De Panzazo

De Panzazo es un documental mexicano dirigido nada más y nada menos que por el hijo de Juan Rulfo, Juan Carlos, donde trata de indagar -y más que nada mostrar- qué está fallando en el sistema educativo mexicano, buscando en los cuatro grandes responsables: los alumnos mismos, los padres, los maestros, y el sindicato de éstos últimos, utilizado por su lideresa como una moneda de cambio político/electoral, Elba Esther Gordillo.

Y si bien se busca un equilibrio entre estas partes, en muchas otras se siente más un golpeteo contra Gordillo, encabezado por el narrador y co productor, Carlos Loret de Mola, populachero lector de noticias devenido en protagonista de revistas del corazón. Irrisoria resulta su pobre imitación de Michael Moore cuando intenta entrar en la SEP y el SNTE. Y aunque su credibilidad es prácticamente nula dentro del sector, al menos su arrastre ha llamado la atención y puede que lleve gente a las salas, lo cual no está del todo mal. Pues el problema sí es de llamar la atención.

A lo largo del documental se recogen también las opiniones de Federico Reyes Heroles y Denisse Dresser, quien hace comentarios muy atinados; sin embargo, sólo hay una entrevistada especializada en educación, pero no se especifica de qué institución u organización proviene.

Por otra parte, las estadísticas y gráficas que muestra son muy ilustrativas, pues dejan en claro el enorme rezago que sufrimos en nuestro país. Y aunque sí es claro en la enorme problemática generada por el SNTE, no insiste como debiera en lo que para mí es el fondo del asunto: el sistema educativo en nuestro país está más que agotado. Un sistema de memorización y repetición de datos y no analítico y de libre pensamiento es caduco y no podrá sacar al país del retraso en que se encuentra.

Pero a quienes hayan investigado un poco el tema (y aquí me incluyo), encontrarán que falta rigor. ¿Por qué no vemos que le contesta Loret a Gordillo cuando le dice que se guarda información por estrategia política?, ¿cómo es que no hay ninguna, ni una sola mención a la Prueba Enlace y sus resultados?, ¿por qué si su fuente principal es la Prueba PISA de la OCDE no tenemos la opinión de esta organización?, por dar sólo algunos ejemplos.

Se trata de una obra que abrirá los ojos de la mayoría, y quizás despierte conciencias. Lo más importante es que se vale de sus recursos para documentar de primera mano la realidad de millones de niños y jóvenes de todos los sectores y condiciones, que están a merced de los mentados sistema y sindicato, y que también les da la voz y les pide su opinión, pues ellos son, o deberían ser, los primeros interesados, y definitivamente los más afectados.

The Descendants

The Descendants es una clásica película indie sobre una familia tremendamente disfuncional cuyos lazos serán puestos a prueba a través de una situación extrema, y que encantará sobre todo a los fans del "subgénero", por llamarlo de alguna manera.

El catalizador en esta historia es el padre, interpretado por George Clooney en lo que muchos han llamado la mejor actuación de su carrera, (¡qué rápido se olvidaron de la fantástica Up In The Air!, aunque también lo hace excelente en Burn After Reading), y que en verdad hace un fantástico trabajo de antología entregando una actuación muy humana y realista, considerando las extraordinarias circunstancias que lo rodean. El protagónico se muestra en un momento altamente vulnerable donde tiene que lidiar con varios problemas a la vez, pero nunca deja a sus hijas verlo quebrarse, y no por guardar cierta imagen, sino porque ellas así lo necesitan. Es por ello que el momento climático del personaje es verdaderamente muy emocional y fuerte de observar.

Clooney es uno de los ricos herederos de valiosas tierras en Hawaii, que debe reconectarse con sus hijas luego de que su esposa sufre un terrible accidente que la deja en coma, mientras que también siente la presión de su familia por decidir qué hacer con las tierras, pues él es el potestado legal, y el plazo está por terminarse.

Además del estelar, sobresalen por su calidad las actuaciones de Shailene Woodley y Amara Miller como las hijas, y Nick Krause como el "amigo" de la hija mayor, un verdadero idiota pero con el corazón en su lugar, y que representa el alivio cómico de la cinta, así como la hija menor que se comporta como toda una malcriada. Por su parte, la química ofrecida por Woodley y Clooney es espectacular y digna de verse, pues se complementan a la perfección, y es prácticamente el dúo que sostiene toda la cinta.

Como en otra excelente cinta de su autoría, Sideways, el director Alexander Payne vuelve a regalarnos una deliciosa historia de vida, con todas las risas y lágrimas que ésta incluye, ambientado en escenarios idílicos contrastantes con las secuencias que observamos. En este caso, además invita a la reflexión sobre el legado que hemos recibido y que nos hace ser lo que somos, pero más importante, lo que le dejaremos a nuestros seres queridos, los cuales -por su parte-, también tienen mucho que enseñarnos.

