La canción de mi vida

No sé exactamente qué tiene "Disco 2000" que me gusta tanto. Quizás su riff que te atrapa desde un principio, el coro tan romántico, los versos con esa ironía y humor que caracteriza a Pulp, o tal vez la historia de amor eterno pero imposible, la añoranza y el deseo por alguien que nunca estará, pero que de vez en cuando nos presta un poco de atención. O quizás no sea el fondo sino la forma, pues la música y la letra me encantaron desde la primera vez que la escuché y lo sigue haciendo quince años después.

El chiste es que celebro cerrar el mes más productivo de Hedonismo & Reflexión con la canción favorita de TODA MI VIDA. Además, celebro la grandiosa noticia de su inminente regreso, y me alegro de las casualidades de la vida, pues esta rola vino a mí previo a momentos en que la iba a necesitar mucho. Señoras y señores, la canción de mi vida, "Disco 2000"...

Disco 2000

Nacimos con una hora de diferencia
Nuestras mamás dijeron que podríamos ser hermanos
Tu nombre es Deborah, nunca te sentó bien
Y decían que cuando creciéramos, nos casaríamos sin separarnos
Oh, nunca lo hicimos, aunque muchas veces lo pensé
Oh, Deborah, ¿lo recuerdas?

Tu casa era muy pequeña, con astillas en las paredes
Cuando pasé a saludar ni siquiera me notaste
Y dije: hay que encontrarnos en el 2000
Será un poco extraño siendo adultos
Te espero en la fuente a las dos de la tarde
Nunca supe que te casaste
No hubiera estado viviendo solo
Sólo recordando todos esos jueves y años húmedos

Fuiste en la primera en usar sostén
Y Martin decía que eras la mejor
Oh, los chicos te amaban y yo era un desastre
Tuve que verlos intentar desnudarte
Fuimos amigos y hasta eso llegamos
Te acompañaba a casa
Eso significó nada para ti porque eras tan popular
Oh, Deborah, ¿lo recuerdas?

Tu casa era muy pequeña, con astillas en las paredes
Cuando pasé a saludar ni siquiera me notaste
Y dije: hay que encontrarnos en el 2000
Será un poco extraño siendo adultos
Te espero en la fuente a las dos de la tarde
Nunca supe que te casaste
No hubiera estado viviendo solo
Sólo recordando todos esos jueves y años húmedos

¿Qué harás el domingo, nena?
¿Te gustaría salir conmigo, quizás?
Incluso puedes llevar a tu bebé

Sin palabras

Y como lo prometido es deuda, les traigo la traducción de una pequeña joya incluida en el álbum clásico Band On The Run (1975), de Paul McCartney & Wings, "No Words".

"Sin Palabras"

Quieres regalar tu amor
Y terminar sin dar nada
No me sorprende que tus ojos negros
Estén contemplando

Dices que el amor lo es todo
Y lo que más necesitamos
Desearía que supieras que así de sincero
Era mi amor

Sin palabras para mi amor

Tu amor ardiente, dulce amor ardiente
Está en lo profundo
No lo debes esconder, tu amor ardiente
Dulce amor ardiente, tu amor ardiente,

Quieres voltear tu cabeza
Y alguien está pensando en ti
Desearía que supieras
Que soy sólo yo
Te amo

You Will Meet A Tall Dark Stranger, de Woody Allen

You Will Meet A Tall Dark Stranger (2010) es la nueva obra de Woody Allen, mi director de cine favorito. Y como es su costumbre, nos regala una obra llena de conflictos entre parejas, infidelidad y reflexiones sobre la vida.

Y si bien regresa a estas constantes de su trabajo, también logra darle su propio carácter y personalidad, incluyendo el tema del amor en la tercera edad, es decir la suya (esta semana cumplirá 75 años).

Pero esa no es la premisa de esta cinta. Lo es, creo yo, el poder del pensamiento positivo y en tus propias creencias aún cuando todo el mundo o todas las circunstancias te indican que es mejor seguir el sentido común. En este caso, la vida castigará a los escépticos y premiará a los que son leales a sus convicciones.

Podrá sonar como algo muy serio o denso, pero es todo lo contrario. Lo que hace Woody aquí, y es por eso que millones lo adoramos, es hacernos reflexionar sobre temas serios, pero haciéndonos reír muchísimo al mismo tiempo. El humor en esta cinta es tan fino como siempre, e incluso más que en sus obras cómicas más recientes. La sala de la Cineteca Nacional no paró de reír gracias los ingeniosos y tradicionales one liners de Allen, mientras que al final aflora su visión pesimista sobre la vida.

Allen reúne a un elenco multiestelar con gente como Antonio Banderas, Anthony Hopkins, Freida Pinto y el poema de mujer Naomi Watts, pero es la veterana inglesa Gemma Jones quien se lleva esta película como Helena, la mujer que cree en los trabajos de una pitonisa, mientras que Lucy Punch también se luce en el cómico papel de Charmaine, una prostituta que le exprime el dinero a Anthony Hopkins.

Woody es el mismo de siempre, con las mismas obsesiones, los mismos conflictos desde un prisma distinto en cada obra, pero lo que más se agradece, es que su calidad sigue siendo incuestionable, lo cual queda más que demostrado con esta película -aunque en realidad no tenga que demostrarle nada a nadie.

Tetro, de Francis Ford Coppola

Francis Ford Coppola, más allá del bien y del mal, presenta Tetro (2009), una obra de misterio, arte, locura, enigmas y, por supuesto, la familia.

Resulta difícil hablar de una cinta que se desplaza hacia muchas partes y que abarca demasiado. Desde la hermosísima secuencia inicial hasta los flashbacks reveladores, los fragmentos de ópera y de ballet, así como una serie de personajes muy fellinescos.

