es un abusivo. De improvisto, se hará realidd su fantasía por conocer a un hombre como los que aparecen en su nueva película favorita, en una manera increíble y fantástica, revolucionando su mundo por completo.

Mia Farrow y Jeff Daniels están inconmensurables. Ella como Cecilia, la mujer que vive su fantasía, y Daniels como el hombre de sus sueños.

No quisiera contar mucho sobre la historia, sólo que Allen realizó uno de los guiones más inventivos, románticos y divertidos de toda su carrera, con un final inolvidable, emotivo, poderoso y sumamente conmovedor, una declaración de amor al cine y su capacidad de hacernos soñar, aún cuando parezca que todo está perdido. Una obra maestra.

¿Y si fueras el hijo de Pablo Escobar?

Muy buen tagline el de Pecados de mi padre (2009): ¿y si fueras el hijo de Pablo Escobar? Dirigido por el argentino Nicolás Entel, este documental narra algunos aspectos de la violenta vida de Pablo Escobar a través de su primogénito, supuesto heredero natural de una de las carreras criminales más impresionantes que ha conocido el mundo.

Es Juan Pablo Escobar, quien cambiaría su nombre por el de Sebastián Marroquín, quien cuenta su experiencia como hijo de Escobar, un hombre cariñoso con su familia, pero implacable con sus enemigos, lo cual pone a toda su familia en un conflicto del que no pueden escapar ni siquiera tras la muerte del gran capo.

Escrito y estructurado de gran manera, este trabajo enlaza los momentos más trascendentales en la vida de Escobar, ligándolos con el efecto que tuvo en su familia, y en la de otros personajes importantes de la vida política colombiana, a quienes asesinó.

El valor de producción también es altísimo, pues se accede a fotos y videos de la familia nunca antes vistos, así como a material del mismo Escobar. Pero lo más importante es precisamente haber logrado romper el silencio de Sebastián Marroquín y su madre, quienes reconocen los pecados referidos en el título, pero también piden perdón por ellos y ponen en perspectiva que también fueron víctimas de la violencia desatada por el narcotráfico.

Entel construye una narración coherente, ligando hechos que cambiaron la vida de todo un país y llevándolo al plano personal y familiar. De esta forma, el documental tiene un clímax verdaderamente emotivo, donde la generación colombiana actual manifiesta su voluntad por terminar con estos ciclos violentos que han azotado al país durante ya casi setenta años.

No estoy seguro si este trabajo fue realizado para televisión y después exhibido en las pantallas de cine. Yo supe de su existencia al ver el trailer en el cine, pero si se estrenó nunca me enteré, tiempo después lo transmitió Discovery Channel de Latinoamérica y me lo perdí de nuevo. Pude verla al fin porque la renté en Blockbuster, e investigando para este texto, vi que estuvo nominado en Sundance, y que ganó tanto los premios del jurado como de la audiencia en el Festival de Miami (¡de todos las ciudades posibles, tenía que ser Miami, catedral del narcotráfico estadounidense durante los años 80!).

También como resultado de buscarle en internet, di con el documental subido en su totalidad en YouTube, el cual pueden checar aquí y seguir los links para el resto de las partes, y disfrutar de uno de los mejores documentales que he visto en mucho tiempo. ¡Véanlo antes de que lo bajen!. Pueden hacer lo mismo dando click aquí para ver un programa de History Channel sobre la vida de Pablo Escobar. Los dejo con el trailer que vi aquella vez en el cine y que desde entonces me interesó bastante. Afortunadamente, el resultado no defraudó mis expectativas.

El listón blanco, de Michael Haneke

Ya desde Caché (2005), Michael Haneke demostraba que no importa tanto el final del viaje como la travesía, lo cual hay que tener en cuenta antes de ver Das Weisse Band (2009), o El Listón Blanco, pues de nuevo entrega una historia que podría sentirse inconclusa, lo cual después de dos horas y media puede resultar un poco engorroso.