War Horse, de Steven Spielberg

Después de tres años sin dirigir una cinta, Steven Spielberg volvió en 2011 con The Adventures Of Tintin y War Horse, siendo esta última una adaptación a la novela de Michael Morpurgo, y que a su vez ya había triunfado como obra de teatro en el West End londinense.

Spielberg había manifestado su amor y obsesión por la obra teatral, que fue lo que lo llevó a adaptarla a la pantalla grande con su muy particular estilo de heroísmo y melcocha para toda la familia, con una técnica y ritmo -como siempre- impecables.

El director le apuesta a la épica en esta historia sobre un joven que busca a su caballo en las trincheras europeas de la Primera Guerra Mundial, visto más que nada desde el punto de vista del equino. Esta visión épica se demuestra en sus encuadres, en la fotografía de su antiguo colaborador Janusz Kaminsky y en la música del inmortal y genial John Williams, éstos dos últimos acreedores a una nominación en la próxima entrega del Óscar. Otro viejo socio de Spielberg, Michael Kahn, vuelve a las tareas de edición.

Durante dos horas y media (que en realidad se van como agua, evidenciando una vez más la maestría narrativa de Spielberg, que se autodefine antes que nada como un cuentahistoiras), seguimos la travesía del caballo Joey en dos partes. En la primera vemos el vínculo creado entre el caballo y su dueño Albert para explicarnos porqué al joven le importa tanto; mientras que en la segunda seguimos a Joey en sus encuentros con diversos personajes que podrían estarlo alejando cada vez más de Albert, mientras atestiguamos las tragedias íntimas y privadas creadas por los conflictos bélicos globales. Al mismo tiempo, la fotografía y música de los ya mencionados Kaminsky y Williams va cambiando, adentrándonos en los ambientes y situaciones por las que va pasando Joey, hasta el climático final con reminiscencia fotográfica a Lo Que El Viento Se Llevó.

Pareciera que Spielberg intentó precisamente crear un clásico que contuviera toda una paleta para emocionar a propios y extraños en una historia inolvidable... y lo logró.

Drive

2011 fue el año de la consolidación de Ryan Gosling con sus papeles en Crazy, Stupid Love, The Ides Of March y, sobre todo, Drive, donde carga con todo el peso de una vibrante película que merece todas las alabanzas que ha recibido.

El director danés Nicolas Winding Refn ha tomado a todos por sorpresa con esta historia clásica de un hombre metido en el mundo de la mafia y que, inspirado por una mujer, hará lo que sea (en este caso se trata de Carey Mulligan, la actriz más talentosa y bella de su generación, y que aquí vuelve a cumplir con creces interpretando a una mujer que sin deberla ni temerla estará imbuida en conflictos de la mafia).

Winding se inspira en la música, los sonidos y todo el feeling ochentero para entregarnos una historia de fórmula, elevada en este caso por el talento del director (ganador de la Palma de Oro 2011) y su protagonista, así como por las vueltas de tuerca y un elenco completado por Albert Brooks, Ron Perlman y Bryan Cranston.

Por su parte, Gosling se apunta otro triunfo más en su carrera, comenzando esta historia como un hombre de muy pocas palabras, estoico y ecuánime, pero con el desenvolvimiento de las situaciones va revelando su verdadera -y peligrosa- personalidad.

Por todas estas razones, Drive se erige como una de las mejores cintas del año pasado, y también como una película que, creo, será clave dentro del género del crimen y la mafia.

The Ides Of March

Uff, y bueno... ¿Cómo se hacía esto? Como pueden notar en el calendario de entradas, 2011 fue un año totalmente opuesto al 2010, cuando sí me apliqué y escribí de todo y por todo. Sin embargo, las turbulencias y viscicitudes del año anterior, y la falta de disciplina, me fueron alejando de este lugar tan mío como el de quien lo lea.

Incluso no vi tantas películas como en 2010. ¡Ni cerca!, pero creo que también la oferta fue menos atractiva.

Lo bueno es que regreso con la temporada de premios, cuando las cintas más fuertes al fin comienzan a estrenarse. Empezaré a hablar de The Ides Of March (2011) e intentaré irme poniendo al corriente con otras cosas interesantes que ya he visto. ¡Como las dos de Spielberg! =D

George Clooney, director de esta cinta, ha mostrado debilidad por trhillers políticos como en Syriana, Michael Clayton y Good Night, And Good Luck; con resultados medianos, pero muy celebrados por la crítica que siempre ha sido -inexplicablemente- muy generosa con él.

Ahora se sienta por cuarta ocasión en la silla de director, en una muy interesante historia que coescribió, y adaptada de la obra teatral Farraguth North, de Beau Willimon.