Realizada en Buenos Aires, Coppola no desaprovecha la cultura y belleza de la capital argentina, así como a uno de sus actores más finos, Rodrigo de la Serna, así como el talento latino de Maribel Verdú, quien brilla con otro personaje muy humano y compasivo pero fuerte, como el que vimos en El Laberinto del Fauno (2006). Por otra parte, Vincent Gallo y Alden Ehrenreich cargan con todo el peso de la película como Angelo (o Tetro), y Bennie, un par de medio hermanos que se reúnen a pesar de la reticencia de Tetro, y de los deseos de Bennie por conocer mejor la historia de su familia, la cual siempre ha sido un misterio para él.

Ambos hermanos viven rodeados del ambiente artístico porteño, en una actualidad atemporal fotografiada con gran maestría por Mihai Malaimare Jr., quien colabora por segunda vez con Coppola después de la ignorada Youth Without Youth (2007).

El director puede que ya esté fuera de los círculos del mainstream, que sus cintas ya no sean estrenadas con miles de copias en el mundo, lo cual es una lástima, pues en este filme demuestra, escena tras escena, porqué es considerado como uno de los más grandes. Y si bien el ritmo cojea por momentos, el ojo experto del realizador nos regala momentos de gran belleza y emoción, al tiempo que la historia va tejiendo lentamente un misterio con un final netamente operístico que no desentona con sus pretensiones de tragedia clásica.

Interesantísima obra que nos regresa al mejor Coppola tan admirado y respetado, Tetro resultó para mí todo un deleite visual que, si bien tiene fallas en su dinamismo, es una obra que para todo el que se considere cinéfilo vale muchísimo la pena revisar.

PD: No puedo dejar de mencionar el fascinante soundtrack de Osvaldo Golijov. Una obra llena de misterio y seducción que contiene, no podía ser de otra forma, el sabor del bandoneón y el tango argentinos. Una espectacular sorpresa que no hace sino enriquecer una obra de por sí muy buena.

Tender Son

Al salir de la sala, antes de que terminara Tender Son (The Frankenstein Project) (2010), pensaba que he hecho esto pocas veces.

Pero haciendo más memoria, no recuerdo alguna otra ocasión en que me haya salido, y miren que si he visto muchas, muchísimas cintas aburridas. Pero el problema de esta cinta no es tanto que sea aburrida (que lo es, y mucho), sino que es una ofensa para el sentido común y de narrativa, mientras que las motivaciones de los personajes no existen en absoluto.

Y si bien la dirección es más que interesante en algunas escenas y momentos, mientras que contiene algún que otro encuadre inspirado, eso no es suficiente para soportar una película de la que nunca sabré el final, pero estoy seguro que no me perdí de gran cosa.

Band on the Run, de Paul McCartney

Band on the Run (1975) es el álbum más celebrado en la carrera solista de Paul McCartney. Desde la primera canción que da nombre al disco, hasta la cerradora "1985", Paul entrega todo el espectro de su talento en tan sólo 9 tracks oficiales y otros dos incluidos como bonus desde hace mucho tiempo.

No por nada, en su gira más reciente, éste disco y el White Album (1968) son de los que más se alimentó Paul, aunque no hay que olvidar que el White Album es doble. En "Band on the Run" describe la emocionante fuga de unos presos, en "Jet" la historia de un amor prohibido, mientras que "Bluebird" es una balada sobre libertad. Aunque negado por él, en "Let Me Roll It" adoptó el estilo de Lennon haciéndolo tan bien como él. "Mamunia" habla sobre el clima lluvioso en Lagos, Nigeria, mientras hacía el disco junto a su esposa Linda y Denny Laine, los otros dos tercios de Wings. "No Words" es una hermosa balada rock de la cual pondré la traducción muy pronto, y tanto "Picasso's Last Word (Drink To Me)" como "1985" cierran el círculo muy al estilo que había impuesto desde Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967), Abbey Road (1969) e incluso en Red Rose Speedway (1973).

Esta entrada, sin embargo, es también para hablar de la nueva edición/masterización del disco, y de la versión de lujo, que adquirí después de mucho meditar sobre su elevado precio (75 dólares). Pero como siempre, Paul hizo que lo valiera.

La edición de lujo contiene el álbum con los 9 tracks originales en un disco, los dos bonus tracks y versiones de un programa especial de televisión en el disco 2, comentario de audio y demos en el disco 3, así como un DVD con los videos musicales que se hicieron, material promocional, pietaje de la realización de la icónica portada y el mencionado especial de televisión.

Pero lo que hace realmente especial a esta edición, es el libro de 120 páginas con la historia completa sobre la realización del álbum, desde su concepción hasta el lanzamiento y las reacciones de la prensa, así como las diversas portadas de los sencillos y demás material promocional, enriquecido con muchísimas fotos personales de la familia McCartney durante la factura de esta obra maestra. Resulta de gran interés conocer los problemas y desafíos para hacer un disco en África, donde apenas habían construido un estudio de sonido no muy apto para la realización de un álbum.

También se cuenta la historia del nacimiento de algunas canciones, su génesis y motivación, pero estas historias son la minoría, lo cual podría ser el único punto en contra, aunque también a veces no es bueno conocer todos los secretos detrás de los actos de magia.

Concluyendo, se trata de una obra clave en la historia del rock, y con esta versión comienza la reedición del material solista de Paul. Si el resto de las entregas están tan bien realizadas y cuidadas como ésta, estoy seguro que ningún fan de Paul quedará decepcionado. Si son incondicionales de él, ésta es la edición a adquirir, sobre todo considerando que ya bajó a 57 dólares y por lo tanto es muy probable que suceda lo mismo con las entregas posteriores. Yo no podría estar más satisfecho.

Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte, Parte 1

Más que nunca, el final está cerca. Las aventuras de Harry Potter están por terminar en la gran pantalla, y el público sigue tan pendiente como al principio. Tras 4 entregas a la altura y 2 muy cuestionables, pero siempre con mucho éxito en taquilla, la primera parte de Las Reliquias de la Muerte (2010) por fin se estrenó en las salas de todo el mundo. Y la espera valió la pena.

Al principio me preocupó que tuviera ese ritmo tan soso como el de las dos películas anteriores de David Yates, pero tiene a su favor que por fin la gente se ríe en las partes donde se supone que debe hacerlo, más por el guión que por la dirección actoral de Yates que, como ha quedado ya demostrado, es nula.

Pero conforme avanza la historia, la edición va mejorando, y el hecho de que ya no haya escenas con demasiados personajes juntos hace más naturales las actuaciones de nuestros tres héroes. Daniel Radcliffe y Emma Watson se desempeñan como nunca antes, mientras que Rupert Grint lo hace tan bien como en todas las entregas anteriores.

Lo comentaba en mi entrada sobre la cinta anterior a esta: el séptimo libro de la saga es tan bueno que resultaría imposible tener un mal filme, y a mi parecer así fue. Pero incluso las libertades creativas del guionista no resultan tan contraproducentes, pues la escena del baile improvisado es, a pesar de forzada, una de las más memorables de esta obra.

Como en toda cinta de Harry Potter, la acción y la aventura no podían faltar, y en este caso está muy bien desarrollada sobre todo en la parte en que nuestros tres héroes tienen que infiltrarse en el Ministerio de Magia, así como en la persecución de los carroñeros.

Además, el director nos tiene preparada una sorpresa por la manera en que explica la leyenda de las Reliquias de la Muerte, utilizando un recurso nunca antes usado en la saga, pero que va muy acorde al momento en que es contado en el libro, y tanto la entrada como la salida son desarrolladas con elegancia.

Sin embargo, la mejor escena tiene lugar cuando Ron describe las cualidades extras del artefacto que le dejó Dumbledore. Simple y sencillamente uno de los episodios más conmovedores de los siete libros, y que tanto Grint como Watson y Radclife reproducen a la perfección, considerando que el guión es idéntico al gracioso y bello diálogo que escribió J.K. Rowling.

Muchos se han enfocado en el "tono oscuro" que va adquiriendo la historia, olvidando o ignorando que éste ha sido constante en los libros desde el segundo tono. Una oscuridad mezclada con la melancolía y tribulaciones siempre presentes en la mente de Potter, que fue determinante para que lograra que millones de personas lo hayan acompañado en su travesía, desesperados por saber cómo, y si es que lograría su objetivo. El acierto en esta entrega cinematográfica es que ya no teme como antes adentrarse en esos momentos no tan "aptos para niños", mostrando también la capacidad del mal.

Traté de escuchar con atención el trabajo del compositor Alexandre Desplat, pues es sin duda uno de los mejores compositores de la actualidad, y no sé si por algún defecto de mezcla o de proyección, su trabajo es apenas perceptible y sútil en contados momentos del filme. Sin embargo, ya escuché prácticamente la totalidad del filme, y no hice más que confirmar el enorme talento de Desplat para las armonías lentas pero poderosas, y quedé gratamente sorprendido de que también puede hacer piezas más estruendosas y de acción. Cuando John Williams dejó la saga, no creí que pudiera volver a interesarme mucho la música de Harry Potter, pero la arriesgada selección de un grande como Desplat es un punto a favor de los productores, pues es un trabajo extraordinario, simple y sencillamente fantástico, como nos tiene acostumbrados.

Ahora, no nos queda más que esperar hasta julio del 2011 para la parte 2, de la cual ahora sí espero grandes cosas, pues el buen sabor de boca de esta parte, aunado a saber lo que está por pasar, no me deja duda de que será un gran cierre definitivo para la historia de este mago que durante más de una década ha cautivado a centenas de millones de personas alrededor del planeta.

Amadeus, de Milos Forman

Amadeus (1984) es una de las cintas más celebradas en la historia de Hollywood por su gracia y originalidad al tomar la vida de unos de los artistas más celebrados del mundo e inventar toda una historia que mezcla la historia con la ficción de una manera melodramática llena de risa, música, intrigas, amor y música maravillosa. Una fórmula prácticamente infalible, lo cual quedó demostrado cuando se llevó ocho Óscares, incluyendo Mejor Película, Director y Guión Adaptado.

En verdad es una cinta indeleble, pues en lo personal sólo la había visto una vez hace mucho tiempo, pero siempre conservé en la memoria imágenes como la de Mozart escribiendo en una mesa de billar, o Salieri escuchando en su mente la música que leía en los pentagramas.

Ahora pude revisarla en Blu Ray y me encantó la manufactura de una producción épica por los escenarios, maquillaje, vestuario y ambientes que se tuvieron que recrear. Esto, junto a una fotografía y guión realizados con maestría, hacen que no se sientan las tres horas de duración de la película, pues la edición que vi es el corte del director, y desconozco cuáles fueron los 20 miuntos agregados, por lo cual no puedo decir si pudieron ahorrárselos después de todo.

Las actuaciones de F. Murray Abraham como Antonio Salieri y de Tom Hulce como Mozart son casi casi legendarias. Éste lleno de alegría e inspiración, mientras que aquél lo está de rencor y envidia. Y sin embargo, comparten muy pocas escenas en toda la cinta, lo cual hace bastante especial la última en que aparecen juntos por lo efectivo del guión pero, sobre todo, por la autenticidad de los histriones.

Esta edición contiene un librillo de 40 páginas con datos e información sobre la película, la mayoría de los cuales también aparecen en un muy buen making of de una hora de duración. Además, contiene un disco compacto con una hora de música de Mozart, la cual, obviamente, está incluida en el filme.

