Hedonismo & Reflexión

The Descendants

2012-02-05T12:23:00.001-08:00

The Descendants es una clásica película indie sobre una familia tremendamente disfuncional cuyos lazos serán puestos a prueba a través de una situación extrema, y que encantará sobre todo a los fans del "subgénero", por llamarlo de alguna manera.

El catalizador en esta historia es el padre, interpretado por George Clooney en lo que muchos han llamado la mejor actuación de su carrera, (¡qué rápido se olvidaron de la fantástica Up In The Air!, aunque también lo hace excelente en Burn After Reading), y que en verdad hace un fantástico trabajo de antología entregando una actuación muy humana y realista, considerando las extraordinarias circunstancias que lo rodean. El protagónico se muestra en un momento altamente vulnerable donde tiene que lidiar con varios problemas a la vez, pero nunca deja a sus hijas verlo quebrarse, y no por guardar cierta imagen, sino porque ellas así lo necesitan. Es por ello que el momento climático del personaje es verdaderamente muy emocional y fuerte de observar.

Clooney es uno de los ricos herederos de valiosas tierras en Hawaii, que debe reconectarse con sus hijas luego de que su esposa sufre un terrible accidente que la deja en coma, mientras que también siente la presión de su familia por decidir qué hacer con las tierras, pues él es el potestado legal, y el plazo está por terminarse.

Además del estelar, sobresalen por su calidad las actuaciones de Shailene Woodley y Amara Miller como las hijas, y Nick Krause como el "amigo" de la hija mayor, un verdadero idiota pero con el corazón en su lugar, y que representa el alivio cómico de la cinta, así como la hija menor que se comporta como toda una malcriada. Por su parte, la química ofrecida por Woodley y Clooney es espectacular y digna de verse, pues se complementan a la perfección, y es prácticamente el dúo que sostiene toda la cinta.

Como en otra excelente cinta de su autoría, Sideways, el director Alexander Payne vuelve a regalarnos una deliciosa historia de vida, con todas las risas y lágrimas que ésta incluye, ambientado en escenarios idílicos contrastantes con las secuencias que observamos. En este caso, además invita a la reflexión sobre el legado que hemos recibido y que nos hace ser lo que somos, pero más importante, lo que le dejaremos a nuestros seres queridos, los cuales -por su parte-, también tienen mucho que enseñarnos.

War Horse, de Steven Spielberg

2012-02-02T17:47:00.000-08:00

Después de tres años sin dirigir una cinta, Steven Spielberg volvió en 2011 con The Adventures Of Tintin y War Horse, siendo esta última una adaptación a la novela de Michael Morpurgo, y que a su vez ya había triunfado como obra de teatro en el West End londinense.

Spielberg había manifestado su amor y obsesión por la obra teatral, que fue lo que lo llevó a adaptarla a la pantalla grande con su muy particular estilo de heroísmo y melcocha para toda la familia, con una técnica y ritmo -como siempre- impecables.

El director le apuesta a la épica en esta historia sobre un joven que busca a su caballo en las trincheras europeas de la Primera Guerra Mundial, visto más que nada desde el punto de vista del equino. Esta visión épica se demuestra en sus encuadres, en la fotografía de su antiguo colaborador Janusz Kaminsky y en la música del inmortal y genial John Williams, éstos dos últimos acreedores a una nominación en la próxima entrega del Óscar. Otro viejo socio de Spielberg, Michael Kahn, vuelve a las tareas de edición.

Durante dos horas y media (que en realidad se van como agua, evidenciando una vez más la maestría narrativa de Spielberg, que se autodefine antes que nada como un cuentahistoiras), seguimos la travesía del caballo Joey en dos partes. En la primera vemos el vínculo creado entre el caballo y su dueño Albert para explicarnos porqué al joven le importa tanto; mientras que en la segunda seguimos a Joey en sus encuentros con diversos personajes que podrían estarlo alejando cada vez más de Albert, mientras atestiguamos las tragedias íntimas y privadas creadas por los conflictos bélicos globales. Al mismo tiempo, la fotografía y música de los ya mencionados Kaminsky y Williams va cambiando, adentrándonos en los ambientes y situaciones por las que va pasando Joey, hasta el climático final con reminiscencia fotográfica a Lo Que El Viento Se Llevó.

Pareciera que Spielberg intentó precisamente crear un clásico que contuviera toda una paleta para emocionar a propios y extraños en una historia inolvidable... y lo logró.

Drive

2012-01-31T18:33:00.000-08:00

2011 fue el año de la consolidación de Ryan Gosling con sus papeles en Crazy, Stupid Love, The Ides Of March y, sobre todo, Drive, donde carga con todo el peso de una vibrante película que merece todas las alabanzas que ha recibido.

El director danés Nicolas Winding Refn ha tomado a todos por sorpresa con esta historia clásica de un hombre metido en el mundo de la mafia y que, inspirado por una mujer, hará lo que sea (en este caso se trata de Carey Mulligan, la actriz más talentosa y bella de su generación, y que aquí vuelve a cumplir con creces interpretando a una mujer que sin deberla ni temerla estará imbuida en conflictos de la mafia).

Winding se inspira en la música, los sonidos y todo el feeling ochentero para entregarnos una historia de fórmula, elevada en este caso por el talento del director (ganador de la Palma de Oro 2011) y su protagonista, así como por las vueltas de tuerca y un elenco completado por Albert Brooks, Ron Perlman y Bryan Cranston.

Por su parte, Gosling se apunta otro triunfo más en su carrera, comenzando esta historia como un hombre de muy pocas palabras, estoico y ecuánime, pero con el desenvolvimiento de las situaciones va revelando su verdadera -y peligrosa- personalidad.

Por todas estas razones, Drive se erige como una de las mejores cintas del año pasado, y también como una película que, creo, será clave dentro del género del crimen y la mafia.

The Ides Of March

2012-01-28T20:13:00.000-08:00

Uff, y bueno... ¿Cómo se hacía esto? Como pueden notar en el calendario de entradas, 2011 fue un año totalmente opuesto al 2010, cuando sí me apliqué y escribí de todo y por todo. Sin embargo, las turbulencias y viscicitudes del año anterior, y la falta de disciplina, me fueron alejando de este lugar tan mío como el de quien lo lea.

Incluso no vi tantas películas como en 2010. ¡Ni cerca!, pero creo que también la oferta fue menos atractiva.

Lo bueno es que regreso con la temporada de premios, cuando las cintas más fuertes al fin comienzan a estrenarse. Empezaré a hablar de The Ides Of March (2011) e intentaré irme poniendo al corriente con otras cosas interesantes que ya he visto. ¡Como las dos de Spielberg! =D

George Clooney, director de esta cinta, ha mostrado debilidad por trhillers políticos como en Syriana, Michael Clayton y Good Night, And Good Luck; con resultados medianos, pero muy celebrados por la crítica que siempre ha sido -inexplicablemente- muy generosa con él.

Ahora se sienta por cuarta ocasión en la silla de director, en una muy interesante historia que coescribió, y adaptada de la obra teatral Farraguth North, de Beau Willimon.

La traducción literal sería precisamente, "Los Idus de Marzo", que según Wikipedia, significa esto:

En el calendario romano los idus de marzo caían en el 15 del mes de Martius. Los idus eran días de buenos augurios que tenían lugar los días 15 de marzo, mayo, julio y octubre y los días 13 del resto de los meses. La fecha es famosa porque Julio César fue asesinado en los idus de marzo del año 44 a. C. Según el escritor griego Plutarco, César había sido advertido del peligro, pero había desestimado la advertencia: Lo que es más extraordinario aún es que un vidente le había advertido del grave peligro que le amenazaba en los idus de marzo, y ese día cuando iba al Senado, [Julio César] llamó al vidente y riendo le dijo: «Los idus de marzo ya han llegado»; a lo que el vidente contestó compasivamente: «Sí, pero aún no han acabado».

El título no pudo haber sido mejor, pues en esta historia política, un talentoso coordinador de campaña en ciernes (el siempre efectivo Ryan Gosling) se verá enfrentado a un verdadero vendaval que marcará un antes y después, amenazando con terminar su carrera y la de su candidato a la presidencia, encarnado por George Clooney.

Pero Gosling es además el elemento en común, el enlace entre dos actorazos hechos y derechos que hacen que toda esta cinta valga la pena: Paul Giamatti y Philip Seymour Hoffman. Y es que ver a este par de histriones jugando al ajedrez político con Gosling es una gran experiencia cinematográfica, y en donde recae el mayor acierto de Clooney, puesto que en la dirección no realiza nada fuera de lo normal, mientras que el guión carece de un buen desarrollo de personajes; aunque por otra parte nos presenta escenas que podrían acercarse a lo que es en realidad algo tan importante y grande como una campaña presidencial de los Estados Unidos, con todo el juego sucio (y hasta inhumano) que podría conllevar.

Shake It Out, de Florence + The Machine

2011-09-25T11:23:00.000-07:00

Florence regresa el 31 de octubre con su segundo álbum de estudio, Ceremonials, en lo que promete ser otro gran trabajo después de la obra maestra que fue su multipremiado disco debut, Lungs. "Shake It Out" es el primer sencillo, y junto a la otra canción que ha mostrado "What The Water Gave Me", parecen confirmar que la calidad de Florence + The Machine no ha sufrido un ápice, como suele pasar con los que están realmente iluminados o tocados por el espíritu santo o yo que sé, el punto es que su música es de la mejor que he escuchado en mi vida.

Sacúdetelo

Los remordimientos se acumulan como viejos amigos
Están aquí para revivir tus momentos oscuros
No veo una salida, no veo una salida
Y todos los espectros salen a jugar

Y cada demonio quiere su pedazo de carne
Pero me gusta guardarme algunas cosas para mí
Me gusta mantener mis problemas fuertes
Siempre es más oscuro antes del amanecer

Y he sido una tonta y he estado ciega
Nunca puedo dejar atrás el pasado
No veo una salida, no veo una salida
Siempre estoy arrastrando ese caballo

Y nuestro amor está pastando un sonido tan lastimero
Hoy voy a enterrar ese caballo en el suelo
Así que me gusta mantener fuertes mis problemas
Pero siempre es más oscuro antes del amanecer

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Estoy harta de mi corazón sin gracia
Así que hoy lo voy a cortar y volver a empezar
Porque me gusta mantener fuertes mis problemas
Siempre es más oscuro antes del amanecer

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Y si tuviera la oportunidad, ¿hubiera cambiado algo?
Es un desorden final, pero me ha dejado muy vacía
Siempre es más oscuro antes del amanecer

Maldita si lo hago, y maldita si no lo hago
Así que a brindar por unos tragos en la oscuridad al final de mi camino
Y estoy lista para sufrir y estoy lista para tener esperanza
Es un disparo en la oscuridad y dio justo en mi garganta
Busco el cielo, por el demonio en mí
Buscando el cielo, por el demonio en mí
¡Al infierno! Voy a dejar que me suceda

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo, sacúdetelo
Es difícil bailar con el diablo en tu espalda
¡Así que sacúdetelo!

Midnight in Paris, de Woody Allen

2011-08-07T14:35:00.000-07:00

- Eric Lax: ¿Se imagina lo que hubiera sucedido si se hubiera quedado allí? (a vivir en París, en la década de los sesenta)

- Woody Allen: Había que tener un espíritu más aventurero que el mío para hacerlo, y es una lástima. Conozco a mucha gente de mi edad que dice: "yo no me arrepiento de nada" [ríe a carcajadas]. Pues yo me arrepiento de mil cosas [Sonríe] De mil cosas no, pero de eso sí [Acaba con un tono un tanto nostálgico] Habría estado bien.

Conversaciones con Woody Allen; Eric Lax; Random House; 2010

Esta entrevista realizada en 2005 se refiere a la ocasión en que Allen conoció París durante la filmación de What's Up, Pussycat? en 1965, película que él solamente escribió, y que le dejó más frustraciones y casi ninguna satisfacción, excepto haber trabajado con Peter Sellers y conocer París.

Desde entonces Woody, si la memoria no me falla, sólo había regresado allí a trabajar para la filmación de Everybody Says I Love You (1996), cuyo hermosísimo y sublime final de antología se desarrolla frente a la Torre Eiffel.

Ademas, Francia se ha mostrado particularmente más receptivo a todos los trabajos del neoyorquino. Así lo ha manifestado él mismo, y hace un guiño a esa curiosa situación
en Hollywood Ending (2001). En este 2011, y por segundo año consecutivo después de You Will Meet A Dark Tall Stranger, Allen estrenó su nueva obra en Cannes. Y también por segundo año consecutivo, volverá a conquistar a las masas con Midnight In Paris, su primera cinta filmada totalmente en París, continuando así con su etapa europea luego de Match Point (2005), Cassandra's Dream (2007), You Will Meet A Dark Tall Stranger en Londres, Vicky Christina Barcelona (2008) en la Ciudad Condal, y que continuará en Roma con The Bop Decameron (2012).

Sin embargo, ni Londres ni Barcelona recibieron de Woody el tratamiento que recibe Paris, en lo que se ha llamado su "carta de amor" a la Ciudad Luz, argumento que podría confirmarse con la secuencia inicial donde repite lo que hizo con Manhattan (1979), plano tras plano de los lugares más hermosos de la capital francesa.

Si Match Point es hija de Crimes And Misdemeanors (1989), Midgnight In Paris tiene el toque Manhattan combinándolo con una historia que nos recuerda a The Purple Rose Of Cairo (1985), en donde nuestro protagonista evade la realidad ayudado por un poco de magia, presente en la filmografía de Allen en Scoop (2006) y The Curse of The Jade Scorpion (2001), mientras que la nostalgia por el pasado ya la habíamos visto en ésta última, así como en Radio Days (1987).

De nuevo, están todos los elementos de un filme clásico del autor: el miedo a la muerte, la insatisfacción con la vida que se tiene, la infidelidad, la burguesía, aderezado en este caso por encuentros con personajes clave del inicio del siglo XX, y con uno de los repartos más espectaculares con los que haya trabajado -y eso ya es mucho decir-, liderados por un sorprendente Owen Wilson.

Aunque en lo personal la forma de hablar de Wilson me resulta un poco distractora, el protagonista brilla al retratar a un soñador incomprendido por su prometida, que encontrará una respuesta a sus deseos cuando tiene la oportunidad de viajar en el tiempo a una etapa y lugar con los que siempre soñó: París en la década de los veinte, epicentro del mundo cultural en ese entonces, donde vivían los músicos, escritores, pintores y cineastas más importantes del momento.

En este viaje de fantasía, destacan Adrien Brody, inconmensurable en su papel como un artista que prefiero descubran ustedes mismos, Kathy Bathes como Gertrude Stein y, sobre todo, un magnífico trabajo de Corey Stoll como un Ernest Hemingway tocado por la guerra y con una obsesión por los valores y características que requiere un buen hombre y escritor. También está incluido Cole Porter, omnipresente en la obra de Allen, quien casi calca un diálogo de Anything Else (2003) relativo al baladista más prólifico de los Estados Unidos.
Mención aparte merece la siempre efectiva Marion Cotillard como el interés romántico del protagonista; una mujer que pareciera estar hecha a la medida de él. Cotillard enamora a Wilson y a la audiencia con su belleza, sinceridad y deseos de vivir una vida bohemia en París, el personaje más importante de esta cinta, al cual Woody hace justicia al mostrar todo lo que significa caminar y enamorarse por sus hermosas, hipnotizantes y eternas calles.

Cinco décadas después, Allen no deja de sorprender, entrener, maravillar y hacer reír, y como desde hace cincuenta años, nadie puede hacerlo como él.

Make You Feel My Love

2011-05-14T09:01:00.000-07:00

En 1997 Bob Dylan escribió "Make You Feel My Love", incluido en su disco ganador del Grammy Time Out Of Mind como mejor álbum del año. Desde entonces, es una de las canciones más "covereadas" y populares de Dylan, debido a su romántica letra que la hace más accesible que el resto de su catálogo. En YouTube pueden encontrar muchísimos covers, pero les dejo aquí tres. El primero es mi favorito, del grandioso Billy Joel; el segundo es bastante sencillo, pero la canta uno de los íconos de la música country, Garth Brooks; y el tercero es extremadamente popular actualmente, pues lo canta Adele, y el video es bastante bueno también, pues Adele retrata la vulnerabildiad y desesperación que plasmó Dylan en su letra. Dedicado a todos quienes puedan dedicar esta canción a alguien...

Hacerte sentir mi amor

Cuando la lluvia caiga en tu rostro
Y cargues con todo el mundo en tu maleta
Puedo ofrecerte un cálido abrazo
Para hacerte sentir mi amor

Cuando aparezcan las sombras de la noche y las estrellas
Y no haya nadie para secar tus lágrimas
Podría sostenerte por un millón de años
Para hacerte sentir mi amor

Sé que no te has decidido
Pero nunca te haría daño
Lo sé desde el momento que nos conocimos
No tengo duda de dónde perteneces

Pasaría hambre, pasaría tristeza
Me arrastraría por la calle
No hay nada que no haría
Para hacerte sentir mi amor

Las tormentas se embravecen en el turbulento mar
Y en la carretera de lamentos
Los vientos de cambio soplan salvajes y libres
Aún no has conocido a nadie como yo

Podría hacerte feliz, cumplir tus sueños
No hay nada que no haría
Ir a los finales de la tierra por ti
Para hacerte sentir mi amor

Falling, de Florence + The Machine

2011-05-13T17:46:00.000-07:00

Los que la hayan escuchado no me dejarán mentir: Florence + The Machine es una de las mejores y más espectaculares bandas de la actualidad, su música más las letras de Florence Welch los hacen tan impresionantes como adictivos. Les traigo otra canción sumamente romántica, prometiendo que pronto entraré a otras menos cortavenas. =D

Cayendo

He caído de favores, he caído de la gracia
Caído de árboles, he caído sobre mi rostro
Caído de taxis, también de ventanas
Caí en tu opinión cuando caí enamorada de ti

A veces deseo caer, deseo la liberación
Deseo caer por el aire para darme algo de alivio
Porque caer no es el problema, cuando caigo estoy en paz
Es sólo cuando golpeo el suelo cuando nace la pena

Esta es una canción para un nombre garabateado
Y mi amor lo sigue escribiendo una y otra vez
Esta es una canción para un nombre garabateado
Y mi amor lo sigue escribiendo una y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez
y otra vez y otra vez

Bailo conmigo, me emborracho
Encuentro a gente para amar, los dejo que se ahoguen
No me da miedo saltar, no me espanta caer
Si no hubiera donde aterrizar no me espantaría para nada

Para nada, Para nada
Caer, Caer

A veces deseo caer, deseo la liberación
Deseo caer por el aire para darme algo de alivio
Porque caer no es el problema, cuando caigo estoy en paz
Es sólo cuando golpeo el suelo cuando nace la pena

La Caída de los Gigantes, de Ken Follet

2011-05-07T19:22:00.000-07:00

La Caída de los Gigantes (2010) es el libro más reciente de Ken Follet, el autor best-seller que escribió Los Pilares de la Tierra (1989), y que con esta novela comienza con la trilogía de "El Siglo".