La traducción literal sería precisamente, "Los Idus de Marzo", que según Wikipedia, significa esto:

En el calendario romano los idus de marzo caían en el 15 del mes de Martius. Los idus eran días de buenos augurios que tenían lugar los días 15 de marzo, mayo, julio y octubre y los días 13 del resto de los meses. La fecha es famosa porque Julio César fue asesinado en los idus de marzo del año 44 a. C. Según el escritor griego Plutarco, César había sido advertido del peligro, pero había desestimado la advertencia: Lo que es más extraordinario aún es que un vidente le había advertido del grave peligro que le amenazaba en los idus de marzo, y ese día cuando iba al Senado, [Julio César] llamó al vidente y riendo le dijo: «Los idus de marzo ya han llegado»; a lo que el vidente contestó compasivamente: «Sí, pero aún no han acabado».

El título no pudo haber sido mejor, pues en esta historia política, un talentoso coordinador de campaña en ciernes (el siempre efectivo Ryan Gosling) se verá enfrentado a un verdadero vendaval que marcará un antes y después, amenazando con terminar su carrera y la de su candidato a la presidencia, encarnado por George Clooney.

Pero Gosling es además el elemento en común, el enlace entre dos actorazos hechos y derechos que hacen que toda esta cinta valga la pena: Paul Giamatti y Philip Seymour Hoffman. Y es que ver a este par de histriones jugando al ajedrez político con Gosling es una gran experiencia cinematográfica, y en donde recae el mayor acierto de Clooney, puesto que en la dirección no realiza nada fuera de lo normal, mientras que el guión carece de un buen desarrollo de personajes; aunque por otra parte nos presenta escenas que podrían acercarse a lo que es en realidad algo tan importante y grande como una campaña presidencial de los Estados Unidos, con todo el juego sucio (y hasta inhumano) que podría conllevar.

Shake It Out, de Florence + The Machine

Florence regresa el 31 de octubre con su segundo álbum de estudio, Ceremonials, en lo que promete ser otro gran trabajo después de la obra maestra que fue su multipremiado disco debut, Lungs. "Shake It Out" es el primer sencillo, y junto a la otra canción que ha mostrado "What The Water Gave Me", parecen confirmar que la calidad de Florence + The Machine no ha sufrido un ápice, como suele pasar con los que están realmente iluminados o tocados por el espíritu santo o yo que sé, el punto es que su música es de la mejor que he escuchado en mi vida.

Sacúdetelo

Los remordimientos se acumulan como viejos amigos
Están aquí para revivir tus momentos oscuros
No veo una salida, no veo una salida
Y todos los espectros salen a jugar

Y cada demonio quiere su pedazo de carne
Pero me gusta guardarme algunas cosas para mí
Me gusta mantener mis problemas fuertes
Siempre es más oscuro antes del amanecer

Y he sido una tonta y he estado ciega
Nunca puedo dejar atrás el pasado
No veo una salida, no veo una salida
Siempre estoy arrastrando ese caballo

Y nuestro amor está pastando un sonido tan lastimero
Hoy voy a enterrar ese caballo en el suelo
Así que me gusta mantener fuertes mis problemas
Pero siempre es más oscuro antes del amanecer

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Estoy harta de mi corazón sin gracia
Así que hoy lo voy a cortar y volver a empezar
Porque me gusta mantener fuertes mis problemas
Siempre es más oscuro antes del amanecer

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Y si tuviera la oportunidad, ¿hubiera cambiado algo?
Es un desorden final, pero me ha dejado muy vacía
Siempre es más oscuro antes del amanecer

Maldita si lo hago, y maldita si no lo hago
Así que a brindar por unos tragos en la oscuridad al final de mi camino
Y estoy lista para sufrir y estoy lista para tener esperanza
Es un disparo en la oscuridad y dio justo en mi garganta
Busco el cielo, por el demonio en mí
Buscando el cielo, por el demonio en mí
¡Al infierno! Voy a dejar que me suceda

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Midnight in Paris, de Woody Allen

- Eric Lax: ¿Se imagina lo que hubiera sucedido si se hubiera quedado allí? (a vivir en París, en la década de los sesenta)

- Woody Allen: Había que tener un espíritu más aventurero que el mío para hacerlo, y es una lástima. Conozco a mucha gente de mi edad que dice: "yo no me arrepiento de nada" [ríe a carcajadas]. Pues yo me arrepiento de mil cosas [Sonríe] De mil cosas no, pero de eso sí [Acaba con un tono un tanto nostálgico] Habría estado bien.

Conversaciones con Woody Allen; Eric Lax; Random House; 2010

Esta entrevista realizada en 2005 se refiere a la ocasión en que Allen conoció París durante la filmación de What's Up, Pussycat? en 1965, película que él solamente escribió, y que le dejó más frustraciones y casi ninguna satisfacción, excepto haber trabajado con Peter Sellers y conocer París.

Desde entonces Woody, si la memoria no me falla, sólo había regresado allí a trabajar para la filmación de Everybody Says I Love You (1996), cuyo hermosísimo y sublime final de antología se desarrolla frente a la Torre Eiffel.