Y sin embargo, la travesía resulta bella en varios momentos. En una historia de tipo "pueblo chico, infierno grande", Haneke retrata en hermosísimo blanco y negro (del fotógrafo Christian Berger) los dos lados de la naturaleza humana. Por una parte la crueldad, el rencor y la maldad del hombre; y por otro la inocencia y belleza del amor y la niñez (aunque también hay sus excepciones).

La cinta tiene varias escenas sobresalientes ya sea por la dirección o por la actuación, pero conforme avanza la historia, éstas son cada vez menos, y el final se siente abrupto, aun cuando se entienda la intención de Haneke porque el misterio sea resuelto e interpretado por el espectador. Pero así como tiene muchas escenas grandiosas, también incluye otras que salen sobrando; incluso, algunas subtramas creo que pudieron obviarse.

Das Weisse Band es un muy buen ensayo sobre la dualidad del hombre, con un interesante misterio que nos venden como leit motiv, pero termina siendo una alegoría, razón por la cual muchos podrían sentirse traicionados, lo cual no quita que es un filme que en muchas ocasiones alcanza lo sublime, y no cualquiera puede lograrlo hoy en día.



PD: Por enésima vez, una crítica a las distribuidoras. ¿Cómo es posible que una ganadora de la Palma de Oro esté en una sala de Cinemex y Cinépolis respectivamente? Creo que mierdas como Los Viajes de Gulliver ya está en demasiadas salas en todo el país, y quitarle algunas para que la gente tenga la oportunidad de ver a una ganadora en Cannes no es mucho pedir... pero ya vimos que no es así. Afortunadamente, la Cineteca vuelve a entrar al quite, ¿pero y la gente del interior de la república que se joda? El día en que, entre otras condiciones, la oferta en las salas aumente, será cuando por fin pueda empezar a hacerse algo contra la piratería, aunque creo que eso tampoco les importa ya.

Tron: Haciendo honor al legado

Si el año comenzó con Avatar, termina de gran manera con Tron: Legacy, otro gran ejemplo del cine espectáculo pensado para dejarnos con la boca abierta, y ésta lo logra.

En los primeros 20 minutos dan los antecedentes y sientan las bases para la historia, con uno que otro guiño para los que vieron la cinta original (éstos continuarán durante el resto de la cinta). Pero todo cambia cuando Sam al fin logra entrar al sistema.

Los efectos especiales en Legacy son simple y sencillamente espectaculares, sobre todo en 3D y en las secuencias de juegos, las cuales están muy bien coreografiadas y filmadas por el director debutante Joseph Kosinski.

Por otra parte, es todo un placer ver a Jeff Bridges en un doble papel como héroe y villano, cumpliendo con creces en cada uno, mientras que los menos experimentados Olivia Wilde y Garret Hedlund completan el trío protagónico, haciendo un buen trabajo.

Se ha hablado mucho del soundtrack de Daft Punk, lo cual se entiende después de escuchar cómo capturaron el tono de cada escena con la calidad usual de su música, y a veces con el tono retro ochentero compatible con la música de la película original.

Y si bien la trama es mucho más elaborada que la primera Tron (1982), la cinta va perdiendo ritmo después de la mitad, pero logra rehacerse con una muy buena secuencia final con efectos visuales increíbles.

Puede que Legacy no sea la película del año, pero por lo visual y el entretenimiento ofrecido, bien podría ser el mejor espectáculo del año en la gran pantalla, sobre todo si logran verlo en glorioso Imax 3D...

Tron

Con mi boleto en mano para ver Tron Legacy (2010), es que al fin pude volver a ver Tron (1982), una de las primeras películas que me impresionó. No sé si la rentaba mucho o algo parecido, pero en mi infancia me quedó un vívido recuerdo de hombres y mundos de neón que vivían dentro de una computadora.