Así, La Caída de los Gigantes abarca las vivencias de cinco familias: de Inglaterra, Gales, Estados Unidos, Rusia y Alemania durante la Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa, mientras que en la segunda parte, a publicarse en 2012, seguiremos a la siguiente generación durante la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, mientras que la tercera se centrará en la Guerra Fría.

En lo que podría considerarse su primera novela histórica, Follet entreteje las historias de estas cinco familias y de nuevo crea a protagonistas entrañables y antagonistas detestables, dotando a todos de más humanidad que en Los Pilares, donde quizás pecó de maniqueo.

La contraportada del libro contiene una cita del autor: "De alguna forma es la historia de todos nosotros"; cita que podría parecer demasiado ambiciosa, pero que después de todo tiene algo de cierto, pues en ella se describen los primeros pasos que condujeron a la geopolítica como la conocemos actualmente, y en verdad Follet lo hace de manera interesante y entretenida, lo cual es un gran logro considerando las 1017 páginas del libro, que no se sienten pesadas por ningún momento.

Si les gusta las tramas políticas y bélicas, aderezadas con mucho romance y heroísmo, seguramente les gustará La Caída de los Gigantes. Mientras tanto, yo espero con ansías la segunda parte de esta muy buena novela.

Incendies, de Dennis Villeneuve

2011-04-24T12:19:00.000-07:00

Tras una sequía en las carteleras, inicia el 31 Foro Internacional de la Cineteca, obviamente, en la Cineteca Nacional de México, meca de los cinéfilos capitalinos.

Con una muy buena corrida en festivales y premiaciones a nivel mundial, Incendies (2010) es la historia de dos mellizos canadienses que, al morir su madre, descubren que su padre está vivo y que tienen otro hermano, y que ambos se encuentran en el país de su madre, Palestina. En su testamento, la madre les pide encontrarlos para así expiar las faltas de su pasado. La hermana, Jean, decide seguir la voluntad de su madre, mientras que el hermano ignora la petición.

De esta manera, Jean y la audiencia vamos descubriendo las vicicitudes en la vida de Nawal, la madre, aunque en otras ocasiones lo sabemos antes que Jean, lo cual involucra al espectador por completo en este juego donde también nosotros unimos los cabos, y en otras nos sorprendemos al mismo tiempo que Jean y Nawal. Eso sí, el increíble final nos toma a todos por sorpresa, en una vuelta de tuerca de antología.

El director, Dennis Villeneuve demuestra gran oficio tanto en la cámara como al escribir la adaptación desde el teatro, en una historia que, increíblemente, está basada en la vida real; mientras que la protagonista belga Lubna Azabal brilla al personificar una mujer atormentada por su pasado, pero que vive en búsqueda de un mejor futuro, aunque a veces el precio a pagar sea muy alto.

Hall Pass, de los hermanos Farrelly

2011-04-24T11:48:00.000-07:00

Los hermanos Farrelly, que han tenido mucho éxito con comedias simples pero bien escritas y con estrellas al por mayor (Jim Carrey, Jack Black, Ben Stiller, Cameron Diaz, Gwyneth Paltrow, entre otros), regresan con Hall Pass (2011).

Con la escatología que los ha caracterizado desde el principio, los Farrelly cuentan la historia de dos hombres cuyas esposas les han dado un "pase libre" de sus matrimonios, dándoles una semana de libertad y sin consecuencias, para que de una vez dejen de ver y fantasear con otras mujeres.

La gracia de la cinta está en observar los intentos de estos dos hombres (Owen Wilson y Jason Sudeikis de "Saturday Night Live") por ligar con otras mujeres en la semana que les fue concedida. Sin embargo, las situaciones no son tan divertidas como podría esperarse, y en cambio vemos una serie de clichés que terminan cansando por su predecibilidad.

Dada las pretensiones de la cinta, podría decirse que cumple al entretener y sacar una que otra risa, pero no es una película para reír de principio a fin ni mucho menos. Véanla si de plano están en el límite de la aburrición, aunque quizás sería más barato ver alguna buena serie cómica en la televisión, probablemente los haga reír más.

The Adjustment Bureau, de George Nolfi

2011-04-24T10:37:00.000-07:00

The Adjustment Bureau (2011) es una adaptación más a una historia de Philip K. Dick, uno de los escritores de ciencia ficción cuyas obras han sido llevadas a Hollywood con resultados muy variados.

En este caso, la química entre Matt Damon y Emily Blunt podría ser lo más destacable de la película, aunque tampoco es para tanto.

Traducida como "Los Agentes del Destino", la traducción literal sería "La Oficina de Ajustes". Y es que la premisa de la historia es la existencia de una oficina que se encarga de que la gente no se salga de lo que está ya definido en un "gran plan", cosa que nuestros protagonistas hacen.

A pesar de la idea interesante, la ejecución dista mucho de ser efectiva, y al final raya en lo absurdo, motivado además por la simpleza de las motivaciones detrás de esta oficina, y por la resolución que es contradictoria a todo lo que ya habíamos visto.

Escribo este texto mucho después de ver la cinta en el cine, así que quizás ya quede en muy pocas salas. Pero no se preocupen si no la vieron, pues no se perdieron de gran cosa.

Le Hérisson, de Mona Achache

2011-04-03T23:07:00.001-07:00

Basada en la novela La Elegancia del Erizo, de Muriel Barbery, Le Hérisson (2009) narra la historia de Paloma, una niña parisina de once años muy precoz que, tras una ácida observación del mundo y la manera en que las personas manejan sus vidas, decide quitarse la vida el día de su doceavo cumpleaños. Sin embargo, el encuentro con dos personas que viven en su edificio podría hacerla cambiar de opinión.

La directora, Mona Achache, realiza una adaptación espectacular, tomando la historia de la novela y enriqueciéndola en su traducción al lenguaje cinematógrafico. Y es que lo que pudo ser una mera transcripción, Achache lo lleva a otro nivel con una dirección imaginativa, ágil y envolvente.

A estas cualidades se suman las actuaciones de todo el elenco, y en especial de sus protagonistas femeninas, Josiane Balasko como la conserje del edificio, y Galance Le Guillermic como Paloma, un papel que fácilmente pudo caer en lo odioso, pero que la joven actriz logra transformar en entrañable cuando Paloma comienza a aprender del amor y las tragedias.

La Leyenda del Tío Boonmee

2011-04-03T22:20:00.000-07:00

La Leyenda del Tío Boonmee (Loong Boonmee Raleu Chat, 2010) es la película tailandesa ganadora de la Palma de Oro 2010, y dirigida por Apichatpong Weerasethakul.

Este palmarés, así como la premisa (un hombre a punto de morir recibe visitas de fantasmas del pasado y criaturas míticas) ciertamente despertaron mi atención.

Al principio la cinta cumple con lo que promete, pero muy rápidamente pasa de lo onírico a lo letárgico y de ahí a lo confuso, con un final bastante complicado, al parecer destinado a personas familiarizadas con el budismo.

Lo más destacable podría ser la belleza de los paisajes naturales, así como la secuencia de la princesa, fotografiada y dirigida con gran maestría.

Por otra parte, creo que lo que más me confunde es cómo esta obra se hizo de la Palma de Oro... en verdad no le encuentro la cuadratura a ese círculo.

Blue Valentine, de Derek Cianfrance

2011-04-01T19:49:00.000-07:00

Blue Valentine (2010) es la historia de un joven matrimonio que se enfrenta a la prueba más difícil de su relación, así de como nació su romance.

Independiente a más no poder, la cinta es producida por sus protagonistas: Michelle Williams y Ryan Gosling, lo cual demuestra el compromiso y el amor que ambos le tuvieron al proyecto, y que se refleja en la pantalla.

La actuación de Williams ha sido la más comentada y celebrada; sin embargo, es Gosling quien se lleva la mejor parte retratando a un hombre enamorado que poco a poco va cayendo en la confusión y frustración al ver cómo el mundo que había soñado se desmorona. Poco a poco, y en películas independientes como esta, Gosling se ha hecho de una muy buena reputación en Hollywood, aunadas a nominaciones al Óscar por Half Nelson (2006), y al Globo de Oro por Lars And The Real Girl (2007) y precisamente por Blue Valentine. Sin embargo, esta es la primera vez que puedo apreciar su trabajo, y me dejó un extraordinario sabor de boca.

Lo mismo esperaba de Williams, cuya carrera ha seguido un curso muy parecido a la de Gosling, también con nominaciones a ese par de premios importantes. No obstante, no logra brillar tanto como Gosling, a pesar de que hace un muy buen trabajo.

Me he centrado más en las actuaciones porque la historia no tiene demasiado que ofrecer y se siente gratuita al no contar con una verdadera justificación al proceder de nuestros protagonistas. Si acaso, ésta apenas se alcanza a insinuar de manera velada e, al final de cuentas, insuficiente.

No obstante, esto no es disuasor para que dejen de revisar este filme que resulta interesante por sí mismo, y que al final de cuentas sí contiene alguna que otra escena conmovedora.

Whatever Works, de Woody Allen

2011-03-26T18:42:00.000-07:00

Dos años después de su estreno, llega a las salas de México Whatever Works (2009), de Woody Allen. Quizás esto se deba a que no cuenta con la pléyade de estrellas que suelen protagonizar sus cintas, como en los casos de You Will Meet A Dark, Tall Stranger (2010) y Vicky Christina Barcelona (2008); o a que por la misma razón pasó sin pena ni gloria en su estreno en las salas de los Estados Unidos, lo cual de por sí resulta interesante, ya que con Whatever Works, Allen regresó a Nueva York en medio de la etapa europea que continúa en proceso con el próximo estreno de Midnight In Paris (2011).

En esta ocasión, Woody se regodea como nunca en el pesimismo y nihilismo que ya hemos visto en su filmografía, pero llevado al extremo a través del misántropo personaje de Boris, interpretado por el magnífico Larry David, co creador y escritor de Seinfeld (para quienes no lo sepan, George Costanza está inspirado en él, y varias de sus aventuras en la serie son en realidad situaciones que David vivió), y de la hilarante Curb Your Entusiasm.

Por su altísimo coeficiente intelectual, Boris mira con desprecio al resto de la humanidad. Para él son nada, "microbios" insignificantes como la vida misma, de la cual ya ha intentado liberarse sin éxito. Sin embargo, el fortuito encuentro con una chica pueblerina podría hacer que cambie su percepción de la humanidad.

Mientras tanto, Melody, la chica pueblerina (Evan Rachel Wood en el papel más gracioso en que la he visto), ciertamente cambia su visión del mundo, nutrida por las opiniones y el estilo de vida de Boris.

Juntos, Wood y David conforman una de las mejores parejas cómicas en la filmografía de Allen. Larry David básicamente se interpreta a sí mismo elevado a la x potencia, muy al contrario de lo que la gente usualmente piensa de los recientes papeles protagónicos de Woody: que es un alter ego del director, lo cual no puede ser más falso en el caso de esta cinta, pues recordemos que los personajes interpretados por Woody (que a su vez tampoco están basados en él mismo) nunca fueron misántropos ni genios, solamente neuróticos y temerosos. Mirando por encima de esta situación, la interpretación de David es inmejorable, pues tanto él como Wood demuestran un timing perfecto y gran química. Pongan atención a la plática en las escaleras del Mausoleo de Nueva York y su final enriquecido por una efectiva edición.

A la mitad de la historia, el universo de personajes crece y se le da entrada a Patricia Clarkson como la madre de Melody, y la trama se desvía hacia ese personaje. Clarkson, como siempre, cumple con creces, y en esta historia sufrirá severos cambios cuando su intención era cambiar la vida de su hija.

Y aunque la historia de la madre de Clarkson es más que interesante, la cinta adolece cuando no vemos a Larry David, lo cual sucede durante mucho tiempo en el tercer cuarto de la historia, aunque para la recta final lo tenemos de vuelta.

Allen nos deja una reflexión sobre el azar y el sinsentido de planear nuestras vidas -sobre todo en el terreno romántico-pues irremediablemente siempre terminamos con quien menos esperábamos, y hay que aceptar cualquier cosa que funcione.

Les recomiendo no hacer caso de los argumentos de flojera inmensa cada vez que sale una nueva cinta de Woody: que si "hace mucho que no hace algo bueno", que si es una "obra menor" o cualquier otro cliché que se les ocurra. Lo cierto es que el tiempo pasa y muchísima gente que no conoce su filmografía entera se enamora de su trabajo con las obras recientes "menores" y "no tan buenas" como lo que hacía, lo cual demuestra cómo el público sin ningún prejuicio continúa descubriendo el inmenso genio del mejor autor del mundo.

Never Let Me Go, de Mark Romanek

2011-03-26T11:57:00.000-07:00

Mark Romanek es uno de las personas más improbables para dirigir una película como Never Let Me Go (2010). Con una gran reputación como director de videos musicales (incluido "Scream" de Michael y Janet Jackson, el más caro en la historia) Romanek ha trabajado con artistas como Nine Inch Nails, Beck, Madonna, Johnny Cash, Jay-Z, Coldplay, R.E.M. y David Bowie.

Sin embargo, Never Let Me Go es una historia muy alejada del perfil o prejuicio que podríamos tener sobre el director, y al final termina pasándole factura hasta cierto punto.

La cinta se basa en una novela de Kazuo Ishiguro, y al parecer fue una novela muy bien recibida y hasta venerada, aunque en lo personal me enteré de su existencia gracias a este filme. La trama mezcla elementos de ciencia ficción, pero no como la conocemos tradicionalmente, sino apenas un matiz que, no obstante, resulta clave en el desarrollo y final de la historia.

Durante la primera mitad, y mediante una dirección sencilla, Romanek entrega una tierna historia de amor infantil y de crecimiento en circunstancias bastante especiales, donde los tres protagonistas viven en un microcosmos literalmente extraordinario. Sin embargo, la vida los separa y en la segunda mitad vemos la historia de su reencuentro, el cual presentará pruebas bastante difíciles para ellos, grandes pruebas de redención, perdón y resignación.

A pesar de la profundidad y romanticismo de la cinta, ésta carece de ritmo y de un verdadero clímax, pues es bastante predecible, aunque sí conduce a un final desgarrador.

Previo a ver este filme, había leído en más de una ocasión que los protagonistas Keira Knightley, Andrew Garfield (mejor conocido hasta el momento como el co-creador de Facebook en la magnífica The Social Network (2010), además de ser el nuevo Hombre Araña) y la ganadora del BAFTA, Carey Mulligan; sin embargo, para mí es esta última quien se luce una vez más con ese rostro de vulnerabilidad e inocencia, pero con mucho carácter, borrando del cuadro a sus co-estelares, y cargando con las escenas más emotivas del filme.

Never Let Me Go es una película con tantos aciertos como desaciertos, que termina siendo irregular. No obstante, vale la pena por los aciertos, por un guión con una premisa tan original como interesante, por el debut cinematrográfico de un director con mucho talento, y por seguir la carrera de dos grandes actores que podrían marcar época, como los son Garfield y Mulligan.

Amor Cósmico

2011-03-25T19:46:00.000-07:00

Por canciones como esta, Florence + The Machine es una de las mejores bandas del mundo

Amor Cósmico

Una estrella fugaz cayó de tu corazón y aterrizó en mis ojos
Grité fuerte mientras los rasgó, y ahora me ha dejado ciega

Las estrellas, la luna, todas han explotado
Me dejaste en la oscuridad
No hay amanecer, no hay día, siempre estoy en crepúsculo
En la sombra de tu corazón

Y en la oscuridad, puedo escuchar tu latido
Intenté encontrar el sonido
Pero se detuvo, yo estaba en la oscuridad
Así que me fundí con ella

Las estrellas, la luna, todas han explotado
Me dejaste en la oscuridad
No hay amanecer, no hay día, siempre estoy en crepúsculo
En la sombra de tu corazón

Retiré las estrellas de mis ojos, y luego hice un mapa
Sabía que de algún modo podría encontrar mi camino de regreso
Entonces escuché tu lair, estabas en la oscuridad también
Así que me quedé en la oscuridad contigo

Las estrellas, la luna, todas han explotado
Me dejaste en la oscuridad
No hay amanecer, no hay día, siempre estoy en crepúsculo
En la sombra de tu corazón

Winter's Bone, de Debra Granik

2011-03-06T17:54:00.000-08:00

La ganadora más reciente en Sundance, Winter's Bone (2010), es la historia de Ree, una joven de 17 años que debe descubrir el paradero de su padre, un "cocinero" de droga recién salido de la cárcel. De lo contrario, Ree, sus hermanos y su madre perderán la casa, pues su padre la dejó como fianza antes de desaparecer.

Con tal de no vivir en la indigencia, la precoz Ree no dudará en hacer lo que sea necesario, aunque tenga que realizarlo sin ayuda de nadie, ya que su madre tiene una enfermedad mental y no se da cuenta de lo que sucede; su tío está también metido en el negocio de las drogas, y se niega a ayudarla, mientras que para sus pequeños hermanos la vida sigue girando alrededor de los juegos.

Jennifer Lawrence protagoniza una interesante historia donde poco a poco iremos descubriendo la gravedad de la situación, que podría costarle la vida a más de una persona.

La dirección de Granik es sencilla y sin complicaciones, mientras que la historia, si bien es interesante y tiene un buen final, no se siente del todo cohesionada, mientras que más de una escena sale sobrando.

Podría ser revisada por ser un ejemplo de buen cine indie y una buena premisa. Pero hasta ahí.

127 Horas, de Danny Boyle

2011-03-06T16:55:00.000-08:00

Danny Boyle nos entrega, en 127 hours (2010), una historia más de sobrevivencia y lucha, hilo conductor de prácticamente toda su filmografía. Y cuando escribo "una más de Boyle", quiero decir "otra gran obra" de este trascendente director de los últimos años.

Vibrante como siempre, y conmovedor como pocas veces, Boyle se recrea en su creatividad contando una historia a través de flashbacks, split screens y tomas subjetivas, ayudado también por otro extraordinario e impresionante soundtrack de A.R. Rahman en su segunda colaboración consecutiva después de Slumdog Millionaire (2008).

Por su parte, James Franco se luce en el que podría ser su trabajo más grande hasta el momento, el que podría acercarlo a las masas como nunca antes, aunque desde hace mucho ha demostrado tener muchísimo talento. Pero además de eso, Franco hace un espectacular trabajo como Aron Ralston, un hombre aventurero que en la vida real se enfrentó a uno de los retos más grandes que uno se pueda imaginar.

Interpretando a Ralston, Franco pasa por la euforia, la desesperación, la lucha, la pérdida de cordura, la resignación, el arrepentimiento y la voluntad. Todo en 95 intensos minutos que quizás sean difíciles de soportar para algunos.

Y es que esta cinta es una de las más incómodas que he visto en mucho tiempo, y diría que, más que una película, 127 Hours es una experiencia comparable con subirse a una montaña rusa, por explicarlo burdamente.