Ademas, Francia se ha mostrado particularmente más receptivo a todos los trabajos del neoyorquino. Así lo ha manifestado él mismo, y hace un guiño a esa curiosa situación
en Hollywood Ending (2001). En este 2011, y por segundo año consecutivo después de You Will Meet A Dark Tall Stranger, Allen estrenó su nueva obra en Cannes. Y también por segundo año consecutivo, volverá a conquistar a las masas con Midnight In Paris, su primera cinta filmada totalmente en París, continuando así con su etapa europea luego de Match Point (2005), Cassandra's Dream (2007), You Will Meet A Dark Tall Stranger en Londres, Vicky Christina Barcelona (2008) en la Ciudad Condal, y que continuará en Roma con The Bop Decameron (2012).

Sin embargo, ni Londres ni Barcelona recibieron de Woody el tratamiento que recibe Paris, en lo que se ha llamado su "carta de amor" a la Ciudad Luz, argumento que podría confirmarse con la secuencia inicial donde repite lo que hizo con Manhattan (1979), plano tras plano de los lugares más hermosos de la capital francesa.

Si Match Point es hija de Crimes And Misdemeanors (1989), Midgnight In Paris tiene el toque Manhattan combinándolo con una historia que nos recuerda a The Purple Rose Of Cairo (1985), en donde nuestro protagonista evade la realidad ayudado por un poco de magia, presente en la filmografía de Allen en Scoop (2006) y The Curse of The Jade Scorpion (2001), mientras que la nostalgia por el pasado ya la habíamos visto en ésta última, así como en Radio Days (1987).

De nuevo, están todos los elementos de un filme clásico del autor: el miedo a la muerte, la insatisfacción con la vida que se tiene, la infidelidad, la burguesía, aderezado en este caso por encuentros con personajes clave del inicio del siglo XX, y con uno de los repartos más espectaculares con los que haya trabajado -y eso ya es mucho decir-, liderados por un sorprendente Owen Wilson.

Aunque en lo personal la forma de hablar de Wilson me resulta un poco distractora, el protagonista brilla al retratar a un soñador incomprendido por su prometida, que encontrará una respuesta a sus deseos cuando tiene la oportunidad de viajar en el tiempo a una etapa y lugar con los que siempre soñó: París en la década de los veinte, epicentro del mundo cultural en ese entonces, donde vivían los músicos, escritores, pintores y cineastas más importantes del momento.

En este viaje de fantasía, destacan Adrien Brody, inconmensurable en su papel como un artista que prefiero descubran ustedes mismos, Kathy Bathes como Gertrude Stein y, sobre todo, un magnífico trabajo de Corey Stoll como un Ernest Hemingway tocado por la guerra y con una obsesión por los valores y características que requiere un buen hombre y escritor. También está incluido Cole Porter, omnipresente en la obra de Allen, quien casi calca un diálogo de Anything Else (2003) relativo al baladista más prólifico de los Estados Unidos.
Mención aparte merece la siempre efectiva Marion Cotillard como el interés romántico del protagonista; una mujer que pareciera estar hecha a la medida de él. Cotillard enamora a Wilson y a la audiencia con su belleza, sinceridad y deseos de vivir una vida bohemia en París, el personaje más importante de esta cinta, al cual Woody hace justicia al mostrar todo lo que significa caminar y enamorarse por sus hermosas, hipnotizantes y eternas calles.

Cinco décadas después, Allen no deja de sorprender, entrener, maravillar y hacer reír, y como desde hace cincuenta años, nadie puede hacerlo como él.

Make You Feel My Love

En 1997 Bob Dylan escribió "Make You Feel My Love", incluido en su disco ganador del Grammy Time Out Of Mind como mejor álbum del año. Desde entonces, es una de las canciones más "covereadas" y populares de Dylan, debido a su romántica letra que la hace más accesible que el resto de su catálogo. En YouTube pueden encontrar muchísimos covers, pero les dejo aquí tres. El primero es mi favorito, del grandioso Billy Joel; el segundo es bastante sencillo, pero la canta uno de los íconos de la música country, Garth Brooks; y el tercero es extremadamente popular actualmente, pues lo canta Adele, y el video es bastante bueno también, pues Adele retrata la vulnerabildiad y desesperación que plasmó Dylan en su letra. Dedicado a todos quienes puedan dedicar esta canción a alguien...