Años después, morí de risa cuando hicieron referencia a ellos en The Simpsons, pues como nadie que conocía había visto o sabido de Tron, se me hizo un chiste muy bueno, y fue cuando me di cuenta que esta película era de culto.

Y así quedó Tron en mi memoria, como una película que me volaba la mente cuando era niño, pero que ya después no pude volver a ver para recordar la historia o algo parecido.

Hasta hoy que, con la emoción del estreno de Legacy -que se ve simple y sencillamente espectacular- pude verla en mi computadora, para darme cuenta que es una historia muy sofisticada para su época, con efectos especiales increíbles también para su época, pero también demasiado larga para lo sencillo de su trama (aunque después de todo, se supone que es para niños). Si tienen la oportunidad, vean esta cinta tan peculiar que compensa en lo visual lo que le falta en lo argumental. Ya en dos días hablaremos de Legacy...

Los dejo con un trailer hecho por un fan que está increíble, me dan ganas de comprar la cinta en BluRay para poder verla así y no como lo hice, que además fue en español de Castilla, ¡joer macho!

Drácula, de Bram Stoker

Aaah, los clásicos. Esta semana soy menos inculto que la anterior, pues por fin leí Drácula (1897), del irlandés Bram Stoker. Resultó interesantísimo leer en la contraportada que Stoker era reportero y que un caso de vampirismo que cubrió le despertó la imaginación para escribir este libro seminal, y que incluso tomó a sus amigos por sorpresa al escribir este libro.

Escrito astutamente en forma de varios diarios hilvanados, Drácula tiene muchas partes escalofriantes, sobre todo en la primera parte, mientras que en otras los protagonistas se reúnen para descifrar -cual detectives- los misterios del Conde, dirigidos por la experiencia de Abraham Van Helsing y la intuición de Mina Harker.

Qué se puede decir de un clásico como éste que no se haya dicho ya. Solamente recalcar que esta novela prácticamente creó las reglas de todo un subgénero que va más allá de la literatura y abarca todos los medios de entretenimientoy artísticos.

Doblado por ti

Como siempre, ella sabe cómo expresar todo tipo de situaciones de gran manera. La traducción es mía.

Doblado por ti

Estás inseguro y no estás listo, eso debe significar que te deseo
No estás disponible ni interesado, y busco el confort en ti

Un millón de veces y en un millón de maneras trataré de cambiarte
Un millón de meses y un millón de días trataré de convencerte

He esperado por ti y ajustado por ti y ya estoy harta
He sido deferente contigo y te he permitido y ya estoy harta

Eres muy joven o eres muy mayor o simplemente no sientes inclinación
Estás dormido o te estás negando, esa es mi entrada para adorarte

Muchas veces de muchos modos intentaré exprimir tu amor
Muchas horas y de muchos modos me daré un festín con las migajas que me das

Me he doblado por ti y privado por ti y estoy harta
Me he deprimido por ti y crispado por ti y estoy harta
Me he reprimido por ti y comprometido por ti y estoy harta
Me he callado por ti y y sacrificado por ti y estoy harta

No pasará mucho para que me reivindique
No tomará mucho tiempo y estaré de nuevo en el camino
No será fácil distanciarnos
Estoy al final de esta etapa de autoprivación

Tienes miedo de todas las mujeres, miedo de tus maneras internas
Tiemblas de pensar en vivir bajo el mismo techo que yo, que Dios y que todo

Un millón de veces y de un millón de maneras he tratado de cambiar para igualarte
Muchas veces en muchos días he tratado de que ya no me gustes

Megamente

Es una película smipaticona, suficientemente entretenida pero pobremente escrita. Con buenos chistes de vez en cuando. Sin embargo, cintas como las de Brad Bird (The Incredibles y Ratatouille) o Cómo entrenar a tu dragón (2010) han demostrado que se necesita algo más inteligente y desarrollado. Desgraciadamente, las cintas animadas infantiles (en todo el sentido de la palabra) casi nunca generan pérdidas, por eso siguen reproduciéndose como plaga.