El éxito del filme radica en la facilidad en que la audiencia puede ponerse en los lugares de nuestro protagonista y preguntarse "¿qué haría yo en su lugar, podría hacer lo que hizo él, o me resignaría a morir en medio de la nada?". Asimismo, es una nueva celebración de la vida al estilo de Boyle, un ecléctico director que cambia de géneros y métodos sin inmutarse, llevándonos de nuevo al extremo para redimirnos al final. En suma, 127 Hours representa todo lo que el cine debe ser: emocionante, reflexivo, emotivo, entretenido y, a veces, aleccionador.

EXTRA: Un reportaje con el verdadero Aron Ralston donde describe su travesía, en este reportaje especial para la NBC realizado en 2004. Les pongo la primera parte y sigan los links para continuar viendo.

Oscar time again...

2011-02-27T09:17:00.000-08:00

Y aquí estamos otra vez, en esta ocasión en la última hora, el mismo día de los premios. Muchas reflexiones no pudieron ser publicadas. Espero el próximo año poder preparar algo más completo.

Lo cierto es que coincido en que 2010 fue un gran año para el séptimo arte, y hubo para todos los gustos. En México estamos en esa etapa en que todas las cintas de temporada de premios al fin nos llegan, por lo que a veces es difícil seguir el ritmo a los estrenos.

En consecuencia, lamento informarles que no pude ver True Grit, lo cual es una lástima, ya que empiezo a considerarme fan de los Coen. Sin embargo, también he de confesar que el hecho de que sea un remake o una nueva adaptación de algo ya hecho también me desanimó un poco a la hora de decidir si verla o no.

Pero esta entrada es para dar mi pronóstico de las categorías más importantes de los Oscars 2011, un año en que las categorías están más cerradas que en ocasiones anteriores.

Mejor Soundtrack: Muy buena terna este año, con pronóstico reservado, ya que la tendencia en esta categoría ha sido premiar todo lo que les suene muy exótico (baste recordar a Santaolalla y sus inexplicables dos estatullas), o en su defecto se van por lo más popular (como ejemplo los risibles premios a Howard Shore por The Lord Of The Rings, o a Up de Giacchino, a quien adoro y que ya se lo merecía, pero no por Up, uno de sus trabajos menos logrados, y menos por encima del grandioso Sherlock Holmes de Zimmer). John Powell tomó a todos por sorpresa con su gran álbum de How To Train Your Dragon, un trabajo emocionante y emotivo al mismo tiempo, con sonidos celtas como leit motiv. Hans Zimmer también cumple con Inception, pero no se compara a la excelsitud de Sherlock Holmes, y si bien tiene elementos interesantes, no deja de parecerse enormemente a lo que ha hecho con el Batman de Nolan. A.R. Rahman muestra su versatilidad, y tras el Óscar por Slumdog Millionaire, cambia lo bombástico por algo más contenido y cargado de sentimiento en 127 Hours. Alexandre Desplat regresa con su cuarta nominación -tercera consecutiva- en The King's Speech, otra obra sublime y preciosista de este francés que ya ganó el BAFTA por este trabajo, y que además se llevó el César por The Ghost Writer, mientras que se acercó a las masas con Harry Potter & The Deathly Hallows Part 1. Sin duda debería llevarse la estatuilla, pero como Trent Reznor es alguien popular y salió de su ambiente tradicional, ganará por The Social Network, aunque en lo personal creo que es el menos sobresaliente de los nominados.

Mejor Guión Adaptado o de Secuela: The Social Network, de Aaron Sorkin

Mejor Guión Original: The King's Speech, de David Seidler

Mejor Actriz de Reparto: Una de las categorías más cerradas con tres fuertes candidatas: Amy Adams y Melissa Leo, ambas por The Fighter, y Helena Bonham-Carter por The King's Speech. En este caso, y aunque Adams vuelve a impactar en la cinta de Russell, Bonham-Carter es más famosa (creánme, eso es algo que cuenta para los Oscars); y en este caso, la popularidad de su cinta también ayuda, y se llevará el Oscar, por lo que Adams tendrá que esperar un poco más, pero seguro que algún día será suyo.

Mejor Actor de Reparto: Tras la inexplicable, inaudita y estúpida ausencia de Andrew Garfield como el cofundador de Facebook, la batalla es de dos: Geoffrey Rush y Christian Bale. El ganador será Bale porque no sólo interpreta a un drogadicto, sino que también se sometió una vez más a una transformación física impresionante. Rush ya lo ha ganado, y como Mejor Actor, y aunque brilla en su papel de terapeuta del lenguaje en The King's Speech, no podrá repetir. Cabe destacar que esta categoría es muy bizarra, pues la inclusión de Jeremy Renner por The Town es un poco exagerada, mientras que John Hawkes y Mark Ruffalo no tienen power star, y el hecho de estar en cintas independientes mata por completo sus posibilidades.

Mejor Actriz: El Óscar más predecible de la noche será para Natalie Portman, que entrega todo en The Black Swan, fascinando y traumando a sus congéneres alrededor del mundo. Si algo increíble y extraordinario sucede, será para Michelle Williams. Pero no será así.

Mejor Actor: Esta categoría también parece decidida. Colin Firth nos regaló la actuación del año como un hombre con múltiples desafíos para desempeñar su labor como el hombre más poderoso del planeta, y por eso ganará el Oscar. Pero hay que destacar a James Franco, quien vuelve a demostrar sus alcances en 127 Hours, todo un tour de force actoral del que ya hablaré, y que en cualquier otro año le hiubiera granjeado el codiciado hombrecito dorado.

Mejor Director: Otra injusticia en esta categoría, pues la Academia sigue ninguneando a Chris Nolan, cuando ha sido uno de los directores más constantes y exitosos tanto de crítica como de taquilla, con Inception fascinó al planeta, dio todo en favor de la historia, le rehuye a los efectos por computadora, pues hace casi todo in situ, y aún así pareciera que aprecian más lo que hace gente como Cameron o Peter Jackson, esclavos del green screen y la complacencia. Tal y como en la categoría principal, y como seguro veremos a lo largo de la noche, la supremacia se la disputarán The Social Network y The King's Speech. Fincher o Hooper. Cerrada batalla en la que hace 3 meses hubiera apostado por Fincher, pero la fuerza que ha ganado The King's Speech por su reciente estreno y mayor popularidad, me hace dudar. Cualquiera sería un merecido ganador, y aunque Fincher pueda ser alguien más conocido, el corte clásico y mayor accesibilidad de la cinta de Hooper podría ser el factor decisivo. Por otra parte, tenemos el dato histórico de la primera nominación a Darren Aronofsky, que se la debían desde hace tiempo.

MEJOR PELÍCULA: A pesar de la estúpida idea de aumentar la categoría a 10 nominados, abaratando el prestigio por un poco más de rating, este año no se sienten tan injustas las nominadas, quizás con la excepción de The Kids Are Alright y su clichesca temática de la familia disfuncional. Comenzamos a ver una tendencia que se veía venir, y es que casi seguro cada año veremos a Pixar representada (aunque con Cars 2 lo dudo), este 2011 tenemos a Toy Story 3.
Gracias a este formato, la histórica nominación a Mejor Película para The Beauty And The Beast (1991) como la única animada que había logrado tal hazaña perdió su valor nominando a una cinta tan pobre, pero popular, como Up (2009). Así que una buena forma de sorprendernos, y subir el tan querido y buscado rating, habría sido tener por primera vez dos largometrajes animados en esta categoría; para algunos, How To Train Your Dragon supera a la última aventura de Woody y Buzz, así que una nominación no habría estado fuera de lugar. La otra tendencia que veremos cada año será ver a la clásica joyita independiente que nunca falta, sólo como un reconocimiento a esta industria, en 2011 tenemos a Winter's Bone, ganadora de Sundance, cuya premisa me suena parecida a otra gran independiente, Frozen River (2008). 127 Hours es una maravilla y creo que estaría incluída en el formato de cinco postuladas; la de los Coen me parece que está de relleno, mientras que Inception y Black Swan están por el rating, dada su increíble popularidad, aunque es un buen reconocimiento para Aronofsky y Nolan, tomando en cuenta lo que ya mencioné de este último y su relación con la Academia. Así que, como veremos a lo largo de la noche, los premios se dividirán entre The Social Network y The King's Speech. Como ya dije, hace tiempo apostaría todo por la historia de la creación de Facebook, pero ya no estoy tan seguro. La Academia está en la disyuntiva de crear algo fresco y moderno como la cinta de Fincher, o algo más clásico, seguro y dentro de su zona de confort. Históricamente, casi nunca se ha ido por lo arriesgado en esta categoría, y algo me dice que esta noche tampoco lo hará, por lo que creo que la tendencia de los premios de la crítica y toda la alabanza inicial para The Social Network perderá fuerza y The King's Speech ganará el premio más importante, aunque si gana Fincher y su cinta, tampoco sería injusto. En esta ocasión, la Academia tiene todo para ganar.

Recapitulando, aquí están mis pronósticos de las categorías más importantes:

Mejor Soundtrack: Trent Reznor y Atticus Ross - The Social Network
Mejor Guión Adaptado o de Secuela: Aaron Sorkin - The Social Network
Mejor Guión Original: David Seidler - The King's Speech
Mejor Actriz de Reparto: Helena Bonham-Carter - The King's Speech
Mejor Actor de Reparto: Christian Bale - The Fighter
Mejor Director: Tom Hooper - The King's Speech
Mejor Película: The King's Speech

¿Ustedes qué vaticinan? Por lo pronto, ¡disfrutemos esta noche y mañana vemos cómo nos fue!

The King's Speech, de Tom Hooper

2011-02-24T19:27:00.000-08:00

La segunda cinta más celebrada del 2010 y que arrasó con los BAFTA llegó a México. The King's Speech, de Tom Hooper es la historia del rey Jorge VI de Inglaterra, quien tuvo que vencer un impedimento de lenguaje para conducir a su nación -bueno, con ayuda de Churchill- durante la Segunda Guerra Mundial.

Y así te la venden en los trailers, como una feel-good movie sin muchas complicaciones, pero que guarda mucho más en su esencia.

The King's Speech es una gran historia que nos habla de confiar en nuestra propia grandeza y escuchar cuando los demás nos la señalan, aderezado con tintes políticos de historias verídicas, así como muestras de verdadero amor entre hombres y mujeres y entre padres e hijos.

En el papel que le dará su primer Óscar, Colin Firth es inconmensurable como el hombre que siempre ha vivido con miedo, pero que siente como poco a poco el destino lo está llevando a un camino que no se siente preparado a realizar. Resulta increíblemente conmovedora la escena en que le confiesa esos miedos a su mujer, un trabajo que en lo personal me emocionó como no lo hacía ninguna actuación desde Mickey Rourke en The Wrestler (2008).

Helena Bonham-Carter también hace un extraordinario trabajo que muy probablemente también le reditúe en su primer Óscar (será un buen duelo con Melissa Leo de The Fighter, pero me inclino más por Bonham-Carter). Cada vez que vemos actuar e interactuar con el Rey Jorge, podemos ver en los ojos de la actriz una verdadera emoción y amor, preocupación y cuidado. Un clásico ejemplo del refrán -aunque un poco machista- "detrás de un gran hombre siempre hay una gran mujer".

Culminando con esta gran triada, Geoffrey Rush brilla como casi siempre lo hace, al convertirse en la piedra de toque para la familia real, un hombre que no se deja intimidar con la majestuasidad sino que se concentra más en su trabajo, el cual se toma muy en serio y lo hace lo mejor que puede. Un gran acierto del guión es que le da matices a este personaje que pudo volverse un cliché, pero del cual terminaremos conociendo muchos detalles vitales que nos hacen descubrir que es un espejo en otra escala del rey, es el rey de su hogar, de sus hijos, de su mujer, todo un mandatario de la clase obrera.

Como cada año, en los Óscares a pesar de los nominados, casi siempre es un asunto de dos. En este 2011 es casi un hecho que la estatuilla será para The Social Network, pero esta cinta es la segunda favorita, y si gana me daría mucho gusto, pues es una cinta para atesorar, como las joyas de la Reina en la Torre de Londres.

The Fighter, de David O. Russell

2011-02-13T21:23:00.000-08:00

Continuando con la temporada de las cintas premiables, y también con el gran banquete cinéfilo del 2010, se estrena en México The Fighter, de David O. Russell, una de las cintas más fuertes del año, y que seguramente habría conquistado una nominación al Oscar aún con el formato de cinco nominaciones.

Y es que esta película ha dado mucho de qué hablar gracias al mejor ensamble del año: Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo y Amy Adams, a quien hace poco Robert DeNiro elogiara en el programa de David Letterman. Estos cuatro dan una verdadera clase de actuación, sobresaliendo Bale como un adicto al crack en vías de recuperación, y Adams como la novia de Wahlberg, una mujer educada y con un dulce rostro pero llena de coraje y valentía para impulsar a su amado para que salga adelante. Ya he expresado en este sitio mi enorme admiración por Adams, pero cada vez parece superarse, y en esta obra demuestra que simplemente es una natural. Christian Bale, por otro lado, rertata a un hombre arrepentido de sus decisiones, y que también libra una lucha personal muy particular.

Melissa Leo cumple con creces en un interesante papel que sin embargo no representa un gran reto para ella, después de haber visto sus alcances y su espectacular trabajo en Frozen River (2008), algo me dice que se le volverá a negar el Oscar para quedar en manos de Helena Bonham Carter. Por otra parte, Mark Wahlberg entrega la mejor actuación de toda su carrera como un boxeador que quiere darle un nuevo rumbo a su vida y lograr algo grande por el mismo y no tanto por su hermano, su madre, su manager o sus hermanas, sino por él mismo.

Es esta lucha por la superación personal donde radica la empatía con nuestro protagonista, un verdadero peleador ante los retos realistas de la vida: balancear lo que se espera de uno con las expectativas de los demás, tomar decisiones que pueden afectar a los que están cerca de nosotros, y enfrentarse a la disyuntiva de rendirse o seguir persiguiendo un sueño.

Desde la silla de director, Russell transforma una historia ya contada en un drama de alto calibre gracias a los matices del guión y la cruda humanidad de sus personajes, dando espacio también para escenas muy divertidas. Combinando un estilo casi documental con aspecto televisivo para las peleas, así como un acertado soundtrack y las actuaciones extraordinarias ya mencionadas, Russell logra una de las mejores películas del año pasado, de aquellas que seguiremos años, muchos años después.

Black Swan, de Darren Aronofsky

2011-02-06T09:39:00.000-08:00

Cada año hay cintas que medio mundo alaba con razón, y otras que la otra mitad lo hace por razones desconocidas. Black Swan (2010) entra en la segunda categoría.

No le ayuda que desde los primeros quince minutos sepas cómo va a terminar, ni que se vuelva repetitiva ad nauseam, sobre todo en sus minutos finales donde, para empeorar las cosas, pierde toda coherencia, lo cual no se justifica con que nuestra protagonista haga lo mismo.

A Aronofsky lo "tremendista" no le queda muy bien que digamos, la prueba fehaciente es Requiem For A Dream (2000), pues de nuevo exagera, proporciona momentos "impactantes" gratuitos nomás porque sí.

Lo innegable es que tiene mucho estilo, lo cual parece impresionar a muchas personas, y en este caso la actuación de Natalie Portman, aunada a la de Mickey Rourke en The Wrestler (2008) y la de Ellen Burstyn en Requiem For A Dream confirman que es un gran director de actuación. A Rourke le robaron injustamente el Oscar para dárselo a Sean Penn por Milk (2008), Burstyn y Marissa Tomei -por The Wrestler - estuvieron nominadas, pero en este año por fin una cinta de Aronofsky recibirá el Oscar en actuación cuando se lo den a Portman.

Definitivamente esperaba más de esta cinta, cuya premisa e inicio se veían prometedores. Quizás para la próxima Aronofsky vuelva a centrarse en el fondo y no en la forma, pues ya nos ha demostrado que puede hacerlo.

Canción de cisne para Jack y Meg

2011-02-03T21:24:00.000-08:00

Ayer dieron la noticia, la peor que haya recibido en mucho tiempo. The White Stripes, la mejor banda de rock del planeta se separa, dejándome devastado.

A principios del siglo XXI, Jack y Meg White literalmente devolvieron la esperanza a la escena del rock mundial con su inigualable, espectacular, ruidoso y virtuoso sonido que se levantó por encima del cambio de giro de MTV, que decidió echar toda su historia a la basura a cambio de Britney Spears y N'Sync.

Es en 1990 que lanzan su disco debut homónimo, seguido del De Stijl (2000), y White Blood Cells (2001), cuando empezaron a darse a conocer al resto del mundo con los rolones "Hotel Yorba", "We're Going To Be Friends", "Fell In Love With A Girl". Además de su sonido que dejó a todos rascándose la cabeza (¿cómo es que con batería y guitarra pueden hacer cosas tan geniales?), también jugaron con el misterio, pues no dejaban en claro su relación, tenían el mismo apellido pero, ¿eran hermanos, maridos, novios, o simplemente era su nombre artístico?, hoy sabemos la verdad: eran ex esposos. También tenían sus propias reglas: siempre vestir de rojo, blanco y negro, basados en el movimiento arquitectónico que da nombre a su segundo disco, e intentar innovar y mostrar algo divertido, interesante o de plano increíble con sus videoclips. Es decir, eran un paquete completo, quizás el mejor planeado de toda la historia.

En 2003, la pronta consagración. Elephant (2003) es quizás, y al menos para mí seguramente lo es, el mejor disco de toda la década, abanderada por su clásico instantáneo "Seven Nation Army".

Get Behind Me Satan (2005) podría ser el álbum más irregular de la banda, aunque a la distancia creo que simplemente esperábamos demasiado después del álbum paquidérmico. Lo cierto es que el satánico trabajo incluye rolas increíbles como "Blue Orchid", "My Doorbell", "The Denial Twist" y "Red Rain".

En 2007 volvieron con nuevos bríos, e Icky Thump es uno de sus mejores trabajos, quizás el segundo mejor, sin duda el más maduro y, como siempre, refrescante.

Jack y White escriben en su infame comunicado que no estemos tristes, que ahora la banda no es sólo de ellos sino de todos nosotros. No sé si sea suficiente consuelo para mí, que soñaba con repetir la increíble experiencia de verlos en vivo, lo cual hice en mayo del 2005 en el Palacio de los Deportes, uno de los mejores conciertos de mi vida, ver a Jack en vivo es todavía más increíble que escucharlo en los discos.

Y sin embargo aquí estoy, apóstol de la guitarra de Jack y la batería de Meg, queriendo hacer ver al mundo que ayer fue uno de los peores días en la historia del rock.

Si no me creen, por favor escuchen esto:

La dedicatoria: para todos los que amamos a los White

Le Concert, de Radu Mihaileanu

2011-01-30T21:08:00.000-08:00

Mi primera cinta del 2011 fue Le Concert (2009), cinta de Francia y Rusia en donde el director de una vieja orquesta de la vieja Unión Soviética busca dar el gran concierto que le fue impedido por el gobierno de su país, acusado de traición por defender a los músicos judíos de su orquesta.

Como lo esperaba tras ver el trailer, se trata del clásico melodrama europeo con un equilibrio entre las risas y lo dramático que la hace accesible a todo el público y que, por alguna razón, le encanta sobre todo a los ancianos, cuyos desplantes tuvimos que soportar en la sala de cine.