La cinta es imperdible, y si tienen Blu Ray, vale muchísimo la pena que adquieran esta sencilla pero elegante edición.

Los gatos persas, de Bahman Ghobadi

Los Gatos Persas (2009), de Bahman Ghobadi, ha sido una grata sorpresa en esta 52 Muestra, considerando que la única cinta que había visto del realizador, (Las Tortugas Pueden Volar, 2004) a pesar de ser muy celebrada a nivel mundial, a mí me aburrió muchísmo.

En esta ocasión, Ghobadi presenta la historia de Negar y Ashkan, una chica y un chico que necesitan formar una banda para poder viajar a Londres y cumplir con una presentación que lograron agendar. Para ello, recorrerán toda Teherán buscando a los miembros apropiados de su nueva banda, mientras un contacto callejero intenta conseguirles las visas y pasaportes falsos, ya que el Ministerio de Censura iraní jamás se los otorgaría, y tener todo listo a tiempo para el gran viaje a Londres.

De manera casi documental, pues en la cinta aparecen bandas y músicos reales -incluidos los dos protagonistas, Ghobadi nos presenta una ciudad riquísima en expresión musical, pero que debe luchar contra la censura y la persecución, simplemente porque no se amolda a las tradiciones. Ahí radica la belleza de este filme: la prevalencia del espíritu y la pasión contra todos los obstáculos, enriquecido con música excelente de varios géneros, una fotografía cruda que encaja con esta historia netamente urbana, y la magnífica actuación de Hamed Behdad como el contrabandista Nader, el clásico personaje que conoce a todo mundo, sabe sobre todo y que no se puede quedar callado.

También resalto la sencilla pero bellísima escena en que la naciente banda comparte el pan y sus sueños de vida. Sueños que podrían darse por sentados para los habitantes de muchos habitantes de este planeta, pero que para estas personas, en la vida real, son todo un reto y una ilusión. Una lección de perspectiva donde las haya.

PD: Pueden leer una interesantísima entrevista con los protagonistas de esta cinta aquí, donde habla de la prohibición en Irán de toda la música no autóctona. Pero tengan cuidado, pues tiene un spoiler en el penúltimo párrafo, así que no lo lean si no quieren saber el final.

De hombres y de dioses, de Xavier Beauvois

Continuando con la 52 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional, vi Des hommes et des dieux (2010), de Xavier Beauvois. O mejor dicho, intenté verla, porque me noqueó como un poderosísimo somnífero de épicas proporciones. Quizás fue la comida, o que dormí mal, pero el hecho de que mi compañía se haya dormido también habla mucho de lo que se proyectaba en la pantalla.

Bien es sabido que el ritmo del cine europeo es muy distinto a la edición rápida de Hollywood y de casi todo el cine occidental y comercial, pero Beauvois exagera al poner a monjes meditando en pleno silencio, y repetidamente cantando lo que popularmente se llaman cantos gregorianos, y que ignoro si sea el nombre correcto.

Fue una lástima, pues la trama daba -y tiene sus momentos-, de reflexiones interesantes sobre la fuerza de la vocación de los principios. Lástima que tantos momentos muertos, soporíferos y repetitivos den por resultado una cinta con tan mala narrativa.

Mystery Guitar Man

Hey! Acabo de descubrir el canal de YouTube de este tipo, tiene mucha imaginación y es muy bueno en lo que hace, si pueden chequen más de sus videos.

Hahaha, de Sang-Soo Hong

Hahaha (2010), de Sang-Soo Hong, es una película surcoreana con un título muy arriesgado, y que cumple a medias con su intención de ser una cinta de muchas risas. Quizás lo sea, pero tampoco como para arrancar carcajadas ni mucho menos.

La trama se basa en una plática de amigos que se reúnen y platican sobre su verano, sin saber que coinciden en muchos de los escenarios y personajes de sus historias. Y sin embargo, la comedia proviene de actuaciones bizarras y actitudes también muy extrañas de los personajes y no de la trama en sí misma, que rápidamente ve agotada su premisa, y tampoco desencadena en un buen clímax en que las historias se crucen realmente.

Tiene reflexiones sobre la vida que se sienten demasiado forzadas dentro del tono general de la cinta, que está dentro del absurdo.

Una de las fortalezas de la cinta es que los personajes están muy bien definidos y la dirección da muestras de imaginación y creatividad basados en la sencillez.

En general, Hahaha tiene cierto encanto que ejerce durante la primera mitad pero que, repito, poco a poco se va agotando hasta cansar y terminar más con pena que con gloria.

Rabia, de Sebastián Cordero

Un inmigrante ilegal en España comete un grave delito accidentalmente, así que decide esconderse en la mansión donde su novia trabaja como ama de llaves, sin que ni siquiera ella se entere, aislándose así de cualquier tipo de contacto humano.

Esta es la premisa de Rabia (2009), la cual me llevó a acudir a una sala de cine donde estuve solo como por diez minutos, hasta que llegaron... dos personas. Una lástima ver tan poca convocatoria para una cinta que, sin ser espectacular, sí vale la pena ver por su muy efectiva dirección, un guión inteligente y otra gran actuación de Gustavo Sánchez Parra, quien es los ojos del público para conocer los secretos de esta gran casa.

Con momentos de suspenso y emotivos, Rabia logra escapar a la claustrofobia que podría señalar su premisa. Obviamente, para toda película donde más del 97% de las cosas suceden en una misma locación, un guión dinámico e inteligente es necesario para sacar a flote la historia, y el guión del director, quien adapta la novela homónima del argentino Sergio Bizzio, lo logra.