Eso sí, se ve increíble; el trabajo de animación es buenísimo.

Nowhere Boy

Nowhere Boy (2009) es el original título de la más reciente cinta sobre John Lennon, o en este caso, de su adolescencia y la relación con su madre, Julia, inmortalizada en la canción del mismo nombre, así como su tía Mimi.

Creo que es refrescante esta ficcionalización semi veraz de la vida de John, sin darle tanta importancia a la formación de lo que más tarde serían The Beatles, historia contada muchas veces antes.

Aaron Johnson sobresale en su interpretación de Lennon como un chico extrovertido, a veces en demasía, bromista en casi todo momento, pero también de carácter difícil, aunque al final exageran un poco cuando dice que la historia familiar lo estaba volviendo loco. El inglés Johnson me convenció en cómo pudo haber sido John en esos años, y además demuestra gran versatilidad, pues este mismo año protagonizó Kick-Ass, en otro gran trabajo como un chico que pasa por una gran travesía personal, con un perfecto acento estadounidense, mientras que aquí recrea el de Liverpool con la misma eficacia.

Y aunque hay muchas imprecisiones históricas, la más chocante para mí fue el retrato de la tía Mimi como una persona estricta y fría con John, lo cual es totalmente alejado de la realidad. No obstante, y tomando en cuenta la manera en que fue escrito el personaje, Kirstin Scott-Thomas también un gran trabajo como la tía Mimi.

Una interesante cinta para pasar el rato y repasar la historia de Lennon, y para que los que no la sepan se den una idea a grandes rasgos, aunque por muchos momentos parece más una película para televisión que para la pantalla grande.

The Social Network, de David Fincher

Cuando una cinta comienza con "Ball And Biscuit" de The White Stripes, uno sabe que todo irá bien. Y aunque The Social Network (2010) no es la mejor cinta de David Fincher, se posiciona sin duda entre lo más sobresaliente de su filmografía, y se convirtió en la más aceptada de todas en su carrera, pues es la más accesible de las que ha hecho.

Uno podría pensar que The Curious Case of Benjamin Button (2008) ya había cumplido con ese requisíto, con sendas nominaciones en la temporada de premios, pero me cuento entre las personas que les gustó a secas la cinta, pero con ese mal sabor de boca que nos dejó una película prefabricada para la temporada de premios precisamente, y con momentos tan cursis, totalmente ajenos a todo lo que Fincher nos había ofrecido hasta entonces. Lo sentimos como un encargo, o como si alguien más hubiera dirigido la cinta.

Sin embargo, cuando me enteré que su proyecto sería The Social Network, no pude más que entusiasmarme, pensando que era algo más acorde a él, y seguro de que el resultado sería bueno, aún cuando la noticia de "una película sobre facebook" levantó más de una ceja.

Dos años de espera después, por fin tenemos en las pantallas esta cinta, la cual ya ganó el National Board of Review, el Premio de los Críticos de Washington y de Boston, así como 6 nominaciones para los próximos Globos de Oro, incluyendo Mejor Película y Mejor Guión.

También la respuesta del público ha sido la mejor, por eso afirmo que es la cinta mejor recibida en la carrera de Fincher, lo cual no es más que justo tras un movimiento en donde se nota que hizo lo que quiso en lugar de lo que creyó que sería lo más popular y premiable.

En este filme vuelve el Fincher con el ritmo impecable y sin concesiones en el guión, al contar la historia de Mark Zuckerberg, el creador de facebook, así como todo el proceso de creación, el cual estuvo plagado de problemas y demandas de robo o plagio, mientras que le costó la relación con su mejor amigo y co-creador de la red social más grande e importante del mundo.