Desgraciadamente, escribo demasiado tarde sobre esta cinta, y ya es casi imposible encontrarla en las salas de cine de la Ciudad de México, pero les recomiendo que le echen un vistazo y la bajen, o si acaso la esperen a la renta, ¡pero por favor no compren piratería!

Puntos extra por la belleza irreal de Mélanie Laurent, parisina que pone muy en alto a la hermana república de Francia.

Café Tacvba, por Café Tacvba

2011-01-19T20:36:00.000-08:00

En 1992, después de tres años de existencia, Café Tacvba lanzó su álbum debut y homónimo. La banda, originaria de Satélite, estado de México, se conformó en 1989 por Rubén Albarrán, Emmanuel –o Meme- del Real, y los hermanos José Alfredo –o Joselo- y Enrique Rangel. En este disco, Rubén se cambió el nombre a “Juan”, divertido porque el público lo llamará así, creyendo que la canción “Pinche Juan” era sobre él. Desde entonces, Rubén adoptaría la costumbre de cambiarse de nombre en cada disco.

Rápidamente se volvieron muy populares gracias a un sonido único en México y en todo el rock en español, a pesar de que no eran una banda de rock tradicional. En la banda no había bajo ni guitarra eléctrica, ni batería, sino una caja de ritmo, teclados, piano, guitarras, tololoche y un curioso instrumento llamado melodión.

No puedo continuar hablando de Café Tacvba sin exponer cómo nació mi admiración por ellos. Uno de mis primos hermanos se hizo del primer disco, sin saber que yo terminaría escuchándolo mucho más que él. Yo contaba con once años, y me llamó mucho la atención la simpatía de esta banda que sentía muy cercana a mí, como habitante de la Ciudad de México, pues hablaba de lugares como Garibaldi, la Alameda Central, Catedral, Bellas Artes, o la secu 23, todo muy cerca del barrio bravo de la Guerrero, en el centro de la capital mexicana, donde me crié junto a mi hermano y mis cuatro primos hermanos. Incluso el nombre de la banda fue tomado de un céntrico café.

También me gustó la “audacia” de incluir groserías en las canciones -a mi edad era algo atrevido incluir la palabra “pinche” en el título de una canción; así como las historias de personajes tan peculiares como Rarotonga, El Catrín, la Chica Banda, Labios Jaguar, los charros negros ahogados en alcohol y la fantasmagórica María.

El disco debut de CaféTacvba tomó a México por sorpresa debido a su originalidad, vitalidad y buen humor. Recordemos que en ese entonces los oscuros Caifanes seguían siendo la banda estandarte del rock mexicano. Pero también nacieron cuestionamientos sobre si eran rock o no, a lo que ellos siempre contestaron que no se consideraban así, sino como una mezcla de sonidos e influencias mexicanas. En pocas palabras, ni ellos mismos sabían cómo clasificarse.

Y en verdad era lo de menos, lo importante era que su disco debut fue un fenómeno gracias a los sencillos “Rarotonga” “Las Persianas” (en ambas canciones se escuchan los sonidos guturales y gritos que aparecen en casi todas las canciones rítmicas del álbum, y que son en extremo pegajosas), así como las hermosas “María” –un fantasma que busca revivir amores pasados: “Es María quien pena en las calles, debajo de un farol, roba besos y vida a la gente, mientras ella yace en un cajón”- , y “Las Batallas” con su solo de melodión a cargo de Meme. En ese entonces desconocía que era una canción basada en el libro clásico de la literatura mexicana Las Batallas en el Desierto, de José Emilio Pacheco.

Menos conocidas son la simpatiquísima “Cometer Suicidio”, sobre un tipo con tendencias autodestructivas que sólo quiere atención (“la nostalgia me ha invadido tantas veces, que ya tengo miedo de hacerme daño, qué no ves que quiero que me salves antes de que logre cometer suicidio”); “Labios Jaguar”, que habla de un chavo que cambia a su novia “muy refinada, de buenos modales, muy afrancesada” por la chica indígena de la limpieza, así como “El Catrín” que recorre el Centro Histórico en espera de su cita a ciegas.

Por otra parte están las canciones menos amables, por decirlo de alguna manera, pero que anticipaban una madurez de composición. “La Zonaja” y “Bar Tacuba” hablan de los excesos etílicos y sus efectos menos agradables (más tarde sabríamos que Joselo sufrió de alcoholismo), mientras que en “Debajo del Mar” reaparecen los fantasmas en una canción de amor con un surrealismo que se volvería sello de Emmanuel del Real (“Caminaba con una anciana que lloraba por sus hijos, yo le hablaba de tus ojos, de color ternura todos… Yo le hablaba sólo de ti, de los perfumes de tus flores, y ella me explicó que la eternidad eras tú”).

Café Tacvba fue uno de los primeros discos que escuché sin parar. Sin embargo, temía que sólo fueran una moda, pues me preguntaba cómo estos cuatro chicos podrían repetir una obra tan genial. Dos años después nos demostrarían que la calidad de esta banda no tenía límites.

Como ejemplos de este disco, y de los posteriores, no tendría mucho sentido remitirlos a los clásicos, así que les pondré las canciones no tan populares, pero que demuestran porqué Café Tacvba es una de las mejores bandas del mundo.

Una Mosca en el Cristal, de "Nena Daconte"

2011-01-14T19:50:00.000-08:00

Ya en noviembre de 2009 escribí por primera vez sobre Nena Daconte. Un magnífico dueto catalán que me voló la cabeza en 2006 con su disco debut He Perdido los Zapatos (2006), una colección de extraordinarios temas sin ningún desperdicio, y que con su segunda obra, Retales de Carnaval (2008) confirmaban su gran calidad, mientras que su reputación, ventas y base de fans crecía cada vez más.

Es por ello que en 2010, los fans esperábamos con ansias la tercera producción de la vocalista y compositora Mai Meneses, y su contraparte Kim Fanlo. Sin embargo, como balde de agua fría cayó la noticia de la separación del dueto, mientras que Mai seguiría usando el nombre del dueto, situación contra la que se manifestó abiertamente Kim Fanlo en un comunicado, donde agregaba que había sido Mai quien decidiera disolver su asociación. Más tarde, se anunciaría el pésimo nombre del nuevo disco, Una Mosca en el Cristal. Después, el primer sencillo, "No Te Invité a Dormir" me dio muy mala espina, así como la HORRIBLE portada.

Aunque no es un mal tema, se nota demasiada la diferencia de calidad sin la parte musical que aportaba Fanlo, y si bien algunas letras están al nivel de los otros discos ("No Te Invité A Dormir", "Pregúntame", "No Te Fijaste En Mí", "El Halcón Que Vive En Mi Cabeza", "Esperaré, y el tema en inglés "I Just Call You Girl"), la ausencia del sonido orgánico en parte pop, jazz y blues del original Nena Daconte se extraña demasiado.

Por otra parte, hay canciones cuya inclusión me parece inexplicable, tal es el caso de "Son Niños", donde Mai se pone social y habla de niños de la calle y niños trabajadores, y también la pésima, cursi, ridícula y tonta "Tan Feliz", la cual sería rechazada hasta en el programa de Barney, el dinosaurio. Al resto de las 13 canciones les falta mucho, parecen obras de una chica que apenas empezó a componer, y aunque unas parecen pintar para más, terminan sin satisfacer o caen en la repetitividad, sentimiento incrementado por una producción que también se siente inexperta, asbusando de la caja de ritmos y de guitarras eléctricas fuera de lugar.

Tomando en cuenta que los dos anteriores discos no tenían desperdicio, y que en esta producción sólo tres temas son comparables ("El Halcón Que Vive En Mi Cabeza", "Esperaré, y "I Just Call You Girl" - curiosamente, la única que es totalmente acústica) no puedo más que coincidir en que este disco debió ser firmado sólo por Mai, y no como Nena Daconte. Ojalá que ella recapacite, Nena Daconte era un dueto extraordinario, y este álbum está lejos de serlo.

Dexter por decisión propia, de Jeff Lindsay

2011-01-06T16:13:00.000-08:00

Dexter by design (2009) es el cuarto libro en las aventuras de Dexter Morgan, asesino serial mucho mejor conocido por la gran serie de televisión Dexter, que hace unas semanas terminó su quinta temporada.

No sabía muy bien qué esperar de estos textos, pues los libros en los que se basa True Blood representaron una decepción para mí, sobre todo por la traducción ultra españolizada que la verdad me hizo pensar "¡coño, pero qué gilipollez!" Pero no sólo eso, sino que la serie demostró ser superior a los libros, y me temía que con Dexter se repitiera esa situación. Craso error.

Dexter by design es uno de los libros con más humor negro, suspense y emoción que he leído en mucho tiempo, y donde Jeff Lindsay coloca a nuestro héroe pendiendo del alambre, sorteando a la vez un ataque a su hermana, ser perseguido por otro asesino serial, y las crecientes sospechas de compañeros de trabajo y hasta del FBI.

Como en la serie, la historia está contada en primera persona, para conocer el retorcido humor y personalidad del asesino serial ficticio más famoso de la actualidad, un hombre que a cada momento declara su falta de humanidad y de alma, pero que conforme pasa el tiempo se va sorprendiendo de saber que quizás sí tiene algo parecido a sentimientos.

Por si se lo preguntaban, en este libro no se aborda ningún caso que hayamos visto en la serie, pero obvio sí tiene muchos personajes en común, otros que nunca existieron en la serie y que aquí son importantes, unos continúan con vida y otros son creaciones de la serie.

Muy buen libro que deja prometiendo más, y que definitivamente será bienvenido.

Oh, Pretty Woman

2011-01-06T08:07:00.001-08:00

Es momento de crear una nueva categoría en este espacio. Una categoría con las canciones más chingonas e increíbles que he escuchado en mi vida, las rolas que considero de lo mejor que se han hecho en la historia. Ya he publicado algunas que definitivamente irán a esa lista ("I Try" de Macy Gray y "Disco 2000" me vienen ahora a la mente), pero en esta ocasión le toca a "Oh, Pretty Woman", del gran Roy Orbison, mejor conocida simplemente como "Pretty Woman".

"Oh, Pretty Woman" es una canción grandiosa por su sencillez, es tan sólo la historia de un chico que se queda impactado al ver pasar a una bella mujer e intenta conquistarla. Lo grandioso de la canción está en la forma, en el ritmo tan pegadizo desde el primer batacazo, en una historia llena de inocencia y agresividad en el buen sentido de la palabra, en la excelente ejecución y en la famosa y hermosa voz de Roy Orbison, una de las figuras más importantes en la historia del rock'n'roll puro y clásico.

Ya hablaré más de Orbison, sobre todo porque recientemente adquirí una antología, la cual me confirmó que este señor era un chingón entre chingones. Mientras tanto les dejo la grandiosa, espectacular y pocamadre rola de la mujer bonita.

Oh, Mujer Bonita

Mujer bonita, caminando por la calle
Mujer bonita, del tipo que me gusta conocer
Mujer bonita, no te puedo creer
Que seas de verdad
Nadie puede verse tan bien como tú
¡Piedad!

Mujer bonita, ¿me podrías perdonar?
Mujer bonita, no pude evitar mirar
Mujer bonita, que te ves lo más adorable que se puede
¿Estás sola como yo?

Mujer bonita, detente un momento
Mujer bonita, platica un momento
Mujer bonita, dame tu sonrisa
Mujer bonita, yeah yeah yeah
Mujer bonita, mírame
Mujer bonita, di que te quedarás conmigo

Porque te necesito, te trataré bien
Ven conmigo nena, sé mía esta noche

Mujer bonita, no te vayas
Mujer bonita, no me hagas llorar
Mujer bonita, no sigas caminando
Hey, está bien...

Sí así debe ser, está bien
Creo que me iré a casa, es tarde
Ya tendré la noche de mañana, pero ¡esperen!
¿Qué es lo que veo?
¿Está regresando a mí?
Sí, camina de regreso a mí
Oh, oh, mujer bonita

Cine: Lo Mejor del 2010

2011-01-03T21:37:00.000-08:00

Y se acabó el 2010. Un año intenso para mí en la cantidad de visitas a las salas de cine. Un año en donde vi 71 películas por primera vez, y volví a ver otras 25, dando un gran total de 96 películas vistas, un promedio de 1.8 a la semana. Fue un ejercicio interesante, pero no sé si lo repetiría, y no por verlas, sino porque me impuse el reto de escribir sobre cada una de ellas en este espacio... y lo cumplí. Eso ya es mucho decir. Quizás en 2011 me limite a los estrenos cinematográficos del año.

Para muchos críticos, 2010 fue un año grandioso para el séptimo arte, y puede que tengan razón, pues varias de las cintas en esta lista son realmente extraordinarias. Cabe aclarar que las obras escogidas fueron estrenadas en las salas de México durante el 2010, aunque técnicamente algunas son de finales de 2009.

Y sin más preámbulos, los dejo con la lista, den click en los títulos para leer las reseñas que escribí en su momento.

10.- The Ghost Writer, de Roman Polanski
9.- Biutiful, de Alejandro González Iñarritu
8.- How To Train Your Dragon, de Dean DeBlois y Chris Sanders
7.- Año Bisiesto, de Michael Rowe6.- Tetro, de Francis Ford Coppola
5.- The Social Network, de David Fincher
4.- Up In The Air, de Ivan Reitman
3.- El Secreto de sus Ojos, de Juan José Campanella

2.- Después de darle la revisada que prometí cuando escribí sobre ella, no puedo más que coincidir con la mayoría de las listas que he visto en este fin de año, y reconocer que Inception, de Chris Nolan es una de las mejores cintas que se haya realizado en mucho tiempo. Es una joya por donde se le vea. Este hombre está enrachado y va que vuela para convertirse en uno de los mejores de la historia.

1.- También tengo que hacer un texto complementario para el primer lugar de mi lista. Y es que cuando la estrenaron no supe qué poner, reconozco mi incapacidad para hacerle justicia a una película tan magistralmente dirigida, editada, fotografiada, escrita y actuada como lo es Un Prophète, de Jaques Audiard. Si no la han visto, búsquenla, rastréenla, bájenla, pídanla, hagan lo que tengan que hacer, pero véanla, no se arrepentirán.

Esa fue mi lista oficial, pero el 2010 me dejó más cosas dignas de recordar: festines geek de calidad con Kick-Ass y Scott Pilgrim vs The World, otra joya latina como La Teta Asustada, la intensidad de Das Weisse Band, el reconocimiento mundial de que Tim Burton y M. Knight Shyamalan no son nada, y el final de sagas tan seminales como Toy Story y Harry Potter. 2010 fue un muy buen año para los cinéfilos, brindemos porque el 2011 se le parezca.

Bajo las grandes luces blancas del norte

2011-01-02T22:55:00.000-08:00

Under Great White Northern Lights (2010) es el documental de The White Stripes donde nos llevan detrás de cámaras de una gira muy especial que hicera la banda durante el 2007.

En esta gira, alternaban conciertos en grandes arenas así como palomazos gratuitos en lugares como iglesias, boliches, escuelas, y parques públicos.

El principio del documental carece de sustancia y parece enfocarse más en el estilo. Sin embargo, poco a poco va mejorando con escenas e información relevante, como el concepto que la banda tiene de ellos mismos, su relación personal, su reacción ante las críticas, el porqué Meg es tan callada, su preparación para los conciertos... muchas cosas relevantes e interesantes tanto para los fans de hueso colorado como para los iniciados.

Recomendable documental que tarde muuuuucho tiempo en reseñar por razones que aún no comprendo, pero con el cual termino oficialmente las críticas de todas las obras que vi durante el 2010. Esperen muy pronto el gran conteo y recuento de lo que el cine me dejó este año, quizás el más abundante para mí en cuanto a obras revisadas. Afortunadamente.

Tropic Thunder, de Ben Stiller

2010-12-30T23:08:00.000-08:00

Tropic Thunder (2008) es una comedia que logra lo que pocas: ser constantemente divertida de principio a fin.

Satirizando a los actores y a toda la industria de Hollywood, Ben Stiller reunió a una plétora de actores cómicos y no tan cómicos para sorprender al espectador, siendo el ejemplo más notorio el de Tom Cruise como el director de un estudio ojete, mal hablado y bailarín de hip hop. Pero si ponen atención, verán a muchas otras estrellas haciendo cameos, sobre todo al inicio y al final de la cinta.

Tropic Thunder no teme pasarse de la raya, ser exagerada y políticamente incorrecta, y se sale con la suya; difícil fallar en una comedia tan bien escrita y protagonizada por el mismo Stiller y el cada vez más celebrado Robert Downey Jr., en otra actuación que, irónicamente de acuerdo a lo que pasa en la película, le mereció una nominación al Oscar.

Además de los dos protagónicos, podemos ver en el reparto principal a Jack Black (de quien nunca he sido fan, pero que aquí hace un muy buen trabajo), Nick Nolte, Matthew McConaughey, el ya mentado Tom Cruise, así como los comediantes no tan conocidos en aquél entonces Jay Baruchel, Bill Hader y el siempre divertidísimo Danny McBride.

Tropic Thunder es de esas cintas que no es para todos, si en los primeros diez o quince minutos no los hace reír, me temo que no les gustará. Pero si sí, creánme que disfrutarán como enanos esta película simplona e irreverente.

The International, de Tom Tykwer

2010-12-30T22:11:00.001-08:00

Renté The International (2009) porque me la perdí en el cine y es de esas películas que seguramente nos gustarían a mi madre y a mí por igual: un thriller con mucha acción, protagonizado por dos de mis actores favoritos: Clive Owen, y el sueño de mujer llamada Naomi Watts.

Pensando en retrospectiva, la talla de estos actores debió darme alguna pista de que estaba ante un producto sobresaliente. Poco a poco, la dirección y producción, así como el trabajo de Owen y el rostro de Watts me envolvieron en un trabajo que, dentro del género, escapa de muchos clichés y presenta una que otra sorpresa, siendo la más grande la que me llevé en los créditos finales, al ver que el director es nada más y nada menos que Tom Tykwer, director de Corre Lola Corre (1998) y la magistral La Princesa y el Guerrero (2000).

Entonces entendí el porqué de algunos planos tan preciosistas y pensados para un trhiller. No vi El Perfume (2006), pero sí llegué a escuchar comentarios sobre la belleza de su dirección y fotografía, que poco a poco van distinguiendo a este más que interesante director, a quien en esta ocasión se le agradece inyectar un poco de aire fresco al género. Intenten verla en alta definición.

Filosofía hilarante: Amor y Muerte, de Woody Allen

2010-12-30T15:54:00.000-08:00

En Love & Death (1975), Woody Allen reflexiona sobre estos dos temas que lo han obsesionado a lo largo de su carrera, en una manera fársica.

Como de costumbre, su química con Diane Keaton es incomparable, incluso en papeles totalmente ridículos y paródicos, pero que hacen reír bastante sobre todo en las escenas dialécticas más que en las de slapstick. Pongan mucha atención a la mejor escena de toda la cinta, cuando Allen y Keaton discuten sobre el amor y la muerte de una manera bastante filosófica.