Hacerte sentir mi amor

Cuando la lluvia caiga en tu rostro
Y cargues con todo el mundo en tu maleta
Puedo ofrecerte un cálido abrazo
Para hacerte sentir mi amor

Cuando aparezcan las sombras de la noche y las estrellas
Y no haya nadie para secar tus lágrimas
Podría sostenerte por un millón de años
Para hacerte sentir mi amor

Sé que no te has decidido
Pero nunca te haría daño
Lo sé desde el momento que nos conocimos
No tengo duda de dónde perteneces

Pasaría hambre, pasaría tristeza
Me arrastraría por la calle
No hay nada que no haría
Para hacerte sentir mi amor

Las tormentas se embravecen en el turbulento mar
Y en la carretera de lamentos
Los vientos de cambio soplan salvajes y libres
Aún no has conocido a nadie como yo

Podría hacerte feliz, cumplir tus sueños
No hay nada que no haría
Ir a los finales de la tierra por ti
Para hacerte sentir mi amor

Falling, de Florence + The Machine

Los que la hayan escuchado no me dejarán mentir: Florence + The Machine es una de las mejores y más espectaculares bandas de la actualidad, su música más las letras de Florence Welch los hacen tan impresionantes como adictivos. Les traigo otra canción sumamente romántica, prometiendo que pronto entraré a otras menos cortavenas. =D

Cayendo

He caído de favores, he caído de la gracia
Caído de árboles, he caído sobre mi rostro
Caído de taxis, también de ventanas
Caí en tu opinión cuando caí enamorada de ti

A veces deseo caer, deseo la liberación
Deseo caer por el aire para darme algo de alivio
Porque caer no es el problema, cuando caigo estoy en paz
Es sólo cuando golpeo el suelo cuando nace la pena

Esta es una canción para un nombre garabateado
Y mi amor lo sigue escribiendo una y otra vez
Esta es una canción para un nombre garabateado
Y mi amor lo sigue escribiendo una y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez

Bailo conmigo, me emborracho
Encuentro a gente para amar, los dejo que se ahoguen
No me da miedo saltar, no me espanta caer
Si no hubiera donde aterrizar no me espantaría para nada

Para nada, Para nada
Caer, Caer

A veces deseo caer, deseo la liberación
Deseo caer por el aire para darme algo de alivio
Porque caer no es el problema, cuando caigo estoy en paz
Es sólo cuando golpeo el suelo cuando nace la pena

La Caída de los Gigantes, de Ken Follet

La Caída de los Gigantes (2010) es el libro más reciente de Ken Follet, el autor best-seller que escribió Los Pilares de la Tierra (1989), y que con esta novela comienza con la trilogía de "El Siglo".

Así, La Caída de los Gigantes abarca las vivencias de cinco familias: de Inglaterra, Gales, Estados Unidos, Rusia y Alemania durante la Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa, mientras que en la segunda parte, a publicarse en 2012, seguiremos a la siguiente generación durante la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, mientras que la tercera se centrará en la Guerra Fría.

En lo que podría considerarse su primera novela histórica, Follet entreteje las historias de estas cinco familias y de nuevo crea a protagonistas entrañables y antagonistas detestables, dotando a todos de más humanidad que en Los Pilares, donde quizás pecó de maniqueo.

La contraportada del libro contiene una cita del autor: "De alguna forma es la historia de todos nosotros"; cita que podría parecer demasiado ambiciosa, pero que después de todo tiene algo de cierto, pues en ella se describen los primeros pasos que condujeron a la geopolítica como la conocemos actualmente, y en verdad Follet lo hace de manera interesante y entretenida, lo cual es un gran logro considerando las 1017 páginas del libro, que no se sienten pesadas por ningún momento.

Si les gusta las tramas políticas y bélicas, aderezadas con mucho romance y heroísmo, seguramente les gustará La Caída de los Gigantes. Mientras tanto, yo espero con ansías la segunda parte de esta muy buena novela.

Incendies, de Dennis Villeneuve

Tras una sequía en las carteleras, inicia el 31 Foro Internacional de la Cineteca, obviamente, en la Cineteca Nacional de México, meca de los cinéfilos capitalinos.

Con una muy buena corrida en festivales y premiaciones a nivel mundial, Incendies (2010) es la historia de dos mellizos canadienses que, al morir su madre, descubren que su padre está vivo y que tienen otro hermano, y que ambos se encuentran en el país de su madre, Palestina. En su testamento, la madre les pide encontrarlos para así expiar las faltas de su pasado. La hermana, Jean, decide seguir la voluntad de su madre, mientras que el hermano ignora la petición.

De esta manera, Jean y la audiencia vamos descubriendo las vicicitudes en la vida de Nawal, la madre, aunque en otras ocasiones lo sabemos antes que Jean, lo cual involucra al espectador por completo en este juego donde también nosotros unimos los cabos, y en otras nos sorprendemos al mismo tiempo que Jean y Nawal. Eso sí, el increíble final nos toma a todos por sorpresa, en una vuelta de tuerca de antología.

El director, Dennis Villeneuve demuestra gran oficio tanto en la cámara como al escribir la adaptación desde el teatro, en una historia que, increíblemente, está basada en la vida real; mientras que la protagonista belga Lubna Azabal brilla al personificar una mujer atormentada por su pasado, pero que vive en búsqueda de un mejor futuro, aunque a veces el precio a pagar sea muy alto.