Peter Travers, de Rolling Stone, dice que esta obra "define a toda una generación" o algo así. No sé si llegaría a tanto, pero entiendo su idea. Si bien la historia de Zuckerberg no creo que defina a una generación, lo que sí lo hace es facebook como epítome de la penetración de internet en la sociedad actual y su crecimiento exponencial hasta llegar a la cantidad de 500 millones de personas de todos los continentes en 7 años.

Quizás las personas mayores de cuarenta no logren entender ahora la importancia de este invento, pero Zuckerberg creó una de las herramientas sociales más efectivas e importantes de la historia. En la cinta hay una escena sencilla pero vital: de repente, la frase "búscame en facebook" se hace popular en el entorno de los protagonistas. Hoy en día, facebook es la carta de presentación número uno de la juventud, muchas veces el primer contacto con el resto de la sociedad, donde ponemos lo que queremos dar a conocer y buscamos lo que queremos saber de nuestros amigos y familiares. En la actualidad, damos nuestro correo y nuestro facebook antes que nuestros teléfonos, hacemos nuevos amigos de acuerdo a nuestros intereses, y si ya no queremos saber de ellos, simplemente los eliminamos. Si queremos convencer de algo, si tenemos una causa, o simplemente si queremos invitar a alguien a una fiesta, mandamos un mensaje masivo y listo.

Si internet ya había cambiado las comunicaciones, facebook llevó este cambio a las masas, y sigue ganando adeptos en todo el planeta pues, como dice una chica en la película, es sumamente adictivo.

Ahí radica uno de los mayores aciertos de Fincher, pues es sabedor de que millones de personas están pegadas al facebook, y quizás a un porcentaje importante de ellas podría interesarles cómo es que esta herramienta fue creada. Y si encima director y guionista entregan una historia apasionante, el éxito está garantizado.

No es de sorprender el gran resultado de The Social Network. Después de todo, comienza con The White Stripes y cierra con The Beatles. No se puede pedir más.


PD: La espectacular actuación de Andrew Garfield como el co-creador de facebook es de lo mejor que pudimos disfrutar este año en la pantalla grande. Y también Jesse Eisenberg cumple a la perfección con su papel, dibujando a un cabrón bien hecho.

The Flaming Lips en vivo

Como ya he escrito en este espacio, sólo tengo y conozco los tres discos más recientes de The Flaming Lips, es decir, del 2002 a la fecha. Y a pesar de que la carrera de esta banda abarca más de 20 años, fui a ver a una de las agrupaciones más interesantes del mundo.

De antemano, ya había leído que los conciertos de los Flaming son un espectáculo donde lo visual y los "props" tienen la misma importancia que la música, y la banda no escatima en ofrecer un buen show casi circense, con el confeti y las serpentinas, los globos, la esfera de plástico en la que se mete Wayne Coyne para caminar entre el público, las botargas de osos, soles y orugas, la bola disco gigante y las manos gigantes que lanzan rayos laser hacia la bola para que se reflejen en todo el escenario (sin duda alguna, este último acto es el más espectacular de todos).

Y sin embargo, la música quedó a deber. El repertorio basado en el semi experimental y poco armónico Embryonic (2009) falló en prender al público, y con razón. Qué diferencia con temas más populares y buenos como "The Yeah Yeah Song", "Do You Realize?" y, el mejor momento de toda la noche, "Yoshimi Battles The Pink Robots Pt. 1", donde la banda deja que sea el público quien cante a todo pulmón una de sus mejores canciones.

Seguramente más de un fan ocasional salió decepcionado a pesar del buen espectáculo, e incluso tendría mis reservas para afirmar que los incondicionales estuvieron conformes. En lo personal lo disfruté en varios momentos, pero en otros me quedaba estupefacto por los temas seleccionados, aunque eso sí, la ejecución fue impecable en todo momento.

Juegos de Poder, de Kevin Macdonald

Basada en la miniserie de la BBC del mismo nombre, State Of Play (2009) es un thriller político con reminiscencias del clásico All The President's Men (1976). Como en aquella, aunque en menor escala, un par de periodistas tendrán que seguir una serie de pistas para esclarecer un escándalo arriesgando incluso sus vidas.