Y sin embargo, el chiste se termina rápido y la repetitividad poco a poco va desgastando la fórmula, que con un poco de mayor variedad habría resultado increíble. No obstante, como casi la totalidad de las cintas de Allen, la recomiendo ampliamente.

Viviendo de fantasías: La Rosa Púrpura del Cairo

2010-12-30T15:09:00.001-08:00

Quienes hayan visto The Purple Rose of Cairo (1985) probablemente coincidirán en que es imposible de olvidar tanto por su historia fantástica, su belleza, y su poderosísimo final que podría derretir hasta al corazón más cínico.

En una oda de amor hacia el cine, Woody Allen cuenta la historia de una mujer que se refugia en la sala oscura para olvidar que es pobre, que se quedó sin trabajo, y que su esposo es un abusivo. De improvisto, se hará realidd su fantasía por conocer a un hombre como los que aparecen en su nueva película favorita, en una manera increíble y fantástica, revolucionando su mundo por completo.

Mia Farrow y Jeff Daniels están inconmensurables. Ella como Cecilia, la mujer que vive su fantasía, y Daniels como el hombre de sus sueños.

No quisiera contar mucho sobre la historia, sólo que Allen realizó uno de los guiones más inventivos, románticos y divertidos de toda su carrera, con un final inolvidable, emotivo, poderoso y sumamente conmovedor, una declaración de amor al cine y su capacidad de hacernos soñar, aún cuando parezca que todo está perdido. Una obra maestra.

¿Y si fueras el hijo de Pablo Escobar?

2010-12-29T13:48:00.000-08:00

Muy buen tagline el de Pecados de mi padre (2009): ¿y si fueras el hijo de Pablo Escobar? Dirigido por el argentino Nicolás Entel, este documental narra algunos aspectos de la violenta vida de Pablo Escobar a través de su primogénito, supuesto heredero natural de una de las carreras criminales más impresionantes que ha conocido el mundo.

Es Juan Pablo Escobar, quien cambiaría su nombre por el de Sebastián Marroquín, quien cuenta su experiencia como hijo de Escobar, un hombre cariñoso con su familia, pero implacable con sus enemigos, lo cual pone a toda su familia en un conflicto del que no pueden escapar ni siquiera tras la muerte del gran capo.

Escrito y estructurado de gran manera, este trabajo enlaza los momentos más trascendentales en la vida de Escobar, ligándolos con el efecto que tuvo en su familia, y en la de otros personajes importantes de la vida política colombiana, a quienes asesinó.

El valor de producción también es altísimo, pues se accede a fotos y videos de la familia nunca antes vistos, así como a material del mismo Escobar. Pero lo más importante es precisamente haber logrado romper el silencio de Sebastián Marroquín y su madre, quienes reconocen los pecados referidos en el título, pero también piden perdón por ellos y ponen en perspectiva que también fueron víctimas de la violencia desatada por el narcotráfico.

Entel construye una narración coherente, ligando hechos que cambiaron la vida de todo un país y llevándolo al plano personal y familiar. De esta forma, el documental tiene un clímax verdaderamente emotivo, donde la generación colombiana actual manifiesta su voluntad por terminar con estos ciclos violentos que han azotado al país durante ya casi setenta años.

No estoy seguro si este trabajo fue realizado para televisión y después exhibido en las pantallas de cine. Yo supe de su existencia al ver el trailer en el cine, pero si se estrenó nunca me enteré, tiempo después lo transmitió Discovery Channel de Latinoamérica y me lo perdí de nuevo. Pude verla al fin porque la renté en Blockbuster, e investigando para este texto, vi que estuvo nominado en Sundance, y que ganó tanto los premios del jurado como de la audiencia en el Festival de Miami (¡de todos las ciudades posibles, tenía que ser Miami, catedral del narcotráfico estadounidense durante los años 80!).

También como resultado de buscarle en internet, di con el documental subido en su totalidad en YouTube, el cual pueden checar aquí y seguir los links para el resto de las partes, y disfrutar de uno de los mejores documentales que he visto en mucho tiempo. ¡Véanlo antes de que lo bajen!. Pueden hacer lo mismo dando click aquí para ver un programa de History Channel sobre la vida de Pablo Escobar. Los dejo con el trailer que vi aquella vez en el cine y que desde entonces me interesó bastante. Afortunadamente, el resultado no defraudó mis expectativas.

El listón blanco, de Michael Haneke

2010-12-29T10:37:00.000-08:00

Ya desde Caché (2005), Michael Haneke demostraba que no importa tanto el final del viaje como la travesía, lo cual hay que tener en cuenta antes de ver Das Weisse Band (2009), o El Listón Blanco, pues de nuevo entrega una historia que podría sentirse inconclusa, lo cual después de dos horas y media puede resultar un poco engorroso.

Y sin embargo, la travesía resulta bella en varios momentos. En una historia de tipo "pueblo chico, infierno grande", Haneke retrata en hermosísimo blanco y negro (del fotógrafo Christian Berger) los dos lados de la naturaleza humana. Por una parte la crueldad, el rencor y la maldad del hombre; y por otro la inocencia y belleza del amor y la niñez (aunque también hay sus excepciones).

La cinta tiene varias escenas sobresalientes ya sea por la dirección o por la actuación, pero conforme avanza la historia, éstas son cada vez menos, y el final se siente abrupto, aun cuando se entienda la intención de Haneke porque el misterio sea resuelto e interpretado por el espectador. Pero así como tiene muchas escenas grandiosas, también incluye otras que salen sobrando; incluso, algunas subtramas creo que pudieron obviarse.

Das Weisse Band es un muy buen ensayo sobre la dualidad del hombre, con un interesante misterio que nos venden como leit motiv, pero termina siendo una alegoría, razón por la cual muchos podrían sentirse traicionados, lo cual no quita que es un filme que en muchas ocasiones alcanza lo sublime, y no cualquiera puede lograrlo hoy en día.

PD: Por enésima vez, una crítica a las distribuidoras. ¿Cómo es posible que una ganadora de la Palma de Oro esté en una sala de Cinemex y Cinépolis respectivamente? Creo que mierdas como Los Viajes de Gulliver ya está en demasiadas salas en todo el país, y quitarle algunas para que la gente tenga la oportunidad de ver a una ganadora en Cannes no es mucho pedir... pero ya vimos que no es así. Afortunadamente, la Cineteca vuelve a entrar al quite, ¿pero y la gente del interior de la república que se joda? El día en que, entre otras condiciones, la oferta en las salas aumente, será cuando por fin pueda empezar a hacerse algo contra la piratería, aunque creo que eso tampoco les importa ya.

Tron: Haciendo honor al legado

2010-12-25T20:54:00.000-08:00

Si el año comenzó con Avatar, termina de gran manera con Tron: Legacy, otro gran ejemplo del cine espectáculo pensado para dejarnos con la boca abierta, y ésta lo logra.

En los primeros 20 minutos dan los antecedentes y sientan las bases para la historia, con uno que otro guiño para los que vieron la cinta original (éstos continuarán durante el resto de la cinta). Pero todo cambia cuando Sam al fin logra entrar al sistema.

Los efectos especiales en Legacy son simple y sencillamente espectaculares, sobre todo en 3D y en las secuencias de juegos, las cuales están muy bien coreografiadas y filmadas por el director debutante Joseph Kosinski.

Por otra parte, es todo un placer ver a Jeff Bridges en un doble papel como héroe y villano, cumpliendo con creces en cada uno, mientras que los menos experimentados Olivia Wilde y Garret Hedlund completan el trío protagónico, haciendo un buen trabajo.

Se ha hablado mucho del soundtrack de Daft Punk, lo cual se entiende después de escuchar cómo capturaron el tono de cada escena con la calidad usual de su música, y a veces con el tono retro ochentero compatible con la música de la película original.

Y si bien la trama es mucho más elaborada que la primera Tron (1982), la cinta va perdiendo ritmo después de la mitad, pero logra rehacerse con una muy buena secuencia final con efectos visuales increíbles.

Puede que Legacy no sea la película del año, pero por lo visual y el entretenimiento ofrecido, bien podría ser el mejor espectáculo del año en la gran pantalla, sobre todo si logran verlo en glorioso Imax 3D...

Tron

2010-12-23T15:34:00.000-08:00

Con mi boleto en mano para ver Tron Legacy (2010), es que al fin pude volver a ver Tron (1982), una de las primeras películas que me impresionó. No sé si la rentaba mucho o algo parecido, pero en mi infancia me quedó un vívido recuerdo de hombres y mundos de neón que vivían dentro de una computadora.

Años después, morí de risa cuando hicieron referencia a ellos en The Simpsons, pues como nadie que conocía había visto o sabido de Tron, se me hizo un chiste muy bueno, y fue cuando me di cuenta que esta película era de culto.

Y así quedó Tron en mi memoria, como una película que me volaba la mente cuando era niño, pero que ya después no pude volver a ver para recordar la historia o algo parecido.

Hasta hoy que, con la emoción del estreno de Legacy -que se ve simple y sencillamente espectacular- pude verla en mi computadora, para darme cuenta que es una historia muy sofisticada para su época, con efectos especiales increíbles también para su época, pero también demasiado larga para lo sencillo de su trama (aunque después de todo, se supone que es para niños). Si tienen la oportunidad, vean esta cinta tan peculiar que compensa en lo visual lo que le falta en lo argumental. Ya en dos días hablaremos de Legacy...

Los dejo con un trailer hecho por un fan que está increíble, me dan ganas de comprar la cinta en BluRay para poder verla así y no como lo hice, que además fue en español de Castilla, ¡joer macho!

Drácula, de Bram Stoker

2010-12-23T14:53:00.000-08:00

Aaah, los clásicos. Esta semana soy menos inculto que la anterior, pues por fin leí Drácula (1897), del irlandés Bram Stoker. Resultó interesantísimo leer en la contraportada que Stoker era reportero y que un caso de vampirismo que cubrió le despertó la imaginación para escribir este libro seminal, y que incluso tomó a sus amigos por sorpresa al escribir este libro.

Escrito astutamente en forma de varios diarios hilvanados, Drácula tiene muchas partes escalofriantes, sobre todo en la primera parte, mientras que en otras los protagonistas se reúnen para descifrar -cual detectives- los misterios del Conde, dirigidos por la experiencia de Abraham Van Helsing y la intuición de Mina Harker.

Qué se puede decir de un clásico como éste que no se haya dicho ya. Solamente recalcar que esta novela prácticamente creó las reglas de todo un subgénero que va más allá de la literatura y abarca todos los medios de entretenimientoy artísticos.

Doblado por ti

2010-12-19T14:51:00.000-08:00

Como siempre, ella sabe cómo expresar todo tipo de situaciones de gran manera. La traducción es mía.

Doblado por ti

Estás inseguro y no estás listo, eso debe significar que te deseo
No estás disponible ni interesado, y busco el confort en ti

Un millón de veces y en un millón de maneras trataré de cambiarte
Un millón de meses y un millón de días trataré de convencerte

He esperado por ti y ajustado por ti y ya estoy harta
He sido deferente contigo y te he permitido y ya estoy harta

Eres muy joven o eres muy mayor o simplemente no sientes inclinación
Estás dormido o te estás negando, esa es mi entrada para adorarte

Muchas veces de muchos modos intentaré exprimir tu amor
Muchas horas y de muchos modos me daré un festín con las migajas que me das

Me he doblado por ti y privado por ti y estoy harta
Me he deprimido por ti y crispado por ti y estoy harta
Me he reprimido por ti y comprometido por ti y estoy harta
Me he callado por ti y y sacrificado por ti y estoy harta

No pasará mucho para que me reivindique
No tomará mucho tiempo y estaré de nuevo en el camino
No será fácil distanciarnos
Estoy al final de esta etapa de autoprivación

Tienes miedo de todas las mujeres, miedo de tus maneras internas
Tiemblas de pensar en vivir bajo el mismo techo que yo, que Dios y que todo

Un millón de veces y de un millón de maneras he tratado de cambiar para igualarte
Muchas veces en muchos días he tratado de que ya no me gustes

Megamente

2010-12-19T08:24:00.000-08:00

Es una película smipaticona, suficientemente entretenida pero pobremente escrita. Con buenos chistes de vez en cuando. Sin embargo, cintas como las de Brad Bird (The Incredibles y Ratatouille) o Cómo entrenar a tu dragón (2010) han demostrado que se necesita algo más inteligente y desarrollado. Desgraciadamente, las cintas animadas infantiles (en todo el sentido de la palabra) casi nunca generan pérdidas, por eso siguen reproduciéndose como plaga.

Eso sí, se ve increíble; el trabajo de animación es buenísimo.

Nowhere Boy

2010-12-16T21:05:00.000-08:00

Nowhere Boy (2009) es el original título de la más reciente cinta sobre John Lennon, o en este caso, de su adolescencia y la relación con su madre, Julia, inmortalizada en la canción del mismo nombre, así como su tía Mimi.

Creo que es refrescante esta ficcionalización semi veraz de la vida de John, sin darle tanta importancia a la formación de lo que más tarde serían The Beatles, historia contada muchas veces antes.

Aaron Johnson sobresale en su interpretación de Lennon como un chico extrovertido, a veces en demasía, bromista en casi todo momento, pero también de carácter difícil, aunque al final exageran un poco cuando dice que la historia familiar lo estaba volviendo loco. El inglés Johnson me convenció en cómo pudo haber sido John en esos años, y además demuestra gran versatilidad, pues este mismo año protagonizó Kick-Ass, en otro gran trabajo como un chico que pasa por una gran travesía personal, con un perfecto acento estadounidense, mientras que aquí recrea el de Liverpool con la misma eficacia.

Y aunque hay muchas imprecisiones históricas, la más chocante para mí fue el retrato de la tía Mimi como una persona estricta y fría con John, lo cual es totalmente alejado de la realidad. No obstante, y tomando en cuenta la manera en que fue escrito el personaje, Kirstin Scott-Thomas también un gran trabajo como la tía Mimi.

Una interesante cinta para pasar el rato y repasar la historia de Lennon, y para que los que no la sepan se den una idea a grandes rasgos, aunque por muchos momentos parece más una película para televisión que para la pantalla grande.

The Social Network, de David Fincher

2010-12-15T20:45:00.000-08:00

Cuando una cinta comienza con "Ball And Biscuit" de The White Stripes, uno sabe que todo irá bien. Y aunque The Social Network (2010) no es la mejor cinta de David Fincher, se posiciona sin duda entre lo más sobresaliente de su filmografía, y se convirtió en la más aceptada de todas en su carrera, pues es la más accesible de las que ha hecho.

Uno podría pensar que The Curious Case of Benjamin Button (2008) ya había cumplido con ese requisíto, con sendas nominaciones en la temporada de premios, pero me cuento entre las personas que les gustó a secas la cinta, pero con ese mal sabor de boca que nos dejó una película prefabricada para la temporada de premios precisamente, y con momentos tan cursis, totalmente ajenos a todo lo que Fincher nos había ofrecido hasta entonces. Lo sentimos como un encargo, o como si alguien más hubiera dirigido la cinta.

Sin embargo, cuando me enteré que su proyecto sería The Social Network, no pude más que entusiasmarme, pensando que era algo más acorde a él, y seguro de que el resultado sería bueno, aún cuando la noticia de "una película sobre facebook" levantó más de una ceja.

Dos años de espera después, por fin tenemos en las pantallas esta cinta, la cual ya ganó el National Board of Review, el Premio de los Críticos de Washington y de Boston, así como 6 nominaciones para los próximos Globos de Oro, incluyendo Mejor Película y Mejor Guión.

También la respuesta del público ha sido la mejor, por eso afirmo que es la cinta mejor recibida en la carrera de Fincher, lo cual no es más que justo tras un movimiento en donde se nota que hizo lo que quiso en lugar de lo que creyó que sería lo más popular y premiable.

En este filme vuelve el Fincher con el ritmo impecable y sin concesiones en el guión, al contar la historia de Mark Zuckerberg, el creador de facebook, así como todo el proceso de creación, el cual estuvo plagado de problemas y demandas de robo o plagio, mientras que le costó la relación con su mejor amigo y co-creador de la red social más grande e importante del mundo.

Peter Travers, de Rolling Stone, dice que esta obra "define a toda una generación" o algo así. No sé si llegaría a tanto, pero entiendo su idea. Si bien la historia de Zuckerberg no creo que defina a una generación, lo que sí lo hace es facebook como epítome de la penetración de internet en la sociedad actual y su crecimiento exponencial hasta llegar a la cantidad de 500 millones de personas de todos los continentes en 7 años.

Quizás las personas mayores de cuarenta no logren entender ahora la importancia de este invento, pero Zuckerberg creó una de las herramientas sociales más efectivas e importantes de la historia. En la cinta hay una escena sencilla pero vital: de repente, la frase "búscame en facebook" se hace popular en el entorno de los protagonistas. Hoy en día, facebook es la carta de presentación número uno de la juventud, muchas veces el primer contacto con el resto de la sociedad, donde ponemos lo que queremos dar a conocer y buscamos lo que queremos saber de nuestros amigos y familiares. En la actualidad, damos nuestro correo y nuestro facebook antes que nuestros teléfonos, hacemos nuevos amigos de acuerdo a nuestros intereses, y si ya no queremos saber de ellos, simplemente los eliminamos. Si queremos convencer de algo, si tenemos una causa, o simplemente si queremos invitar a alguien a una fiesta, mandamos un mensaje masivo y listo.

Si internet ya había cambiado las comunicaciones, facebook llevó este cambio a las masas, y sigue ganando adeptos en todo el planeta pues, como dice una chica en la película, es sumamente adictivo.

Ahí radica uno de los mayores aciertos de Fincher, pues es sabedor de que millones de personas están pegadas al facebook, y quizás a un porcentaje importante de ellas podría interesarles cómo es que esta herramienta fue creada. Y si encima director y guionista entregan una historia apasionante, el éxito está garantizado.

No es de sorprender el gran resultado de The Social Network. Después de todo, comienza con The White Stripes y cierra con The Beatles. No se puede pedir más.

PD: La espectacular actuación de Andrew Garfield como el co-creador de facebook es de lo mejor que pudimos disfrutar este año en la pantalla grande. Y también Jesse Eisenberg cumple a la perfección con su papel, dibujando a un cabrón bien hecho.

The Flaming Lips en vivo

2010-12-14T20:58:00.000-08:00

Como ya he escrito en este espacio, sólo tengo y conozco los tres discos más recientes de The Flaming Lips, es decir, del 2002 a la fecha. Y a pesar de que la carrera de esta banda abarca más de 20 años, fui a ver a una de las agrupaciones más interesantes del mundo.

De antemano, ya había leído que los conciertos de los Flaming son un espectáculo donde lo visual y los "props" tienen la misma importancia que la música, y la banda no escatima en ofrecer un buen show casi circense, con el confeti y las serpentinas, los globos, la esfera de plástico en la que se mete Wayne Coyne para caminar entre el público, las botargas de osos, soles y orugas, la bola disco gigante y las manos gigantes que lanzan rayos laser hacia la bola para que se reflejen en todo el escenario (sin duda alguna, este último acto es el más espectacular de todos).