La transformación física de Sánchez Parra para esta cinta es sobresaliente, sobre todo porque la vemos suceder a lo largo de la historia, y que nos recuerda la que Christian Bale hiciera para El Maquinista (2004), aunque esta es más severa aún.

Para mí, esta cinta habla de un amor muy especial, o al menos de una fantasía que seguro muchos de nosotros hemos tenido alguna vez en la vida. Y es la de poder observar y escuchar en todo momento a la persona que queremos, que amamos, una especie de vouyerismo no malsano sino romántico, aunque en este caso el observador es un fantasma que no puede tocar ni hablarle a su amada (la extremadamente hermosa y talentosa Martina García como la mujer que también debe enfrentar grandes pruebas a través de la historia).

Y así, a su manera, tan lejos y tan cerca, estos dos personajes logran estar juntos, separados por la rabia, pero unidos por su amor.

Somewhere, de Sofia Coppola

Somewhere (2010), de Sofia Coppola, podría ser la primera gran película sobrevalorada del año. O quizás después de todo no será tan valorada, aunque por el momento ha recibido muy buenos comentarios. Ignoro el porqué. Pero por lo pronto la perfilan para la temporada de premios.

Y la verdad no quiero comentar mucho, me da la misma hueva que a la Coppola por hacer un guión con sustancia, que no decide si ser una sátira muy simplona de la vida de una estrella de cine que arranca unas dos o tres risas aquí y allá, o una historia de autodescubrimiento que, aunque nos quiera engañar, nos lleva directito hacia ninguna parte. Y que conste que iba con ganas de que me gustara.

Seguir Siendo, con Café Tacvba

Difícil, muy difícil hablar de Seguir Siendo (2010) con objetividad, pero lo intentaré. Seguir Siendo es el documental sobre Café Tacvba, la mejor banda en la historia del rock mexicano. Así de simple y sencillo.

Dirigida por Ernesto Contreras, conocido -espero- por la grandiosa Párpados Azules (2007) y por un tal José Manuel Cravioto, este trabajo sigue a la banda durante dos años, desde la realización del álbum Sino (2007) hasta el último concierto de la gira "20 Años, 20 Ciudades" ante más de 55 mil personas en el Foro Sol de la Ciudad de México.

Pero no sólo eso, también hace un recuento de los ya 21 años de carrera de Rubén, Meme, Joselo y Quique, apoyado por el material que la misma banda se encargó de conservar, a pesar de que, como dice Meme, "no tenían ni idea de lo que estaban haciendo".

Por otra parte, recoge las opiniones de personas que han tenido la oportunidad de trabajar con ellos, comparándolos con los grandes entre los grandes (y mejor no les digo con quiénes para no arruinarles la sorpresa). Y además nos muestra a las personas del círculo más cercano a la banda (sección que pudo ser obviada fácilmente). Más importante aún, la cinta plantea la cuestión: "¿cómo le han hecho para estar juntos después de tanto tiempo?", y la respuesta suena sencilla, pero con creatividad artística y respeto entre ellos.

Momentos íntimos en estudio, en el camión de las gira, en el avión, hotel y calles de Japón, en las casas de los tacubos, videos personales... son tantas cosas las que contiene este documental, que seguramente dejará boquiabierto al espectador ocasional, pero también contiene datos e información nueva y relevante para el aficionado a morir, como yo.

Y somos nosotros, los que hemos estado junto a ellos durante todo este tiempo, quienes puede que disfrutemos más que nadie esta obra, al recordar tantos conciertos donde estuvimos, firmas, canciones, entrevistas, fotos, historias personales y de toda una generación, pues en verdad Café Tacvba es la banda más popular y arraigada entre la juventud mexicana; todas las canciones que suenan en este documental demuestran porqué, y nos dan ganas de que Café Tacvba siga siéndolo por mucho tiempo más.

This is hardcore...

Aaaah, una de las mejores noticias en mucho, mucho, mucho, muuuuuuuuuuuucho tiempo.

"Se anunció que Pulp volverá a presentarse en vivo durante el festival Primavera Sound en Barcelona el 27 de mayo de 2011 y durante el Wireless Festival londinense el 3 de julio. Así, después de ocho años desde el último concierto en diciembre de 2002, la banda regresará con su formación original constituida por Jarvis Cocker, Nick Banks, Candida Doyle, Steve MacKey, Russell Senior y Mark Webber que no sube al escenario desde 1996. "

Estoy extático...

Fito Páez en el Auditorio

Hace aproximadamente tres años me enviaron a una entrevista como lo hacían diario muchas veces, pero aquella ocasión era distinta. Tenía que entrevistar a Fito Páez. Estaba nerviosísimo, no era lo mismo entrevistar a ídolos de barro que a un verdadero artista con todas las ley, y además uno del que conocía y sabía muy poco en general. Obviamente así no llegué a la entrevista, sino que iba preparado con información de su carrera en general y del disco que promocionaba en ese entonces: El mundo cabe en una canción (2007).

Esperaba a un divo, a un prepotente, a un mamón. Pero con su personalidad y sencillez se disiparon mis nervios y al final quedé más que encantado con Fito.

A los pocos días pude ver dos canciones en vivo en el Metropolitan ("Enloquecer" y "11 y 6"), y la fascinación continuó meses después en el Festival de Viña del Mar, donde por primera vez vi un concierto completo... y continuaba fascinado.

Después pude conocer más canciones gracias a su disco de éxitos, el estupendo en vivo No sé si es Baires o Madrid (2009) y Confiá (2010). Es por eso, y otras razones, que esperaba con ilusión el concierto del 6 de noviembre en el Auditorio Nacional, donde presentó Confiá y celebró al mismo tiempo 30 años de carrera. Fue un concierto bastante peculiar...