Kevin Macdonald confirma ser un muy efectivo director de thrillers, después de su trabajo en The Last King of Scotland (2006), la cual le valió un Óscar a Forest Whitaker. En esta ocasión, también demuestra su buena dirección con los actores, con un casting de ensamble integrado por Russell Crowe, Helen Mirren, Rachel McAdams, Jason Bateman, Jeff Daniels, Robin Wright y Ben Affleck.

Crowe ha visto apagarse su estrella desde que ganó el Óscar y por los escándalos no profesionales de su vida, pero aquí demuestra que sigue siendo un gran actor (para mí uno de los mejores que se puedan ver hoy en día). Interpretando a Cal McAffrey, un veterano periodista que debe trabajar con la novata Della Frye (McAdams), Crowe personifica a un profesional luchando por el equilibrio entre llegar a la verdad aún a costa de perder a un amor y a uno de sus grandes amigos. Como en todos sus papeles, Crowe es completamente creíble en su papel y logra la empatía del espectador desde el comienzo.

El resto del reparto también cumple con creces su labor, pero quiero destacar también a Affleck por este renacer creativo y profesional que comenzó cuando dirigió Gone Baby Gone (2007). En esta cinta, interpreta a un joven congresista que súbitamente se ve inmerso en un escándalo a nivel nacional, que tendrá serias repercusiones en su vida privada y en su relación con Cal.

Veraz e interesante, State of Play es sin duda una muy buena pieza de entretenimiento, sobre todo si son aficionados a los thrillers.

Somos lo que hay

Somos lo que hay (2010) es una de esas cintas que uno no se puede explicar como encontraron financiamiento y producción. Una interesante premisa (una familia de canibales tiene que sobrevivir después de que muere el padre, su proveedor) se va al bote de la basura con un filme en el que todo está mal: las actuaciones, la dirección, la música, la fotografía y, sobre todo, el guión, risible de principio a fin. Mejor, dicho, y para ser más justos, no de principio a fin... sólo como desde el minuto 20 hasta el patético desenlace.

Mientras veía esta cinta -en los momentos que no me reía-, pensé que parecía el trabajo final de una clase de producción, pero de preparatoria. En ese caso podría ser muy buena, pero cuando le pides a la gente que pague para ver esto, es como mentarles la madre. Inexplicable su programación en nuestra catedralita del cine, aunque seguramente no le durará mucho el gusto.

Sin embargo, tampoco me amargó ni fue una mala experiencia, sino todo lo contrario, me reí mucho ante tanto sinsentido y ridículo. La secuencia "climática" es de antología, para enmarcarla dentro del mejor humor involuntario en toda la historia del séptimo arte. Si la ven por accidente, no se ofendan y mejor ríanse, es tan mala que es divertida.

30 años sin John

Reproduzco aquí el texto que escribí este día especial, y que fue transmitido hoy mismo. Consideren que, al ser para televisión, tuve que ser lo más sintético posible:

Hace 30 años murió uno de los hombres clave para comprender el siglo veinte. John Lennon nació el 9 de octubre de 1940 en Liverpool, Inglaterra. Lennon tuvo una infancia y adolescencia difíciles, en las que vivió la mayor parte del tiempo con su tía, aunque con visitas regulares de su madre, hasta que falleció trágicamente al ser atropellada cuando él tenía diecisiete años. En ese entonces ya había fundado la banda que más tarde sería conocida en el mundo entero como Los Beatles.

Junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, conquistó y definió el mundo de la música y de la cultura en la década de los sesenta, como abanderado de los movimientos pacifistas y de la psicodelia. En Los Beatles, Lennon escribió las letras más introspectivas de la banda, como "Help!", "Nowhere Man" e "In My Life"

La popularidad y el éxito no estuvieron exentas de polémica. Durante el apogeo de la agrupación, Lennon comentó como crítica social que Los Beatles eran más populares que Jesús, lo cual provocó un escándalo en los estados unidos, donde se realizaron quemas de sus discos y amenazas de grupos como el Ku Klux Klan, este tipo de manifestaciones orillaron a la agrupación a abandonar las giras. Posteriormente, se dijo que el título de su canción "Lucy in the sky with diamonds", llena de imágenes surreales, era una referencia al LSD.

Tras la ruptura de Los Beatles, John se mudó a nueva york en 1971 junto a su esposa Yoko Ono, con quien realizó un activismo permanente por la paz mundial y contra la guerra de Vietnam con canciones como "Imagine", "(Happy Christmas (War is Over)" y "Give Peace a Chance". Estas actividades provocaron que Richard Nixon buscara deportarlo en 1973, pues creía que Lennon representaba un obstáculo para su reelección. Bob Dylan salió en defensa de la pareja, y el escándalo de Watergate se interpuso en las intenciones de Nixon.

Con el nacimiento de su segundo hijo, sean, en 1975, Lennon se retiró temporalmente de la vida pública y musical hasta 1980, cuando lanzó el álbum "Double Fantasy", el séptimo de su carrera solista. Fue en ese mismo año, el 8 de diciembre, cuando un fanático, buscando la misma fama que el artista, le disparó frente al edificio donde vivía. John Lennon murió desangrado en el camino al hospital.

Treinta años después, el mundo recuerda su legado. En Liverpool, locales y turistas se toman fotos con una estatua de Lennon, y visitan la escultura erigida en su memoria. “Fue un gran vocero de la ciudad, del amor, la paz y el entendimiento. Qué mejor época del año que la Navidad para dar este mensaje, así que por eso pensé en venir a ver el memorial. Fantástico”, declaró un coterráneo de Lennon.

En el Central Park de Nueva York, personas de todo el mundo ponen flores, fotografías, postales y mensajes sobre el mosaico dedicado al artista, en la sección del parque bautizada como "Strawberry Fields" en honor a una de sus canciones.

“Vivió en un tiempo en el que yo no había nacido, pero su música es tan conmovedora que, hasta la fecha es muy emotiva en todos los aspectos y eso es probablemente lo más importante”, afirmó Carlos, un turista brasileño; mientras que Ranada Havard, habitante de Nueva York dijo: “Me encanta lo que representaba. Todo lo que quería en su vida era la paz, todo lo que predicaba era sobre la paz. Lo único que quería hacer era amar a su esposa y a sus hijos, y perdió eso. Pero la gente lo sigue recordando treinta años después. Es genial”

Balas sobre Broadway, de Woody Allen

Bullets Over Broadway (1994) fue una de esas cintas de Woody que conectó con el público y la crítica, tan sólo un año de la maravillosa Manhattan Murder Mystery (1993), Allen nos regaló una comedia muy divertida sobre la separación del hombre y del artista, envuelta en un escenario de música, mafia, teatro, conflictos, romance y deslices.

Nominada en su momento a siete Óscares, inlcuido Mejor Guión y Director para Woody Allen, esta película brilla por su gracia y un elenco espectacular conformado por John Cusack, Chazz Palmintery, Jennifer Tilly, Jim Broadbent, Rob Reiner, Tracy Ullman, Mary Loise Parker y, en el papel que le valió el Óscar y el Globo de Oro, Dianne Wiest como la actriz que vive en drama permanente, y que quiere recuperar la gloria gracias a la nueva joya de los escritores de teatro (Cusack). Jennifer Tilly también fue nominada al Óscar, lo cual se fue convirtiendo en una tendencia de la Academia a reconocer el gran trabajo de Allen como director de actores (aunque en realidad los deja ser libres y seguir su instinto), con nominaciones para los histriones de sus cintas, sobre todo a partir de los noventa en adelante. El ejemplo más reciente es la victoria de Penélope Cruz en 2008 por Vicky Christina Barcelona.