Y sin embargo, la música quedó a deber. El repertorio basado en el semi experimental y poco armónico Embryonic (2009) falló en prender al público, y con razón. Qué diferencia con temas más populares y buenos como "The Yeah Yeah Song", "Do You Realize?" y, el mejor momento de toda la noche, "Yoshimi Battles The Pink Robots Pt. 1", donde la banda deja que sea el público quien cante a todo pulmón una de sus mejores canciones.

Seguramente más de un fan ocasional salió decepcionado a pesar del buen espectáculo, e incluso tendría mis reservas para afirmar que los incondicionales estuvieron conformes. En lo personal lo disfruté en varios momentos, pero en otros me quedaba estupefacto por los temas seleccionados, aunque eso sí, la ejecución fue impecable en todo momento.

Juegos de Poder, de Kevin Macdonald

2010-12-12T21:15:00.000-08:00

Basada en la miniserie de la BBC del mismo nombre, State Of Play (2009) es un thriller político con reminiscencias del clásico All The President's Men (1976). Como en aquella, aunque en menor escala, un par de periodistas tendrán que seguir una serie de pistas para esclarecer un escándalo arriesgando incluso sus vidas.

Kevin Macdonald confirma ser un muy efectivo director de thrillers, después de su trabajo en The Last King of Scotland (2006), la cual le valió un Óscar a Forest Whitaker. En esta ocasión, también demuestra su buena dirección con los actores, con un casting de ensamble integrado por Russell Crowe, Helen Mirren, Rachel McAdams, Jason Bateman, Jeff Daniels, Robin Wright y Ben Affleck.

Crowe ha visto apagarse su estrella desde que ganó el Óscar y por los escándalos no profesionales de su vida, pero aquí demuestra que sigue siendo un gran actor (para mí uno de los mejores que se puedan ver hoy en día). Interpretando a Cal McAffrey, un veterano periodista que debe trabajar con la novata Della Frye (McAdams), Crowe personifica a un profesional luchando por el equilibrio entre llegar a la verdad aún a costa de perder a un amor y a uno de sus grandes amigos. Como en todos sus papeles, Crowe es completamente creíble en su papel y logra la empatía del espectador desde el comienzo.

El resto del reparto también cumple con creces su labor, pero quiero destacar también a Affleck por este renacer creativo y profesional que comenzó cuando dirigió Gone Baby Gone (2007). En esta cinta, interpreta a un joven congresista que súbitamente se ve inmerso en un escándalo a nivel nacional, que tendrá serias repercusiones en su vida privada y en su relación con Cal.

Veraz e interesante, State of Play es sin duda una muy buena pieza de entretenimiento, sobre todo si son aficionados a los thrillers.

Somos lo que hay

2010-12-09T21:46:00.000-08:00

Somos lo que hay (2010) es una de esas cintas que uno no se puede explicar como encontraron financiamiento y producción. Una interesante premisa (una familia de canibales tiene que sobrevivir después de que muere el padre, su proveedor) se va al bote de la basura con un filme en el que todo está mal: las actuaciones, la dirección, la música, la fotografía y, sobre todo, el guión, risible de principio a fin. Mejor, dicho, y para ser más justos, no de principio a fin... sólo como desde el minuto 20 hasta el patético desenlace.

Mientras veía esta cinta -en los momentos que no me reía-, pensé que parecía el trabajo final de una clase de producción, pero de preparatoria. En ese caso podría ser muy buena, pero cuando le pides a la gente que pague para ver esto, es como mentarles la madre. Inexplicable su programación en nuestra catedralita del cine, aunque seguramente no le durará mucho el gusto.

Sin embargo, tampoco me amargó ni fue una mala experiencia, sino todo lo contrario, me reí mucho ante tanto sinsentido y ridículo. La secuencia "climática" es de antología, para enmarcarla dentro del mejor humor involuntario en toda la historia del séptimo arte. Si la ven por accidente, no se ofendan y mejor ríanse, es tan mala que es divertida.

30 años sin John

2010-12-08T21:59:00.001-08:00

Reproduzco aquí el texto que escribí este día especial, y que fue transmitido hoy mismo. Consideren que, al ser para televisión, tuve que ser lo más sintético posible:

Hace 30 años murió uno de los hombres clave para comprender el siglo veinte. John Lennon nació el 9 de octubre de 1940 en Liverpool, Inglaterra. Lennon tuvo una infancia y adolescencia difíciles, en las que vivió la mayor parte del tiempo con su tía, aunque con visitas regulares de su madre, hasta que falleció trágicamente al ser atropellada cuando él tenía diecisiete años. En ese entonces ya había fundado la banda que más tarde sería conocida en el mundo entero como Los Beatles.

Junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, conquistó y definió el mundo de la música y de la cultura en la década de los sesenta, como abanderado de los movimientos pacifistas y de la psicodelia. En Los Beatles, Lennon escribió las letras más introspectivas de la banda, como "Help!", "Nowhere Man" e "In My Life"

La popularidad y el éxito no estuvieron exentas de polémica. Durante el apogeo de la agrupación, Lennon comentó como crítica social que Los Beatles eran más populares que Jesús, lo cual provocó un escándalo en los estados unidos, donde se realizaron quemas de sus discos y amenazas de grupos como el Ku Klux Klan, este tipo de manifestaciones orillaron a la agrupación a abandonar las giras. Posteriormente, se dijo que el título de su canción "Lucy in the sky with diamonds", llena de imágenes surreales, era una referencia al LSD.

Tras la ruptura de Los Beatles, John se mudó a nueva york en 1971 junto a su esposa Yoko Ono, con quien realizó un activismo permanente por la paz mundial y contra la guerra de Vietnam con canciones como "Imagine", "(Happy Christmas (War is Over)" y "Give Peace a Chance". Estas actividades provocaron que Richard Nixon buscara deportarlo en 1973, pues creía que Lennon representaba un obstáculo para su reelección. Bob Dylan salió en defensa de la pareja, y el escándalo de Watergate se interpuso en las intenciones de Nixon.

Con el nacimiento de su segundo hijo, sean, en 1975, Lennon se retiró temporalmente de la vida pública y musical hasta 1980, cuando lanzó el álbum "Double Fantasy", el séptimo de su carrera solista. Fue en ese mismo año, el 8 de diciembre, cuando un fanático, buscando la misma fama que el artista, le disparó frente al edificio donde vivía. John Lennon murió desangrado en el camino al hospital.

Treinta años después, el mundo recuerda su legado. En Liverpool, locales y turistas se toman fotos con una estatua de Lennon, y visitan la escultura erigida en su memoria. “Fue un gran vocero de la ciudad, del amor, la paz y el entendimiento. Qué mejor época del año que la Navidad para dar este mensaje, así que por eso pensé en venir a ver el memorial. Fantástico”, declaró un coterráneo de Lennon.

En el Central Park de Nueva York, personas de todo el mundo ponen flores, fotografías, postales y mensajes sobre el mosaico dedicado al artista, en la sección del parque bautizada como "Strawberry Fields" en honor a una de sus canciones.

“Vivió en un tiempo en el que yo no había nacido, pero su música es tan conmovedora que, hasta la fecha es muy emotiva en todos los aspectos y eso es probablemente lo más importante”, afirmó Carlos, un turista brasileño; mientras que Ranada Havard, habitante de Nueva York dijo: “Me encanta lo que representaba. Todo lo que quería en su vida era la paz, todo lo que predicaba era sobre la paz. Lo único que quería hacer era amar a su esposa y a sus hijos, y perdió eso. Pero la gente lo sigue recordando treinta años después. Es genial”

Balas sobre Broadway, de Woody Allen

2010-12-07T20:45:00.001-08:00

Bullets Over Broadway (1994) fue una de esas cintas de Woody que conectó con el público y la crítica, tan sólo un año de la maravillosa Manhattan Murder Mystery (1993), Allen nos regaló una comedia muy divertida sobre la separación del hombre y del artista, envuelta en un escenario de música, mafia, teatro, conflictos, romance y deslices.

Nominada en su momento a siete Óscares, inlcuido Mejor Guión y Director para Woody Allen, esta película brilla por su gracia y un elenco espectacular conformado por John Cusack, Chazz Palmintery, Jennifer Tilly, Jim Broadbent, Rob Reiner, Tracy Ullman, Mary Loise Parker y, en el papel que le valió el Óscar y el Globo de Oro, Dianne Wiest como la actriz que vive en drama permanente, y que quiere recuperar la gloria gracias a la nueva joya de los escritores de teatro (Cusack). Jennifer Tilly también fue nominada al Óscar, lo cual se fue convirtiendo en una tendencia de la Academia a reconocer el gran trabajo de Allen como director de actores (aunque en realidad los deja ser libres y seguir su instinto), con nominaciones para los histriones de sus cintas, sobre todo a partir de los noventa en adelante. El ejemplo más reciente es la victoria de Penélope Cruz en 2008 por Vicky Christina Barcelona.

Sin duda, Bullets Over Broadway es otra de las grandes cintas de Allen, una de las más disfrutables y accesibles para un público masivo, y con un clímax y desenlace sorpresivos y emotivos.

La chica de al lado

2010-12-07T20:17:00.000-08:00

The Girl Next Door (2004) es una pequeña película que encuentra su mayor fortaleza en ello: no es ambiciosa ni pretenciosa, sino que sólo se preocupa por hacer reír. Y lo logra en muchas ocasiones, aunque para ello pidan demasiadas licencias del espectador.

Eso sí, explotan a la perfección la sensualidad de Elisha Cuthbert como el objeto del deseo, y es que Elisha es una de las actrices más sexys y bellas de Hollywood desde hace tiempo.

También destaca la actuación de Timothy Olyphant, en un papel casi inverosímil para él, pero donde se sale con la suya al entregar un personaje muy adorable al principio, pero que a la mitad se transforma por completo y se vuelve en un muy buen antagonista.

Llama la atención el soundtrack plagado de artistas y canciones muy populares, y como ejemplo pongo "Under Pressure" de Queen y "Baba O'Riley" de The Who, entre otras, lo cual eleva el valor de esta producción, pues los derechos a canciones tan populares no deben salir nada baratos.

Película para pasar el rato, y que está diseñada y destinada a los adolescentes, por lo que ellos la disfrutarán más.

Manhattan Murder Mystery, de Woody Allen

2010-12-03T15:33:00.000-08:00

Manhattan Murder Mystery (1993) es una de las joyas más brillantes en la carrera de Woody Allen pero, extrañamente, no es tan popular como otros de sus clásicos. La razón escapa de mi entendimiento, pues es una cinta extremadamente graciosa, sencilla y efectiva.

Haciendo mancuerna de nueva cuenta con Diane Keaton, Woody protagoniza esta cinta donde aplica perfectamente todas las enseñanzas de Alfred Hitchcock para crear un híbrido de humor y suspenso.

En la historia, Woody y Keaton son Larry y Carol Lipton, un matrimonio de 20 años que se ve involucrada en un misterio cuando Carol comienza a sospechar que el vecino de departamento asesinó a su esposa, mientras que Larry cree que son sólo paranoias de su mujer. Es en esta oposición de caracteres donde está el elemento más divertido de toda la historia, pues sus diálogos son los que provocan más risas gracias a una química que ya había estado más que probada a través de mas de 20 años de carrera con muchas cintas juntos. En este caso, Keaton es la entusiasta y aventurera, mientras que Woody es el mismo neurótico y gracioso de siempre.

Sin embargo, no estarán solos en su empresa, pues contarán con la importantísima ayuda de Ted y Marcia, quienes además generarán momentos de celos y tensión entre los Lipton, por lo que la historia se desenvuelve en una segunda capa en la que Larry y Carol no sólo buscan resolver el caso, sino que también se están jugando su propio matrimonio.

Ted y Marcia son interpretados espectacularmente por Alan Alda y Anjelica Huston, cada uno maravilloso en sus distintas maneras de sentirse atraídos por Carol y Larry. Él, de manera tierna y añorante; ella, más agresiva y sensual. Lo que sí tienen en común es una gran inteligencia que será de mucha ayuda para desentrañar el misterio. La escena donde los cuatro protagonistas van uniendo las piezas del rompecabezas es una delicia para todos los amantes de las buenas actuaciones, y es especial también porque estarán los cuatro en pantalla sólo una vez más.

La trama también es bastante interesante, ya que Woody logra momentos de tensión verdaderamente hitchcockianos, casi siempre liberando la tensión con una buena carcajada, mientras que también agrega elementos de film noir. Un film noir a todo color para fines del siglo XX.

Con todos estos elementos, Manhattan Murder Mystery es una de las cintas predilectas del mismísimo Woody. Una obra sobresaliente sin pretensiones que logra con creces su objetivo: brindar muchas risas y entretenimiento total.

La canción de mi vida

2010-11-30T20:13:00.000-08:00

No sé exactamente qué tiene "Disco 2000" que me gusta tanto. Quizás su riff que te atrapa desde un principio, el coro tan romántico, los versos con esa ironía y humor que caracteriza a Pulp, o tal vez la historia de amor eterno pero imposible, la añoranza y el deseo por alguien que nunca estará, pero que de vez en cuando nos presta un poco de atención. O quizás no sea el fondo sino la forma, pues la música y la letra me encantaron desde la primera vez que la escuché y lo sigue haciendo quince años después.

El chiste es que celebro cerrar el mes más productivo de Hedonismo & Reflexión con la canción favorita de TODA MI VIDA. Además, celebro la grandiosa noticia de su inminente regreso, y me alegro de las casualidades de la vida, pues esta rola vino a mí previo a momentos en que la iba a necesitar mucho. Señoras y señores, la canción de mi vida, "Disco 2000"...

Disco 2000

Nacimos con una hora de diferencia
Nuestras mamás dijeron que podríamos ser hermanos
Tu nombre es Deborah, nunca te sentó bien
Y decían que cuando creciéramos, nos casaríamos sin separarnos
Oh, nunca lo hicimos, aunque muchas veces lo pensé
Oh, Deborah, ¿lo recuerdas?

Tu casa era muy pequeña, con astillas en las paredes
Cuando pasé a saludar ni siquiera me notaste
Y dije: hay que encontrarnos en el 2000
Será un poco extraño siendo adultos
Te espero en la fuente a las dos de la tarde
Nunca supe que te casaste
No hubiera estado viviendo solo
Sólo recordando todos esos jueves y años húmedos

Fuiste en la primera en usar sostén
Y Martin decía que eras la mejor
Oh, los chicos te amaban y yo era un desastre
Tuve que verlos intentar desnudarte
Fuimos amigos y hasta eso llegamos
Te acompañaba a casa
Eso significó nada para ti porque eras tan popular
Oh, Deborah, ¿lo recuerdas?

Tu casa era muy pequeña, con astillas en las paredes
Cuando pasé a saludar ni siquiera me notaste
Y dije: hay que encontrarnos en el 2000
Será un poco extraño siendo adultos
Te espero en la fuente a las dos de la tarde
Nunca supe que te casaste
No hubiera estado viviendo solo
Sólo recordando todos esos jueves y años húmedos

¿Qué harás el domingo, nena?
¿Te gustaría salir conmigo, quizás?
Incluso puedes llevar a tu bebé

Sin palabras

2010-11-28T16:41:00.000-08:00

Y como lo prometido es deuda, les traigo la traducción de una pequeña joya incluida en el álbum clásico Band On The Run (1975), de Paul McCartney & Wings, "No Words".

"Sin Palabras"

Quieres regalar tu amor
Y terminar sin dar nada
No me sorprende que tus ojos negros
Estén contemplando

Dices que el amor lo es todo
Y lo que más necesitamos
Desearía que supieras que así de sincero
Era mi amor

Sin palabras para mi amor

Tu amor ardiente, dulce amor ardiente
Está en lo profundo
No lo debes esconder, tu amor ardiente
Dulce amor ardiente, tu amor ardiente,

Quieres voltear tu cabeza
Y alguien está pensando en ti
Desearía que supieras
Que soy sólo yo
Te amo

You Will Meet A Tall Dark Stranger, de Woody Allen

2010-11-28T15:05:00.000-08:00

You Will Meet A Tall Dark Stranger (2010) es la nueva obra de Woody Allen, mi director de cine favorito. Y como es su costumbre, nos regala una obra llena de conflictos entre parejas, infidelidad y reflexiones sobre la vida.

Y si bien regresa a estas constantes de su trabajo, también logra darle su propio carácter y personalidad, incluyendo el tema del amor en la tercera edad, es decir la suya (esta semana cumplirá 75 años).

Pero esa no es la premisa de esta cinta. Lo es, creo yo, el poder del pensamiento positivo y en tus propias creencias aún cuando todo el mundo o todas las circunstancias te indican que es mejor seguir el sentido común. En este caso, la vida castigará a los escépticos y premiará a los que son leales a sus convicciones.

Podrá sonar como algo muy serio o denso, pero es todo lo contrario. Lo que hace Woody aquí, y es por eso que millones lo adoramos, es hacernos reflexionar sobre temas serios, pero haciéndonos reír muchísimo al mismo tiempo. El humor en esta cinta es tan fino como siempre, e incluso más que en sus obras cómicas más recientes. La sala de la Cineteca Nacional no paró de reír gracias los ingeniosos y tradicionales one liners de Allen, mientras que al final aflora su visión pesimista sobre la vida.

Allen reúne a un elenco multiestelar con gente como Antonio Banderas, Anthony Hopkins, Freida Pinto y el poema de mujer Naomi Watts, pero es la veterana inglesa Gemma Jones quien se lleva esta película como Helena, la mujer que cree en los trabajos de una pitonisa, mientras que Lucy Punch también se luce en el cómico papel de Charmaine, una prostituta que le exprime el dinero a Anthony Hopkins.

Woody es el mismo de siempre, con las mismas obsesiones, los mismos conflictos desde un prisma distinto en cada obra, pero lo que más se agradece, es que su calidad sigue siendo incuestionable, lo cual queda más que demostrado con esta película -aunque en realidad no tenga que demostrarle nada a nadie.

Tetro, de Francis Ford Coppola

2010-11-28T13:38:00.000-08:00

Francis Ford Coppola, más allá del bien y del mal, presenta Tetro (2009), una obra de misterio, arte, locura, enigmas y, por supuesto, la familia.

Resulta difícil hablar de una cinta que se desplaza hacia muchas partes y que abarca demasiado. Desde la hermosísima secuencia inicial hasta los flashbacks reveladores, los fragmentos de ópera y de ballet, así como una serie de personajes muy fellinescos.

Realizada en Buenos Aires, Coppola no desaprovecha la cultura y belleza de la capital argentina, así como a uno de sus actores más finos, Rodrigo de la Serna, así como el talento latino de Maribel Verdú, quien brilla con otro personaje muy humano y compasivo pero fuerte, como el que vimos en El Laberinto del Fauno (2006). Por otra parte, Vincent Gallo y Alden Ehrenreich cargan con todo el peso de la película como Angelo (o Tetro), y Bennie, un par de medio hermanos que se reúnen a pesar de la reticencia de Tetro, y de los deseos de Bennie por conocer mejor la historia de su familia, la cual siempre ha sido un misterio para él.