Enfundado en un traje blanco con corbata plateada, abrió con las dos mejores canciones de su nuevo disco: "Tiempo al tiempo" y "Confiá", que fueron recibidas por un frío Auditorio sentado, el cual se mantuvo así durante como cuatro o cinco canciones más (incluida la grandiosa "Llueve sobre mojado") el cual reaccionó hasta que Fito anunció a Armando Manzanero, aunque a mí no me entusiasmó mucho, pues verlo en vivo es un martirio.
Y así lo fue mientras cantaron "Esta tarde vi llover"-obvio, de Manzanero seguida de "Yo vengo a ofrecer mi corazón". Pero lo más relevante fue que, en estas dos canciones, Fito se quedó sin voz. Empezó con un gallo tremendo, luego tosiendo, y en una parte ya de plano abrió la boca y no salió nada. Bien por Manzanero que aguantó y tuvo que sacar adelante las canciones, y lo hizo mucho mejor con la de Páez, como respetando el trabajo ajeno.

"Esperemos que vuelva la garganta", dijo Fito, e intentó solucionarlo poniéndose una gran bufanda que al parecer le funcionó y se quedó ahí el resto de la noche. "Es la primera vez en mi carrera que me quedo afónico a medio concierto", contó casi despreocupado, como si fuera cualquier cosa.

Poco después invitó a la mitad de Café Tacvba, Quique y Meme, con quienes cantó "Eres". Sonó muy bien en voz de Fito, quien ya estaba recuperado, y a mí me tomó de sorpresa, nunca creí que cantaría una de ellos, y como fan incondicional de Café Tacvba, me hizo muy feliz. Luego cantó con ellos la para mí desconocida "Bello Abril" y eso fue todo para los satelucos.

Para entonces ya había vencido la frialdad inicial del público, quien cada vez estaba más entregado y agradecido con el comentario "Me están tirando tan buena leche que ya volvió la voz". Y después de un set acústico que incluyo temas como "Naturaleza Sangre", "Circo Beat" y la nueva "El Mundo de Hoy" (donde se inventó un pasito de baile bastante gracioso) invitó al escenario al ajonjolí de todos los moles en México, Julieta Venegas, quien vestida de negro se lució con "Un Vestido y un Amor" y a mí me dejó con ganas de más, pero fue la primera -y a la postre única- invitada que sólo cantó una vez con Fito.
Quizás fue porque seguía el set rockero que tuvo a "La Rueda Mágica", "Al Lado del Camino" y "El amor después del amor". Fue en esta última donde apareció Susana Zabaleta rockeando más que nada como corista y haciéndolo muy bien sin sus tradicionales protagonismos.

Luego el primer gran final con "A Rodar", uno de sus temas más populares. Tras dejar el escenario, la gente coreaba su nombre como en un partido de futbol, y celebraron al verlo regresar, ahora vestido con tennis, camisa polo roja y jeans y chamarra de mezclilla. Entonces llamó al escenario otra vez a la Zabaleta para otra versión de "Yo vengo a ofrecer mi corazón" que ya había intentado cantar con Manzanero. Susana cantó como si fuera una aria y para mí sonó de la chingada, y además impregnó su actuación -ahora sí- de su protagonismo cachondo-patético, tirándose al suelo al final para que Fito la acompañara y la abrazara y terminaran dándose un beso en la boca. Además, al final intentó improvisar un poco y recibió como respuesta un "¡Cállate!" de una mujer en el primer piso, al menos esa mujer y yo opinamos lo mismo, y creo que fue el sentir general del público.

La segunda pieza del encore fue nada más y nada menos que "Dar es dar", para terminar poniendo a todos a brincar y cantar con "Mariposa Teknicolor", la cual por primera vez lo veía cantar sin que él tocara el piano.

Y así, tras treinta piezas y dos horas y media de concierto, Páez recordó de nuevo el episodio de la afonía y agradeció la buena vibra del Auditorio Nacional, el cual comenzó a vaciarse rápidamente. La gente salió a la fría noche. Ya habrán más ocasiones que compartir con el buen rosarino.



PD: Mil gracias a Óscar por obvias razones y por las fotos que engalanan esta entrada (¡dénles click para verlas más grande!)

Scott Pilgrim vs The Word, de Edgar Wright

Con Scott Pilgrim vs The World (2010), el inglés Edgar Wright vuelve en su primer proyecto con capital de un gran estudio de Hollywood, tras sus exitosas cintas cada vez más populares y menos de culto Shaun of the Dead (2004) y Hot Fuzz (2007), siendo la mejor y la más popular la primera.

O quizás lo era, pues con esta nueva película, Wright fue por todo y sin miramientos. Me pareció más graciosa que sus cintas anteriores, con los diálogos bizarros de siempre pero mucho mejor desarrollados por un muy buen elenco encabezado por Michael Cera en el mejor papel de su carrera, pues por primera vez lo vemos interpretar a un personaje y no a sí mismo.

Si acaso el único "pecado" de esta cinta es que es demasiado "especializada" no sólo para una generación, sino para un nicho poblacional no muy grande: el de los geeks y, si acaso, el de los cinéfilos. Su corrida en Estados Unidos lo probó, pues le fue muy mal en taquilla, pero la crítica la trató muy bien.

Y con razón, pues Wright usa como nunca su imaginación para lo visual y con la ayuda de muy buenos efectos basados en el lenguaje de los cómics y los videojuegos. Es así como Scott Pilgrim tiene que pelear contra los siete ex novios malignos de la chica de sus sueños, Ramona Flowers, y dichas peleas son al más puro estilo... de los cómics y videojuegos.