Sin duda, Bullets Over Broadway es otra de las grandes cintas de Allen, una de las más disfrutables y accesibles para un público masivo, y con un clímax y desenlace sorpresivos y emotivos.

La chica de al lado

The Girl Next Door (2004) es una pequeña película que encuentra su mayor fortaleza en ello: no es ambiciosa ni pretenciosa, sino que sólo se preocupa por hacer reír. Y lo logra en muchas ocasiones, aunque para ello pidan demasiadas licencias del espectador.

Eso sí, explotan a la perfección la sensualidad de Elisha Cuthbert como el objeto del deseo, y es que Elisha es una de las actrices más sexys y bellas de Hollywood desde hace tiempo.

También destaca la actuación de Timothy Olyphant, en un papel casi inverosímil para él, pero donde se sale con la suya al entregar un personaje muy adorable al principio, pero que a la mitad se transforma por completo y se vuelve en un muy buen antagonista.

Llama la atención el soundtrack plagado de artistas y canciones muy populares, y como ejemplo pongo "Under Pressure" de Queen y "Baba O'Riley" de The Who, entre otras, lo cual eleva el valor de esta producción, pues los derechos a canciones tan populares no deben salir nada baratos.

Película para pasar el rato, y que está diseñada y destinada a los adolescentes, por lo que ellos la disfrutarán más.

Manhattan Murder Mystery, de Woody Allen

Manhattan Murder Mystery (1993) es una de las joyas más brillantes en la carrera de Woody Allen pero, extrañamente, no es tan popular como otros de sus clásicos. La razón escapa de mi entendimiento, pues es una cinta extremadamente graciosa, sencilla y efectiva.

Haciendo mancuerna de nueva cuenta con Diane Keaton, Woody protagoniza esta cinta donde aplica perfectamente todas las enseñanzas de Alfred Hitchcock para crear un híbrido de humor y suspenso.

En la historia, Woody y Keaton son Larry y Carol Lipton, un matrimonio de 20 años que se ve involucrada en un misterio cuando Carol comienza a sospechar que el vecino de departamento asesinó a su esposa, mientras que Larry cree que son sólo paranoias de su mujer. Es en esta oposición de caracteres donde está el elemento más divertido de toda la historia, pues sus diálogos son los que provocan más risas gracias a una química que ya había estado más que probada a través de mas de 20 años de carrera con muchas cintas juntos. En este caso, Keaton es la entusiasta y aventurera, mientras que Woody es el mismo neurótico y gracioso de siempre.

Sin embargo, no estarán solos en su empresa, pues contarán con la importantísima ayuda de Ted y Marcia, quienes además generarán momentos de celos y tensión entre los Lipton, por lo que la historia se desenvuelve en una segunda capa en la que Larry y Carol no sólo buscan resolver el caso, sino que también se están jugando su propio matrimonio.

Ted y Marcia son interpretados espectacularmente por Alan Alda y Anjelica Huston, cada uno maravilloso en sus distintas maneras de sentirse atraídos por Carol y Larry. Él, de manera tierna y añorante; ella, más agresiva y sensual. Lo que sí tienen en común es una gran inteligencia que será de mucha ayuda para desentrañar el misterio. La escena donde los cuatro protagonistas van uniendo las piezas del rompecabezas es una delicia para todos los amantes de las buenas actuaciones, y es especial también porque estarán los cuatro en pantalla sólo una vez más.

La trama también es bastante interesante, ya que Woody logra momentos de tensión verdaderamente hitchcockianos, casi siempre liberando la tensión con una buena carcajada, mientras que también agrega elementos de film noir. Un film noir a todo color para fines del siglo XX.

Con todos estos elementos, Manhattan Murder Mystery es una de las cintas predilectas del mismísimo Woody. Una obra sobresaliente sin pretensiones que logra con creces su objetivo: brindar muchas risas y entretenimiento total.