Ambos hermanos viven rodeados del ambiente artístico porteño, en una actualidad atemporal fotografiada con gran maestría por Mihai Malaimare Jr., quien colabora por segunda vez con Coppola después de la ignorada Youth Without Youth (2007).

El director puede que ya esté fuera de los círculos del mainstream, que sus cintas ya no sean estrenadas con miles de copias en el mundo, lo cual es una lástima, pues en este filme demuestra, escena tras escena, porqué es considerado como uno de los más grandes. Y si bien el ritmo cojea por momentos, el ojo experto del realizador nos regala momentos de gran belleza y emoción, al tiempo que la historia va tejiendo lentamente un misterio con un final netamente operístico que no desentona con sus pretensiones de tragedia clásica.

Interesantísima obra que nos regresa al mejor Coppola tan admirado y respetado, Tetro resultó para mí todo un deleite visual que, si bien tiene fallas en su dinamismo, es una obra que para todo el que se considere cinéfilo vale muchísimo la pena revisar.

PD: No puedo dejar de mencionar el fascinante soundtrack de Osvaldo Golijov. Una obra llena de misterio y seducción que contiene, no podía ser de otra forma, el sabor del bandoneón y el tango argentinos. Una espectacular sorpresa que no hace sino enriquecer una obra de por sí muy buena.

Tender Son

2010-11-28T13:29:00.000-08:00

Al salir de la sala, antes de que terminara Tender Son (The Frankenstein Project) (2010), pensaba que he hecho esto pocas veces.

Pero haciendo más memoria, no recuerdo alguna otra ocasión en que me haya salido, y miren que si he visto muchas, muchísimas cintas aburridas. Pero el problema de esta cinta no es tanto que sea aburrida (que lo es, y mucho), sino que es una ofensa para el sentido común y de narrativa, mientras que las motivaciones de los personajes no existen en absoluto.

Y si bien la dirección es más que interesante en algunas escenas y momentos, mientras que contiene algún que otro encuadre inspirado, eso no es suficiente para soportar una película de la que nunca sabré el final, pero estoy seguro que no me perdí de gran cosa.

Band on the Run, de Paul McCartney

2010-11-22T21:41:00.000-08:00

Band on the Run (1975) es el álbum más celebrado en la carrera solista de Paul McCartney. Desde la primera canción que da nombre al disco, hasta la cerradora "1985", Paul entrega todo el espectro de su talento en tan sólo 9 tracks oficiales y otros dos incluidos como bonus desde hace mucho tiempo.

No por nada, en su gira más reciente, éste disco y el White Album (1968) son de los que más se alimentó Paul, aunque no hay que olvidar que el White Album es doble. En "Band on the Run" describe la emocionante fuga de unos presos, en "Jet" la historia de un amor prohibido, mientras que "Bluebird" es una balada sobre libertad. Aunque negado por él, en "Let Me Roll It" adoptó el estilo de Lennon haciéndolo tan bien como él. "Mamunia" habla sobre el clima lluvioso en Lagos, Nigeria, mientras hacía el disco junto a su esposa Linda y Denny Laine, los otros dos tercios de Wings. "No Words" es una hermosa balada rock de la cual pondré la traducción muy pronto, y tanto "Picasso's Last Word (Drink To Me)" como "1985" cierran el círculo muy al estilo que había impuesto desde Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967), Abbey Road (1969) e incluso en Red Rose Speedway (1973).

Esta entrada, sin embargo, es también para hablar de la nueva edición/masterización del disco, y de la versión de lujo, que adquirí después de mucho meditar sobre su elevado precio (75 dólares). Pero como siempre, Paul hizo que lo valiera.

La edición de lujo contiene el álbum con los 9 tracks originales en un disco, los dos bonus tracks y versiones de un programa especial de televisión en el disco 2, comentario de audio y demos en el disco 3, así como un DVD con los videos musicales que se hicieron, material promocional, pietaje de la realización de la icónica portada y el mencionado especial de televisión.

Pero lo que hace realmente especial a esta edición, es el libro de 120 páginas con la historia completa sobre la realización del álbum, desde su concepción hasta el lanzamiento y las reacciones de la prensa, así como las diversas portadas de los sencillos y demás material promocional, enriquecido con muchísimas fotos personales de la familia McCartney durante la factura de esta obra maestra. Resulta de gran interés conocer los problemas y desafíos para hacer un disco en África, donde apenas habían construido un estudio de sonido no muy apto para la realización de un álbum.

También se cuenta la historia del nacimiento de algunas canciones, su génesis y motivación, pero estas historias son la minoría, lo cual podría ser el único punto en contra, aunque también a veces no es bueno conocer todos los secretos detrás de los actos de magia.

Concluyendo, se trata de una obra clave en la historia del rock, y con esta versión comienza la reedición del material solista de Paul. Si el resto de las entregas están tan bien realizadas y cuidadas como ésta, estoy seguro que ningún fan de Paul quedará decepcionado. Si son incondicionales de él, ésta es la edición a adquirir, sobre todo considerando que ya bajó a 57 dólares y por lo tanto es muy probable que suceda lo mismo con las entregas posteriores. Yo no podría estar más satisfecho.

Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte, Parte 1

2010-11-21T17:12:00.000-08:00

Más que nunca, el final está cerca. Las aventuras de Harry Potter están por terminar en la gran pantalla, y el público sigue tan pendiente como al principio. Tras 4 entregas a la altura y 2 muy cuestionables, pero siempre con mucho éxito en taquilla, la primera parte de Las Reliquias de la Muerte (2010) por fin se estrenó en las salas de todo el mundo. Y la espera valió la pena.

Al principio me preocupó que tuviera ese ritmo tan soso como el de las dos películas anteriores de David Yates, pero tiene a su favor que por fin la gente se ríe en las partes donde se supone que debe hacerlo, más por el guión que por la dirección actoral de Yates que, como ha quedado ya demostrado, es nula.

Pero conforme avanza la historia, la edición va mejorando, y el hecho de que ya no haya escenas con demasiados personajes juntos hace más naturales las actuaciones de nuestros tres héroes. Daniel Radcliffe y Emma Watson se desempeñan como nunca antes, mientras que Rupert Grint lo hace tan bien como en todas las entregas anteriores.

Lo comentaba en mi entrada sobre la cinta anterior a esta: el séptimo libro de la saga es tan bueno que resultaría imposible tener un mal filme, y a mi parecer así fue. Pero incluso las libertades creativas del guionista no resultan tan contraproducentes, pues la escena del baile improvisado es, a pesar de forzada, una de las más memorables de esta obra.

Como en toda cinta de Harry Potter, la acción y la aventura no podían faltar, y en este caso está muy bien desarrollada sobre todo en la parte en que nuestros tres héroes tienen que infiltrarse en el Ministerio de Magia, así como en la persecución de los carroñeros.

Además, el director nos tiene preparada una sorpresa por la manera en que explica la leyenda de las Reliquias de la Muerte, utilizando un recurso nunca antes usado en la saga, pero que va muy acorde al momento en que es contado en el libro, y tanto la entrada como la salida son desarrolladas con elegancia.

Sin embargo, la mejor escena tiene lugar cuando Ron describe las cualidades extras del artefacto que le dejó Dumbledore. Simple y sencillamente uno de los episodios más conmovedores de los siete libros, y que tanto Grint como Watson y Radclife reproducen a la perfección, considerando que el guión es idéntico al gracioso y bello diálogo que escribió J.K. Rowling.

Muchos se han enfocado en el "tono oscuro" que va adquiriendo la historia, olvidando o ignorando que éste ha sido constante en los libros desde el segundo tono. Una oscuridad mezclada con la melancolía y tribulaciones siempre presentes en la mente de Potter, que fue determinante para que lograra que millones de personas lo hayan acompañado en su travesía, desesperados por saber cómo, y si es que lograría su objetivo. El acierto en esta entrega cinematográfica es que ya no teme como antes adentrarse en esos momentos no tan "aptos para niños", mostrando también la capacidad del mal.

Traté de escuchar con atención el trabajo del compositor Alexandre Desplat, pues es sin duda uno de los mejores compositores de la actualidad, y no sé si por algún defecto de mezcla o de proyección, su trabajo es apenas perceptible y sútil en contados momentos del filme. Sin embargo, ya escuché prácticamente la totalidad del filme, y no hice más que confirmar el enorme talento de Desplat para las armonías lentas pero poderosas, y quedé gratamente sorprendido de que también puede hacer piezas más estruendosas y de acción. Cuando John Williams dejó la saga, no creí que pudiera volver a interesarme mucho la música de Harry Potter, pero la arriesgada selección de un grande como Desplat es un punto a favor de los productores, pues es un trabajo extraordinario, simple y sencillamente fantástico, como nos tiene acostumbrados.

Ahora, no nos queda más que esperar hasta julio del 2011 para la parte 2, de la cual ahora sí espero grandes cosas, pues el buen sabor de boca de esta parte, aunado a saber lo que está por pasar, no me deja duda de que será un gran cierre definitivo para la historia de este mago que durante más de una década ha cautivado a centenas de millones de personas alrededor del planeta.

Amadeus, de Milos Forman

2010-11-21T16:22:00.001-08:00

Amadeus (1984) es una de las cintas más celebradas en la historia de Hollywood por su gracia y originalidad al tomar la vida de unos de los artistas más celebrados del mundo e inventar toda una historia que mezcla la historia con la ficción de una manera melodramática llena de risa, música, intrigas, amor y música maravillosa. Una fórmula prácticamente infalible, lo cual quedó demostrado cuando se llevó ocho Óscares, incluyendo Mejor Película, Director y Guión Adaptado.

En verdad es una cinta indeleble, pues en lo personal sólo la había visto una vez hace mucho tiempo, pero siempre conservé en la memoria imágenes como la de Mozart escribiendo en una mesa de billar, o Salieri escuchando en su mente la música que leía en los pentagramas.

Ahora pude revisarla en Blu Ray y me encantó la manufactura de una producción épica por los escenarios, maquillaje, vestuario y ambientes que se tuvieron que recrear. Esto, junto a una fotografía y guión realizados con maestría, hacen que no se sientan las tres horas de duración de la película, pues la edición que vi es el corte del director, y desconozco cuáles fueron los 20 miuntos agregados, por lo cual no puedo decir si pudieron ahorrárselos después de todo.

Las actuaciones de F. Murray Abraham como Antonio Salieri y de Tom Hulce como Mozart son casi casi legendarias. Éste lleno de alegría e inspiración, mientras que aquél lo está de rencor y envidia. Y sin embargo, comparten muy pocas escenas en toda la cinta, lo cual hace bastante especial la última en que aparecen juntos por lo efectivo del guión pero, sobre todo, por la autenticidad de los histriones.

Esta edición contiene un librillo de 40 páginas con datos e información sobre la película, la mayoría de los cuales también aparecen en un muy buen making of de una hora de duración. Además, contiene un disco compacto con una hora de música de Mozart, la cual, obviamente, está incluida en el filme.

La cinta es imperdible, y si tienen Blu Ray, vale muchísimo la pena que adquieran esta sencilla pero elegante edición.

Los gatos persas, de Bahman Ghobadi

2010-11-21T15:16:00.000-08:00

Los Gatos Persas (2009), de Bahman Ghobadi, ha sido una grata sorpresa en esta 52 Muestra, considerando que la única cinta que había visto del realizador, (Las Tortugas Pueden Volar, 2004) a pesar de ser muy celebrada a nivel mundial, a mí me aburrió muchísmo.

En esta ocasión, Ghobadi presenta la historia de Negar y Ashkan, una chica y un chico que necesitan formar una banda para poder viajar a Londres y cumplir con una presentación que lograron agendar. Para ello, recorrerán toda Teherán buscando a los miembros apropiados de su nueva banda, mientras un contacto callejero intenta conseguirles las visas y pasaportes falsos, ya que el Ministerio de Censura iraní jamás se los otorgaría, y tener todo listo a tiempo para el gran viaje a Londres.

De manera casi documental, pues en la cinta aparecen bandas y músicos reales -incluidos los dos protagonistas, Ghobadi nos presenta una ciudad riquísima en expresión musical, pero que debe luchar contra la censura y la persecución, simplemente porque no se amolda a las tradiciones. Ahí radica la belleza de este filme: la prevalencia del espíritu y la pasión contra todos los obstáculos, enriquecido con música excelente de varios géneros, una fotografía cruda que encaja con esta historia netamente urbana, y la magnífica actuación de Hamed Behdad como el contrabandista Nader, el clásico personaje que conoce a todo mundo, sabe sobre todo y que no se puede quedar callado.

También resalto la sencilla pero bellísima escena en que la naciente banda comparte el pan y sus sueños de vida. Sueños que podrían darse por sentados para los habitantes de muchos habitantes de este planeta, pero que para estas personas, en la vida real, son todo un reto y una ilusión. Una lección de perspectiva donde las haya.

PD: Pueden leer una interesantísima entrevista con los protagonistas de esta cinta aquí, donde habla de la prohibición en Irán de toda la música no autóctona. Pero tengan cuidado, pues tiene un spoiler en el penúltimo párrafo, así que no lo lean si no quieren saber el final.

De hombres y de dioses, de Xavier Beauvois

2010-11-21T14:58:00.000-08:00

Continuando con la 52 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional, vi Des hommes et des dieux (2010), de Xavier Beauvois. O mejor dicho, intenté verla, porque me noqueó como un poderosísimo somnífero de épicas proporciones. Quizás fue la comida, o que dormí mal, pero el hecho de que mi compañía se haya dormido también habla mucho de lo que se proyectaba en la pantalla.

Bien es sabido que el ritmo del cine europeo es muy distinto a la edición rápida de Hollywood y de casi todo el cine occidental y comercial, pero Beauvois exagera al poner a monjes meditando en pleno silencio, y repetidamente cantando lo que popularmente se llaman cantos gregorianos, y que ignoro si sea el nombre correcto.

Fue una lástima, pues la trama daba -y tiene sus momentos-, de reflexiones interesantes sobre la fuerza de la vocación de los principios. Lástima que tantos momentos muertos, soporíferos y repetitivos den por resultado una cinta con tan mala narrativa.

Mystery Guitar Man

2010-11-19T09:05:00.001-08:00

Hey! Acabo de descubrir el canal de YouTube de este tipo, tiene mucha imaginación y es muy bueno en lo que hace, si pueden chequen más de sus videos.

Hahaha, de Sang-Soo Hong

2010-11-16T21:24:00.000-08:00

Hahaha (2010), de Sang-Soo Hong, es una película surcoreana con un título muy arriesgado, y que cumple a medias con su intención de ser una cinta de muchas risas. Quizás lo sea, pero tampoco como para arrancar carcajadas ni mucho menos.

La trama se basa en una plática de amigos que se reúnen y platican sobre su verano, sin saber que coinciden en muchos de los escenarios y personajes de sus historias. Y sin embargo, la comedia proviene de actuaciones bizarras y actitudes también muy extrañas de los personajes y no de la trama en sí misma, que rápidamente ve agotada su premisa, y tampoco desencadena en un buen clímax en que las historias se crucen realmente.

Tiene reflexiones sobre la vida que se sienten demasiado forzadas dentro del tono general de la cinta, que está dentro del absurdo.

Una de las fortalezas de la cinta es que los personajes están muy bien definidos y la dirección da muestras de imaginación y creatividad basados en la sencillez.

En general, Hahaha tiene cierto encanto que ejerce durante la primera mitad pero que, repito, poco a poco se va agotando hasta cansar y terminar más con pena que con gloria.

Rabia, de Sebastián Cordero

2010-11-14T19:25:00.000-08:00

Un inmigrante ilegal en España comete un grave delito accidentalmente, así que decide esconderse en la mansión donde su novia trabaja como ama de llaves, sin que ni siquiera ella se entere, aislándose así de cualquier tipo de contacto humano.

Esta es la premisa de Rabia (2009), la cual me llevó a acudir a una sala de cine donde estuve solo como por diez minutos, hasta que llegaron... dos personas. Una lástima ver tan poca convocatoria para una cinta que, sin ser espectacular, sí vale la pena ver por su muy efectiva dirección, un guión inteligente y otra gran actuación de Gustavo Sánchez Parra, quien es los ojos del público para conocer los secretos de esta gran casa.

Con momentos de suspenso y emotivos, Rabia logra escapar a la claustrofobia que podría señalar su premisa. Obviamente, para toda película donde más del 97% de las cosas suceden en una misma locación, un guión dinámico e inteligente es necesario para sacar a flote la historia, y el guión del director, quien adapta la novela homónima del argentino Sergio Bizzio, lo logra.

La transformación física de Sánchez Parra para esta cinta es sobresaliente, sobre todo porque la vemos suceder a lo largo de la historia, y que nos recuerda la que Christian Bale hiciera para El Maquinista (2004), aunque esta es más severa aún.

Para mí, esta cinta habla de un amor muy especial, o al menos de una fantasía que seguro muchos de nosotros hemos tenido alguna vez en la vida. Y es la de poder observar y escuchar en todo momento a la persona que queremos, que amamos, una especie de vouyerismo no malsano sino romántico, aunque en este caso el observador es un fantasma que no puede tocar ni hablarle a su amada (la extremadamente hermosa y talentosa Martina García como la mujer que también debe enfrentar grandes pruebas a través de la historia).

Y así, a su manera, tan lejos y tan cerca, estos dos personajes logran estar juntos, separados por la rabia, pero unidos por su amor.

Somewhere, de Sofia Coppola

2010-11-14T19:10:00.000-08:00

Somewhere (2010), de Sofia Coppola, podría ser la primera gran película sobrevalorada del año. O quizás después de todo no será tan valorada, aunque por el momento ha recibido muy buenos comentarios. Ignoro el porqué. Pero por lo pronto la perfilan para la temporada de premios.

Y la verdad no quiero comentar mucho, me da la misma hueva que a la Coppola por hacer un guión con sustancia, que no decide si ser una sátira muy simplona de la vida de una estrella de cine que arranca unas dos o tres risas aquí y allá, o una historia de autodescubrimiento que, aunque nos quiera engañar, nos lleva directito hacia ninguna parte. Y que conste que iba con ganas de que me gustara.

Seguir Siendo, con Café Tacvba

2010-11-13T17:14:00.001-08:00

Difícil, muy difícil hablar de Seguir Siendo (2010) con objetividad, pero lo intentaré. Seguir Siendo es el documental sobre Café Tacvba, la mejor banda en la historia del rock mexicano. Así de simple y sencillo.

Dirigida por Ernesto Contreras, conocido -espero- por la grandiosa Párpados Azules (2007) y por un tal José Manuel Cravioto, este trabajo sigue a la banda durante dos años, desde la realización del álbum Sino (2007) hasta el último concierto de la gira "20 Años, 20 Ciudades" ante más de 55 mil personas en el Foro Sol de la Ciudad de México.

Pero no sólo eso, también hace un recuento de los ya 21 años de carrera de Rubén, Meme, Joselo y Quique, apoyado por el material que la misma banda se encargó de conservar, a pesar de que, como dice Meme, "no tenían ni idea de lo que estaban haciendo".