Es ahí donde creo que perdió a las grandes masas, pues no creo que éstas puedan disfrutar o entender bien porqué suceden muchas cosas que incluyen también referencias de cine y televisión como las que se hacen a Fight Club (1999) y Seinfeld (1989-1998), por ejemplo. Y aunque como comedia se sostiene por si misma, la forma aquí es mucho más fuerte que el fondo, y quizás eso aleje al espectador casual. Sin embargo, el público al que está destinado seguramente la disfrutará y revisará más de una vez, puesto que tiene todo lo que mi generación disfruta: muy buen rock (a cargo nada más y nada menos que de Nigel Godrich), chicas hermosas, acción, risas y grandes efectos visuales, mientras el director logró una gran película con un look total de cómic, el segundo en hacerlo después de Frank Miller con Sin City (2005).

En un tema relacionado, me gustaría hablar de lo popero que se está volviendo el séptimo ARTE, o mejor dicho, su cobertura mediática. Si bien el cine es una forma de entretenimiento - quizás la más importante después de la música -, muchos se están olvidando que no todo es taquilla. Sí, cintas como la que reseño aquí, el Batman de Nolan y Kick-Ass (2010) son casos de éxito, pero también hay muchas porquerías que no valen la pena como el Hombre Araña, Watchmen (2009), y el próximo proyecto de Vengadores, y que sin embargo se les dedica demasiada tinta, demasiados bytes, demasiada atención desproporcionada.

Ya lo dice Woody Allen en una entrevista publicada en el libro que reseñé hace poco: la gente cada vez se apasiona y acerca menos al cine de calidad y de autor, ¿cuántos saben, por ejemplo, de los proyectos de Francis Ford Coppola?, ¿o están atentos a lo que pase en Cannes? Ahora parece que Comic-Con es el evento no sólo geek por excelencia, ¡sino de toda la industria!

No digo que sea algo imperativo para todos, pero al menos los medios sí deberían prestarle atención a ello y ofrecer esas opciones. No todo es pop culture, hay que luchar un poco contra los fines comerciales y recordar porqué escogimos esta carrera tan hermosa que es comunicar, comuniquemos lo bueno, venga de donde venga, no lo que nos deje más a unos cuántos. Está en nosotros.

Harry Potter y El Príncipe Mestizo

Si ya con La Orden del Fénix (2007) el director David Yates comenzaba a preocupar a los fans de Harry Potter, con la siguiente parte, El Príncipe Mestizo (2009), confirma que no está a la altura de una saga tan importante y de calidad como la escrita por J.K. Rowling.

Y es que aquí se repiten una tras otra escenas con muy mal ritmo y, sobre todo, con una pésima dirección de actores. Y me refiero al talón de Aquiles de esta serie de películas, que es precisamente sus protagonistas. Emma Watson puede ser una hermosura, pero su cara y sonrisa se quedan solas sin una adecuada dirección, mientras que Daniel Radcliffe ya ha demostrado en la televisión británica que lo suyo es la comedia. Rupert Grint, por otra parte, vuelve a comerle el mandado a sus compañeros, y bien podría convertirse en un ícono de la comedia. Y sin embargo, los tres ya habían funcionado previamente, anteponiendose a sus limitaciones, incluso con Chris Columbus en las dos primeras partes, lo cual demuestra que el problema es Yates, quien estaría totalmente perdido de no ser por su fotógrafo.

Bruno Delbonnel es el encargado de la fotografía, haciendo su trabajo a la maravilla y dando las texturas e iluminaciones precisas para cada momento del filme. Para mayores referencias, el francés fotografió Amelie (2001), trabajo que recientemente fue calificado como la película mejor fotografiada entre 1998 y 2008 nada más y nada menos que por la revista The American Cinematographer, una de las más importantes en la industria.

El otro salvador del director es el equipo de efectos visuales, pues éstos son de nuevo espectaculares y siguen progresando cinta tras cinta. Toda la secuencia en que Harry y Dumbledore van en busca del primer horrorcrux es una maravilla junto a la fotografía de Delbonnel y la actuación de Michael Gambon.

Si algo tiene Yates es que es constante. En La Órden del Fénix mostró competencia para las secuencias de acción y aquí lo hace de nuevo. El problema para él es que el sexto libro del mago más popular del mundo no tiene demasiada en comparación con el resto de las entregas, es más un libro preparatorio para el final, y es por eso quizás que se inventa una escena en que la casa de los Weasley es destruida, y también recurren al quidditch para poner un poco de adrenalina a este filme.

El resto de la historia tiene los defectos ya mencionados, y por mucho que quise que me gustara viéndola por segunda vez, saltan tanto a la vista que es imposible ignorarlos.

Pensando de manera más optimista, las dos siguientes entregas son pura acción sin parar, así que ya no hay pretextos para que no nos entreguen dos películas al menos la mitad de buenas como lo es el gran final de Harry Potter. (¡Faltan sólo 10 días, yeeey!)

PS: Los extras en el DVD y BD son muy buenos, en especial un documental de 49 minutos sobre el último año en que J.K. Rowling escribió Las Reliquias de la Muerte (2007). Muy buen trabajo de producción en todos sus sentidos.
PS2: ¡Dénle click a la imagen y obtengan un fabuloso wallpaper de una de los mejores momentos de toda la saga!
PS3: ¡También a la otra!

Soy o Estoy

Una de mis canciones favoritas del Cuarteto de Satélite, jejeje.

Pero nunca la han tocado en vivo los muy... me encanta. Es del Cuatro Caminos

One flew over the cuckoo's nest, de Milos Forman

La reputación antecede a esta obra magna del cine contemporáneo. Una de tan sólo tres películas en ganar los cinco Óscares principales (Película, Director, Guión, Actor y Actriz); número 20 entre las mejores 100 películas de los Estados Unidos en el primer centenario del cine según el American Film Institute; y número 9 entre las mejores 250 películas según IMDB.com, el sitio de Internet por excelencia para los cinéfilos de todo el planeta.