Hall Pass, de los hermanos Farrelly

Los hermanos Farrelly, que han tenido mucho éxito con comedias simples pero bien escritas y con estrellas al por mayor (Jim Carrey, Jack Black, Ben Stiller, Cameron Diaz, Gwyneth Paltrow, entre otros), regresan con Hall Pass (2011).

Con la escatología que los ha caracterizado desde el principio, los Farrelly cuentan la historia de dos hombres cuyas esposas les han dado un "pase libre" de sus matrimonios, dándoles una semana de libertad y sin consecuencias, para que de una vez dejen de ver y fantasear con otras mujeres.

La gracia de la cinta está en observar los intentos de estos dos hombres (Owen Wilson y Jason Sudeikis de "Saturday Night Live") por ligar con otras mujeres en la semana que les fue concedida. Sin embargo, las situaciones no son tan divertidas como podría esperarse, y en cambio vemos una serie de clichés que terminan cansando por su predecibilidad.

Dada las pretensiones de la cinta, podría decirse que cumple al entretener y sacar una que otra risa, pero no es una película para reír de principio a fin ni mucho menos. Véanla si de plano están en el límite de la aburrición, aunque quizás sería más barato ver alguna buena serie cómica en la televisión, probablemente los haga reír más.

The Adjustment Bureau, de George Nolfi

The Adjustment Bureau (2011) es una adaptación más a una historia de Philip K. Dick, uno de los escritores de ciencia ficción cuyas obras han sido llevadas a Hollywood con resultados muy variados.

En este caso, la química entre Matt Damon y Emily Blunt podría ser lo más destacable de la película, aunque tampoco es para tanto.

Traducida como "Los Agentes del Destino", la traducción literal sería "La Oficina de Ajustes". Y es que la premisa de la historia es la existencia de una oficina que se encarga de que la gente no se salga de lo que está ya definido en un "gran plan", cosa que nuestros protagonistas hacen.

A pesar de la idea interesante, la ejecución dista mucho de ser efectiva, y al final raya en lo absurdo, motivado además por la simpleza de las motivaciones detrás de esta oficina, y por la resolución que es contradictoria a todo lo que ya habíamos visto.

Escribo este texto mucho después de ver la cinta en el cine, así que quizás ya quede en muy pocas salas. Pero no se preocupen si no la vieron, pues no se perdieron de gran cosa.

Le Hérisson, de Mona Achache

Basada en la novela La Elegancia del Erizo, de Muriel Barbery, Le Hérisson (2009) narra la historia de Paloma, una niña parisina de once años muy precoz que, tras una ácida observación del mundo y la manera en que las personas manejan sus vidas, decide quitarse la vida el día de su doceavo cumpleaños. Sin embargo, el encuentro con dos personas que viven en su edificio podría hacerla cambiar de opinión.

La directora, Mona Achache, realiza una adaptación espectacular, tomando la historia de la novela y enriqueciéndola en su traducción al lenguaje cinematógrafico. Y es que lo que pudo ser una mera transcripción, Achache lo lleva a otro nivel con una dirección imaginativa, ágil y envolvente.

A estas cualidades se suman las actuaciones de todo el elenco, y en especial de sus protagonistas femeninas, Josiane Balasko como la conserje del edificio, y Galance Le Guillermic como Paloma, un papel que fácilmente pudo caer en lo odioso, pero que la joven actriz logra transformar en entrañable cuando Paloma comienza a aprender del amor y las tragedias.

La Leyenda del Tío Boonmee

La Leyenda del Tío Boonmee (Loong Boonmee Raleu Chat, 2010) es la película tailandesa ganadora de la Palma de Oro 2010, y dirigida por Apichatpong Weerasethakul.

Este palmarés, así como la premisa (un hombre a punto de morir recibe visitas de fantasmas del pasado y criaturas míticas) ciertamente despertaron mi atención.

Al principio la cinta cumple con lo que promete, pero muy rápidamente pasa de lo onírico a lo letárgico y de ahí a lo confuso, con un final bastante complicado, al parecer destinado a personas familiarizadas con el budismo.

Lo más destacable podría ser la belleza de los paisajes naturales, así como la secuencia de la princesa, fotografiada y dirigida con gran maestría.

Por otra parte, creo que lo que más me confunde es cómo esta obra se hizo de la Palma de Oro... en verdad no le encuentro la cuadratura a ese círculo.

Blue Valentine, de Derek Cianfrance

Blue Valentine (2010) es la historia de un joven matrimonio que se enfrenta a la prueba más difícil de su relación, así de como nació su romance.

Independiente a más no poder, la cinta es producida por sus protagonistas: Michelle Williams y Ryan Gosling, lo cual demuestra el compromiso y el amor que ambos le tuvieron al proyecto, y que se refleja en la pantalla.

La actuación de Williams ha sido la más comentada y celebrada; sin embargo, es Gosling quien se lleva la mejor parte retratando a un hombre enamorado que poco a poco va cayendo en la confusión y frustración al ver cómo el mundo que había soñado se desmorona. Poco a poco, y en películas independientes como esta, Gosling se ha hecho de una muy buena reputación en Hollywood, aunadas a nominaciones al Óscar por Half Nelson (2006), y al Globo de Oro por Lars And The Real Girl (2007) y precisamente por Blue Valentine. Sin embargo, esta es la primera vez que puedo apreciar su trabajo, y me dejó un extraordinario sabor de boca.

Lo mismo esperaba de Williams, cuya carrera ha seguido un curso muy parecido a la de Gosling, también con nominaciones a ese par de premios importantes. No obstante, no logra brillar tanto como Gosling, a pesar de que hace un muy buen trabajo.

Me he centrado más en las actuaciones porque la historia no tiene demasiado que ofrecer y se siente gratuita al no contar con una verdadera justificación al proceder de nuestros protagonistas. Si acaso, ésta apenas se alcanza a insinuar de manera velada e, al final de cuentas, insuficiente.

No obstante, esto no es disuasor para que dejen de revisar este filme que resulta interesante por sí mismo, y que al final de cuentas sí contiene alguna que otra escena conmovedora.

Whatever Works, de Woody Allen

Dos años después de su estreno, llega a las salas de México Whatever Works (2009), de Woody Allen. Quizás esto se deba a que no cuenta con la pléyade de estrellas que suelen protagonizar sus cintas, como en los casos de You Will Meet A Dark, Tall Stranger (2010) y Vicky Christina Barcelona (2008); o a que por la misma razón pasó sin pena ni gloria en su estreno en las salas de los Estados Unidos, lo cual de por sí resulta interesante, ya que con Whatever Works, Allen regresó a Nueva York en medio de la etapa europea que continúa en proceso con el próximo estreno de Midnight In Paris (2011).

En esta ocasión, Woody se regodea como nunca en el pesimismo y nihilismo que ya hemos visto en su filmografía, pero llevado al extremo a través del misántropo personaje de Boris, interpretado por el magnífico Larry David, co creador y escritor de Seinfeld (para quienes no lo sepan, George Costanza está inspirado en él, y varias de sus aventuras en la serie son en realidad situaciones que David vivió), y de la hilarante Curb Your Entusiasm.

Por su altísimo coeficiente intelectual, Boris mira con desprecio al resto de la humanidad. Para él son nada, "microbios" insignificantes como la vida misma, de la cual ya ha intentado liberarse sin éxito. Sin embargo, el fortuito encuentro con una chica pueblerina podría hacer que cambie su percepción de la humanidad.

Mientras tanto, Melody, la chica pueblerina (Evan Rachel Wood en el papel más gracioso en que la he visto), ciertamente cambia su visión del mundo, nutrida por las opiniones y el estilo de vida de Boris.

Juntos, Wood y David conforman una de las mejores parejas cómicas en la filmografía de Allen. Larry David básicamente se interpreta a sí mismo elevado a la x potencia, muy al contrario de lo que la gente usualmente piensa de los recientes papeles protagónicos de Woody: que es un alter ego del director, lo cual no puede ser más falso en el caso de esta cinta, pues recordemos que los personajes interpretados por Woody (que a su vez tampoco están basados en él mismo) nunca fueron misántropos ni genios, solamente neuróticos y temerosos. Mirando por encima de esta situación, la interpretación de David es inmejorable, pues tanto él como Wood demuestran un timing perfecto y gran química. Pongan atención a la plática en las escaleras del Mausoleo de Nueva York y su final enriquecido por una efectiva edición.

A la mitad de la historia, el universo de personajes crece y se le da entrada a Patricia Clarkson como la madre de Melody, y la trama se desvía hacia ese personaje. Clarkson, como siempre, cumple con creces, y en esta historia sufrirá severos cambios cuando su intención era cambiar la vida de su hija.

Y aunque la historia de la madre de Clarkson es más que interesante, la cinta adolece cuando no vemos a Larry David, lo cual sucede durante mucho tiempo en el tercer cuarto de la historia, aunque para la recta final lo tenemos de vuelta.

Allen nos deja una reflexión sobre el azar y el sinsentido de planear nuestras vidas -sobre todo en el terreno romántico-pues irremediablemente siempre terminamos con quien menos esperábamos, y hay que aceptar cualquier cosa que funcione.

Les recomiendo no hacer caso de los argumentos de flojera inmensa cada vez que sale una nueva cinta de Woody: que si "hace mucho que no hace algo bueno", que si es una "obra menor" o cualquier otro cliché que se les ocurra. Lo cierto es que el tiempo pasa y muchísima gente que no conoce su filmografía entera se enamora de su trabajo con las obras recientes "menores" y "no tan buenas" como lo que hacía, lo cual demuestra cómo el público sin ningún prejuicio continúa descubriendo el inmenso genio del mejor autor del mundo.