Estoy hablando, por supuesto, de One Flew Over The Cuckoo's Nest (1975), de Milos Forman, y protagonizada brillantemente por Jack Nicholson y Louise Fletcher, quienes protagonizan una de las mejores historias de lucha por el poder en un microcosmos bastante peculiar -dentro de un manicomio-, y donde también se da una pelea por la libertad del espíritu.

Entre dos pulmones

No puedo empezar a describirles en qué tan poco tiempo he empezado a adorar la música de esta mujer, que apenas tiene un disco y ya ganó el Brit Award como Disco del Año y cantó en Glastonbury y que es de lo más chingón e increíble que he escuchado en todo el año junto. Espectacular mujer.

Entre dos pulmones

De entre dos pulmones se liberó
El aliento que me llevó
El suspiro que me sopló hacia adelante

Porque estaba atrapado
Atrapado entre dos pulmones
Estaba atrapado entre dos pulmones

Y mis pies corredores podían volar
Cada aliento gritando
"Somos demasiado jóvenes para morir"

De entre dos pulmones se liberó
El aliento que pasó de ti hacia mí
Que voló entre nosotros mientras dormíamos
Que resbaló de tu boca a la mía
Se arrastró entre dos pulmones y se liberó

Porque estaba atrapado
Atrapado entre dos pulmones
Estaba atrapado entre dos pulmones

Ahora los días de mendigar, los días de robar
No más jadeos por un aliento
El aire me ha llenado de pies a cabeza
Y puedo ver el suelo debajo a lo lejos

Tengo este aliento y lo sostengo fuerte
Lo guardo en mi pecho con todo mi poder
Ruego a Dios que este aliento dure
Mientras empuja a través de mis labios
Mientras jadeo
Jadeo

¡Muestra!

Esta muestra viene con grandes, grandes directores como Godard, Buñuel, de Oliveira, Coppola, Campion, Kiarostami y, el más grande de todos, ¡Woody Allen!

De nuevo, la Cineteca se luce al poner todas las cintas seis días a la semana, y todas con funciones en fin de semana.

Será un mes inreíble, ¡¡y empieza hoy!!! Perdón por la tardanza. Horarios aquí.

Paprika, el reino de lo onírico

Paprika (2006) es un anime sobre un grupo de psicoanalistas que deben recuperar un invento suyo robado por un terrorista: una innovadora máquina para entrar en los sueños de las personas.

Así, los científicos deberán entrar en el sueño de una persona afectada e invadida por el terrorista, siguiendo su rastro, combinando los sueños y ayudados por una mujer experta en estos casos, Paprika.

Si les suena parecida a Inception (2010), es porque lo es. Bastante. Quizás sea algo bueno, pues tal vez así más personas buscarán acercarse a esta obra que compitió en el Festival de Venecia. Otro aspecto en que se parecen es que, por muy innovadoras e increíbles visualmente que puedan ser, las dos se extravían en lo complejo de sus tramas.

Y también como en la cinta de Nolan, la de Satoshi Kon encuentra su fortaleza precisamente en la ambición por mostrar algo diferente en la pantalla grande, así como en el terreno visual y varias secuencias visualmente fantásticas que nos regala.

Recomendable para todos los fans de la ciencia ficción y de autores como Gibson y K. Dick. Seguro que les gustará. La cinta está basada en la novela de Yasutaka Tsutsui, autor desconocido para mí, pero que al parecer ha tenido mucho éxito en Japón.

PD: En el extra de la realización del filme, simpaticé mucho con el director Satoshi Kon y su forma de ser y trabajar. Sin embargo, al investigar para escribir este texto, me enteré de que murió el 24 de agosto de este año, víctima de cáncer pancreático. Por esa razón, esta entrada está dedicada a él. Descanse en paz.

Yo no vengo a decir un discurso, del Gabo

Honestamente, cuando la semana pasada se dio a conocer que saldría este libro, sentí un poco de indiferencia y desilusión, puesto que se trata de una recopilación de discursos de García Márquez no me queda claro si todos, y en las notas del libro tampoco queda aclarado, pero creo que sí. En todo caso, mi desazón se debía a que no presentaba nada nuevo en realidad.

Sin embargo, no pude más que caer hipnotizado por enésima vez en la prosa del Gabo (como le dicen quienes le admiran y quieren, entre quienes me incluyo). Me llevé muy gratas sorpresas, nuevas historias y anécdotas combinadas con otras conocidas, pues he leído casi todo lo escrito por el colombiano.

Teniendo eso en consideración, encontré en este libro un interesante equilibrio entre el Gabo periodista y el Gabo novelista y cuentista, dependiendo de la ocasión de cada discurso. Mientras en unos puede dar cifras de la FAO y la UNESCO sobre la pobreza y el desastre ecológico, en otros cuenta historias emotivas sobre sus amigos Álvaro Mutis, Julio Cortázar y Belisario Betancur, así sobre cómo empezó a escribir. Tampoco podían faltar aquí los que sin duda son los discursos más famosos que ha dado: el que dio cuando recibió el Premio Nobel en 1982, un llamado al mundo a comprender a América Latina, así como el del I Congreso Internacional de la Lengua Española en 1997, donde invitó a deshacernos de los acentos y toda la ortografía en general, levantando mucha polémica en su momento.

Otros temas son la carrera de periodismo, el problema del narcotráfico en la Colombia de los 80 (que inevitablemente nos remiten al México actual), el desastre ecológico y las fuerzas armadas.

Como completista de la obra de GGM, Yo no vengo a decir un discurso es una obra esencial, pero estoy casi seguro que cualquier persona podría quedar cautivada por este pequeño libro que venció mi escepticismo.