Never Let Me Go, de Mark Romanek

Mark Romanek es uno de las personas más improbables para dirigir una película como Never Let Me Go (2010). Con una gran reputación como director de videos musicales (incluido "Scream" de Michael y Janet Jackson, el más caro en la historia) Romanek ha trabajado con artistas como Nine Inch Nails, Beck, Madonna, Johnny Cash, Jay-Z, Coldplay, R.E.M. y David Bowie.

Sin embargo, Never Let Me Go es una historia muy alejada del perfil o prejuicio que podríamos tener sobre el director, y al final termina pasándole factura hasta cierto punto.

La cinta se basa en una novela de Kazuo Ishiguro, y al parecer fue una novela muy bien recibida y hasta venerada, aunque en lo personal me enteré de su existencia gracias a este filme. La trama mezcla elementos de ciencia ficción, pero no como la conocemos tradicionalmente, sino apenas un matiz que, no obstante, resulta clave en el desarrollo y final de la historia.

Durante la primera mitad, y mediante una dirección sencilla, Romanek entrega una tierna historia de amor infantil y de crecimiento en circunstancias bastante especiales, donde los tres protagonistas viven en un microcosmos literalmente extraordinario. Sin embargo, la vida los separa y en la segunda mitad vemos la historia de su reencuentro, el cual presentará pruebas bastante difíciles para ellos, grandes pruebas de redención, perdón y resignación.

A pesar de la profundidad y romanticismo de la cinta, ésta carece de ritmo y de un verdadero clímax, pues es bastante predecible, aunque sí conduce a un final desgarrador.

Previo a ver este filme, había leído en más de una ocasión que los protagonistas Keira Knightley, Andrew Garfield (mejor conocido hasta el momento como el co-creador de Facebook en la magnífica The Social Network (2010), además de ser el nuevo Hombre Araña) y la ganadora del BAFTA, Carey Mulligan; sin embargo, para mí es esta última quien se luce una vez más con ese rostro de vulnerabilidad e inocencia, pero con mucho carácter, borrando del cuadro a sus co-estelares, y cargando con las escenas más emotivas del filme.

Never Let Me Go es una película con tantos aciertos como desaciertos, que termina siendo irregular. No obstante, vale la pena por los aciertos, por un guión con una premisa tan original como interesante, por el debut cinematrográfico de un director con mucho talento, y por seguir la carrera de dos grandes actores que podrían marcar época, como los son Garfield y Mulligan.

Amor Cósmico

Por canciones como esta, Florence + The Machine es una de las mejores bandas del mundo

Amor Cósmico

Una estrella fugaz cayó de tu corazón y aterrizó en mis ojos
Grité fuerte mientras los rasgó, y ahora me ha dejado ciega

Las estrellas, la luna, todas han explotado
Me dejaste en la oscuridad
No hay amanecer, no hay día, siempre estoy en crepúsculo
En la sombra de tu corazón

Y en la oscuridad, puedo escuchar tu latido
Intenté encontrar el sonido
Pero se detuvo, yo estaba en la oscuridad
Así que me fundí con ella

Las estrellas, la luna, todas han explotado
Me dejaste en la oscuridad
No hay amanecer, no hay día, siempre estoy en crepúsculo
En la sombra de tu corazón

Retiré las estrellas de mis ojos, y luego hice un mapa
Sabía que de algún modo podría encontrar mi camino de regreso
Entonces escuché tu lair, estabas en la oscuridad también
Así que me quedé en la oscuridad contigo

Las estrellas, la luna, todas han explotado
Me dejaste en la oscuridad
No hay amanecer, no hay día, siempre estoy en crepúsculo
En la sombra de tu corazón

Winter's Bone, de Debra Granik

La ganadora más reciente en Sundance, Winter's Bone (2010), es la historia de Ree, una joven de 17 años que debe descubrir el paradero de su padre, un "cocinero" de droga recién salido de la cárcel. De lo contrario, Ree, sus hermanos y su madre perderán la casa, pues su padre la dejó como fianza antes de desaparecer.

Con tal de no vivir en la indigencia, la precoz Ree no dudará en hacer lo que sea necesario, aunque tenga que realizarlo sin ayuda de nadie, ya que su madre tiene una enfermedad mental y no se da cuenta de lo que sucede; su tío está también metido en el negocio de las drogas, y se niega a ayudarla, mientras que para sus pequeños hermanos la vida sigue girando alrededor de los juegos.

Jennifer Lawrence protagoniza una interesante historia donde poco a poco iremos descubriendo la gravedad de la situación, que podría costarle la vida a más de una persona.

La dirección de Granik es sencilla y sin complicaciones, mientras que la historia, si bien es interesante y tiene un buen final, no se siente del todo cohesionada, mientras que más de una escena sale sobrando.

Podría ser revisada por ser un ejemplo de buen cine indie y una buena premisa. Pero hasta ahí.