Por otra parte, recoge las opiniones de personas que han tenido la oportunidad de trabajar con ellos, comparándolos con los grandes entre los grandes (y mejor no les digo con quiénes para no arruinarles la sorpresa). Y además nos muestra a las personas del círculo más cercano a la banda (sección que pudo ser obviada fácilmente). Más importante aún, la cinta plantea la cuestión: "¿cómo le han hecho para estar juntos después de tanto tiempo?", y la respuesta suena sencilla, pero con creatividad artística y respeto entre ellos.

Momentos íntimos en estudio, en el camión de las gira, en el avión, hotel y calles de Japón, en las casas de los tacubos, videos personales... son tantas cosas las que contiene este documental, que seguramente dejará boquiabierto al espectador ocasional, pero también contiene datos e información nueva y relevante para el aficionado a morir, como yo.

Y somos nosotros, los que hemos estado junto a ellos durante todo este tiempo, quienes puede que disfrutemos más que nadie esta obra, al recordar tantos conciertos donde estuvimos, firmas, canciones, entrevistas, fotos, historias personales y de toda una generación, pues en verdad Café Tacvba es la banda más popular y arraigada entre la juventud mexicana; todas las canciones que suenan en este documental demuestran porqué, y nos dan ganas de que Café Tacvba siga siéndolo por mucho tiempo más.

This is hardcore...

2010-11-10T21:28:00.000-08:00

Aaaah, una de las mejores noticias en mucho, mucho, mucho, muuuuuuuuuuuucho tiempo.

"Se anunció que Pulp volverá a presentarse en vivo durante el festival Primavera Sound en Barcelona el 27 de mayo de 2011 y durante el Wireless Festival londinense el 3 de julio. Así, después de ocho años desde el último concierto en diciembre de 2002, la banda regresará con su formación original constituida por Jarvis Cocker, Nick Banks, Candida Doyle, Steve MacKey, Russell Senior y Mark Webber que no sube al escenario desde 1996. "

Estoy extático...

Fito Páez en el Auditorio

2010-11-07T21:11:00.000-08:00

Hace aproximadamente tres años me enviaron a una entrevista como lo hacían diario muchas veces, pero aquella ocasión era distinta. Tenía que entrevistar a Fito Páez. Estaba nerviosísimo, no era lo mismo entrevistar a ídolos de barro que a un verdadero artista con todas las ley, y además uno del que conocía y sabía muy poco en general. Obviamente así no llegué a la entrevista, sino que iba preparado con información de su carrera en general y del disco que promocionaba en ese entonces: El mundo cabe en una canción (2007).

Esperaba a un divo, a un prepotente, a un mamón. Pero con su personalidad y sencillez se disiparon mis nervios y al final quedé más que encantado con Fito.

A los pocos días pude ver dos canciones en vivo en el Metropolitan ("Enloquecer" y "11 y 6"), y la fascinación continuó meses después en el Festival de Viña del Mar, donde por primera vez vi un concierto completo... y continuaba fascinado.

Después pude conocer más canciones gracias a su disco de éxitos, el estupendo en vivo No sé si es Baires o Madrid (2009) y Confiá (2010). Es por eso, y otras razones, que esperaba con ilusión el concierto del 6 de noviembre en el Auditorio Nacional, donde presentó Confiá y celebró al mismo tiempo 30 años de carrera. Fue un concierto bastante peculiar...

Enfundado en un traje blanco con corbata plateada, abrió con las dos mejores canciones de su nuevo disco: "Tiempo al tiempo" y "Confiá", que fueron recibidas por un frío Auditorio sentado, el cual se mantuvo así durante como cuatro o cinco canciones más (incluida la grandiosa "Llueve sobre mojado") el cual reaccionó hasta que Fito anunció a Armando Manzanero, aunque a mí no me entusiasmó mucho, pues verlo en vivo es un martirio.
Y así lo fue mientras cantaron "Esta tarde vi llover"-obvio, de Manzanero seguida de "Yo vengo a ofrecer mi corazón". Pero lo más relevante fue que, en estas dos canciones, Fito se quedó sin voz. Empezó con un gallo tremendo, luego tosiendo, y en una parte ya de plano abrió la boca y no salió nada. Bien por Manzanero que aguantó y tuvo que sacar adelante las canciones, y lo hizo mucho mejor con la de Páez, como respetando el trabajo ajeno.

"Esperemos que vuelva la garganta", dijo Fito, e intentó solucionarlo poniéndose una gran bufanda que al parecer le funcionó y se quedó ahí el resto de la noche. "Es la primera vez en mi carrera que me quedo afónico a medio concierto", contó casi despreocupado, como si fuera cualquier cosa.

Poco después invitó a la mitad de Café Tacvba, Quique y Meme, con quienes cantó "Eres". Sonó muy bien en voz de Fito, quien ya estaba recuperado, y a mí me tomó de sorpresa, nunca creí que cantaría una de ellos, y como fan incondicional de Café Tacvba, me hizo muy feliz. Luego cantó con ellos la para mí desconocida "Bello Abril" y eso fue todo para los satelucos.

Para entonces ya había vencido la frialdad inicial del público, quien cada vez estaba más entregado y agradecido con el comentario "Me están tirando tan buena leche que ya volvió la voz". Y después de un set acústico que incluyo temas como "Naturaleza Sangre", "Circo Beat" y la nueva "El Mundo de Hoy" (donde se inventó un pasito de baile bastante gracioso) invitó al escenario al ajonjolí de todos los moles en México, Julieta Venegas, quien vestida de negro se lució con "Un Vestido y un Amor" y a mí me dejó con ganas de más, pero fue la primera -y a la postre única- invitada que sólo cantó una vez con Fito.
Quizás fue porque seguía el set rockero que tuvo a "La Rueda Mágica", "Al Lado del Camino" y "El amor después del amor". Fue en esta última donde apareció Susana Zabaleta rockeando más que nada como corista y haciéndolo muy bien sin sus tradicionales protagonismos.

Luego el primer gran final con "A Rodar", uno de sus temas más populares. Tras dejar el escenario, la gente coreaba su nombre como en un partido de futbol, y celebraron al verlo regresar, ahora vestido con tennis, camisa polo roja y jeans y chamarra de mezclilla. Entonces llamó al escenario otra vez a la Zabaleta para otra versión de "Yo vengo a ofrecer mi corazón" que ya había intentado cantar con Manzanero. Susana cantó como si fuera una aria y para mí sonó de la chingada, y además impregnó su actuación -ahora sí- de su protagonismo cachondo-patético, tirándose al suelo al final para que Fito la acompañara y la abrazara y terminaran dándose un beso en la boca. Además, al final intentó improvisar un poco y recibió como respuesta un "¡Cállate!" de una mujer en el primer piso, al menos esa mujer y yo opinamos lo mismo, y creo que fue el sentir general del público.

La segunda pieza del encore fue nada más y nada menos que "Dar es dar", para terminar poniendo a todos a brincar y cantar con "Mariposa Teknicolor", la cual por primera vez lo veía cantar sin que él tocara el piano.

Y así, tras treinta piezas y dos horas y media de concierto, Páez recordó de nuevo el episodio de la afonía y agradeció la buena vibra del Auditorio Nacional, el cual comenzó a vaciarse rápidamente. La gente salió a la fría noche. Ya habrán más ocasiones que compartir con el buen rosarino.

PD: Mil gracias a Óscar por obvias razones y por las fotos que engalanan esta entrada (¡dénles click para verlas más grande!)

Scott Pilgrim vs The Word, de Edgar Wright

2010-11-07T17:42:00.000-08:00

Con Scott Pilgrim vs The World (2010), el inglés Edgar Wright vuelve en su primer proyecto con capital de un gran estudio de Hollywood, tras sus exitosas cintas cada vez más populares y menos de culto Shaun of the Dead (2004) y Hot Fuzz (2007), siendo la mejor y la más popular la primera.

O quizás lo era, pues con esta nueva película, Wright fue por todo y sin miramientos. Me pareció más graciosa que sus cintas anteriores, con los diálogos bizarros de siempre pero mucho mejor desarrollados por un muy buen elenco encabezado por Michael Cera en el mejor papel de su carrera, pues por primera vez lo vemos interpretar a un personaje y no a sí mismo.

Si acaso el único "pecado" de esta cinta es que es demasiado "especializada" no sólo para una generación, sino para un nicho poblacional no muy grande: el de los geeks y, si acaso, el de los cinéfilos. Su corrida en Estados Unidos lo probó, pues le fue muy mal en taquilla, pero la crítica la trató muy bien.

Y con razón, pues Wright usa como nunca su imaginación para lo visual y con la ayuda de muy buenos efectos basados en el lenguaje de los cómics y los videojuegos. Es así como Scott Pilgrim tiene que pelear contra los siete ex novios malignos de la chica de sus sueños, Ramona Flowers, y dichas peleas son al más puro estilo... de los cómics y videojuegos.

Es ahí donde creo que perdió a las grandes masas, pues no creo que éstas puedan disfrutar o entender bien porqué suceden muchas cosas que incluyen también referencias de cine y televisión como las que se hacen a Fight Club (1999) y Seinfeld (1989-1998), por ejemplo. Y aunque como comedia se sostiene por si misma, la forma aquí es mucho más fuerte que el fondo, y quizás eso aleje al espectador casual. Sin embargo, el público al que está destinado seguramente la disfrutará y revisará más de una vez, puesto que tiene todo lo que mi generación disfruta: muy buen rock (a cargo nada más y nada menos que de Nigel Godrich), chicas hermosas, acción, risas y grandes efectos visuales, mientras el director logró una gran película con un look total de cómic, el segundo en hacerlo después de Frank Miller con Sin City (2005).

En un tema relacionado, me gustaría hablar de lo popero que se está volviendo el séptimo ARTE, o mejor dicho, su cobertura mediática. Si bien el cine es una forma de entretenimiento - quizás la más importante después de la música -, muchos se están olvidando que no todo es taquilla. Sí, cintas como la que reseño aquí, el Batman de Nolan y Kick-Ass (2010) son casos de éxito, pero también hay muchas porquerías que no valen la pena como el Hombre Araña, Watchmen (2009), y el próximo proyecto de Vengadores, y que sin embargo se les dedica demasiada tinta, demasiados bytes, demasiada atención desproporcionada.

Ya lo dice Woody Allen en una entrevista publicada en el libro que reseñé hace poco: la gente cada vez se apasiona y acerca menos al cine de calidad y de autor, ¿cuántos saben, por ejemplo, de los proyectos de Francis Ford Coppola?, ¿o están atentos a lo que pase en Cannes? Ahora parece que Comic-Con es el evento no sólo geek por excelencia, ¡sino de toda la industria!

No digo que sea algo imperativo para todos, pero al menos los medios sí deberían prestarle atención a ello y ofrecer esas opciones. No todo es pop culture, hay que luchar un poco contra los fines comerciales y recordar porqué escogimos esta carrera tan hermosa que es comunicar, comuniquemos lo bueno, venga de donde venga, no lo que nos deje más a unos cuántos. Está en nosotros.

Harry Potter y El Príncipe Mestizo

2010-11-07T16:54:00.000-08:00

Si ya con La Orden del Fénix (2007) el director David Yates comenzaba a preocupar a los fans de Harry Potter, con la siguiente parte, El Príncipe Mestizo (2009), confirma que no está a la altura de una saga tan importante y de calidad como la escrita por J.K. Rowling.

Y es que aquí se repiten una tras otra escenas con muy mal ritmo y, sobre todo, con una pésima dirección de actores. Y me refiero al talón de Aquiles de esta serie de películas, que es precisamente sus protagonistas. Emma Watson puede ser una hermosura, pero su cara y sonrisa se quedan solas sin una adecuada dirección, mientras que Daniel Radcliffe ya ha demostrado en la televisión británica que lo suyo es la comedia. Rupert Grint, por otra parte, vuelve a comerle el mandado a sus compañeros, y bien podría convertirse en un ícono de la comedia. Y sin embargo, los tres ya habían funcionado previamente, anteponiendose a sus limitaciones, incluso con Chris Columbus en las dos primeras partes, lo cual demuestra que el problema es Yates, quien estaría totalmente perdido de no ser por su fotógrafo.

Bruno Delbonnel es el encargado de la fotografía, haciendo su trabajo a la maravilla y dando las texturas e iluminaciones precisas para cada momento del filme. Para mayores referencias, el francés fotografió Amelie (2001), trabajo que recientemente fue calificado como la película mejor fotografiada entre 1998 y 2008 nada más y nada menos que por la revista The American Cinematographer, una de las más importantes en la industria.

El otro salvador del director es el equipo de efectos visuales, pues éstos son de nuevo espectaculares y siguen progresando cinta tras cinta. Toda la secuencia en que Harry y Dumbledore van en busca del primer horrorcrux es una maravilla junto a la fotografía de Delbonnel y la actuación de Michael Gambon.

Si algo tiene Yates es que es constante. En La Órden del Fénix mostró competencia para las secuencias de acción y aquí lo hace de nuevo. El problema para él es que el sexto libro del mago más popular del mundo no tiene demasiada en comparación con el resto de las entregas, es más un libro preparatorio para el final, y es por eso quizás que se inventa una escena en que la casa de los Weasley es destruida, y también recurren al quidditch para poner un poco de adrenalina a este filme.

El resto de la historia tiene los defectos ya mencionados, y por mucho que quise que me gustara viéndola por segunda vez, saltan tanto a la vista que es imposible ignorarlos.

Pensando de manera más optimista, las dos siguientes entregas son pura acción sin parar, así que ya no hay pretextos para que no nos entreguen dos películas al menos la mitad de buenas como lo es el gran final de Harry Potter. (¡Faltan sólo 10 días, yeeey!)

PS: Los extras en el DVD y BD son muy buenos, en especial un documental de 49 minutos sobre el último año en que J.K. Rowling escribió Las Reliquias de la Muerte (2007). Muy buen trabajo de producción en todos sus sentidos.
PS2: ¡Dénle click a la imagen y obtengan un fabuloso wallpaper de una de los mejores momentos de toda la saga!
PS3: ¡También a la otra!

Soy o Estoy

2010-11-06T13:29:00.000-07:00

Una de mis canciones favoritas del Cuarteto de Satélite, jejeje.

Pero nunca la han tocado en vivo los muy... me encanta. Es del Cuatro Caminos

One flew over the cuckoo's nest, de Milos Forman

2010-11-05T18:11:00.000-07:00

La reputación antecede a esta obra magna del cine contemporáneo. Una de tan sólo tres películas en ganar los cinco Óscares principales (Película, Director, Guión, Actor y Actriz); número 20 entre las mejores 100 películas de los Estados Unidos en el primer centenario del cine según el American Film Institute; y número 9 entre las mejores 250 películas según IMDB.com, el sitio de Internet por excelencia para los cinéfilos de todo el planeta.

Estoy hablando, por supuesto, de One Flew Over The Cuckoo's Nest (1975), de Milos Forman, y protagonizada brillantemente por Jack Nicholson y Louise Fletcher, quienes protagonizan una de las mejores historias de lucha por el poder en un microcosmos bastante peculiar -dentro de un manicomio-, y donde también se da una pelea por la libertad del espíritu.

Entre dos pulmones

2010-11-04T21:52:00.000-07:00

No puedo empezar a describirles en qué tan poco tiempo he empezado a adorar la música de esta mujer, que apenas tiene un disco y ya ganó el Brit Award como Disco del Año y cantó en Glastonbury y que es de lo más chingón e increíble que he escuchado en todo el año junto. Espectacular mujer.

Entre dos pulmones

De entre dos pulmones se liberó
El aliento que me llevó
El suspiro que me sopló hacia adelante

Porque estaba atrapado
Atrapado entre dos pulmones
Estaba atrapado entre dos pulmones

Y mis pies corredores podían volar
Cada aliento gritando
"Somos demasiado jóvenes para morir"

De entre dos pulmones se liberó
El aliento que pasó de ti hacia mí
Que voló entre nosotros mientras dormíamos
Que resbaló de tu boca a la mía
Se arrastró entre dos pulmones y se liberó

Porque estaba atrapado
Atrapado entre dos pulmones
Estaba atrapado entre dos pulmones

Ahora los días de mendigar, los días de robar
No más jadeos por un aliento
El aire me ha llenado de pies a cabeza
Y puedo ver el suelo debajo a lo lejos

Tengo este aliento y lo sostengo fuerte
Lo guardo en mi pecho con todo mi poder
Ruego a Dios que este aliento dure
Mientras empuja a través de mis labios
Mientras jadeo
Jadeo

¡Muestra!

2010-11-03T20:47:00.000-07:00

Esta muestra viene con grandes, grandes directores como Godard, Buñuel, de Oliveira, Coppola, Campion, Kiarostami y, el más grande de todos, ¡Woody Allen!

De nuevo, la Cineteca se luce al poner todas las cintas seis días a la semana, y todas con funciones en fin de semana.

Será un mes inreíble, ¡¡y empieza hoy!!! Perdón por la tardanza. Horarios aquí.

Paprika, el reino de lo onírico

2010-11-02T18:41:00.000-07:00

Paprika (2006) es un anime sobre un grupo de psicoanalistas que deben recuperar un invento suyo robado por un terrorista: una innovadora máquina para entrar en los sueños de las personas.

Así, los científicos deberán entrar en el sueño de una persona afectada e invadida por el terrorista, siguiendo su rastro, combinando los sueños y ayudados por una mujer experta en estos casos, Paprika.

Si les suena parecida a Inception (2010), es porque lo es. Bastante. Quizás sea algo bueno, pues tal vez así más personas buscarán acercarse a esta obra que compitió en el Festival de Venecia. Otro aspecto en que se parecen es que, por muy innovadoras e increíbles visualmente que puedan ser, las dos se extravían en lo complejo de sus tramas.

Y también como en la cinta de Nolan, la de Satoshi Kon encuentra su fortaleza precisamente en la ambición por mostrar algo diferente en la pantalla grande, así como en el terreno visual y varias secuencias visualmente fantásticas que nos regala.

Recomendable para todos los fans de la ciencia ficción y de autores como Gibson y K. Dick. Seguro que les gustará. La cinta está basada en la novela de Yasutaka Tsutsui, autor desconocido para mí, pero que al parecer ha tenido mucho éxito en Japón.

PD: En el extra de la realización del filme, simpaticé mucho con el director Satoshi Kon y su forma de ser y trabajar. Sin embargo, al investigar para escribir este texto, me enteré de que murió el 24 de agosto de este año, víctima de cáncer pancreático. Por esa razón, esta entrada está dedicada a él. Descanse en paz.

Yo no vengo a decir un discurso, del Gabo

2010-11-01T11:37:00.000-07:00

Honestamente, cuando la semana pasada se dio a conocer que saldría este libro, sentí un poco de indiferencia y desilusión, puesto que se trata de una recopilación de discursos de García Márquez no me queda claro si todos, y en las notas del libro tampoco queda aclarado, pero creo que sí. En todo caso, mi desazón se debía a que no presentaba nada nuevo en realidad.

Sin embargo, no pude más que caer hipnotizado por enésima vez en la prosa del Gabo (como le dicen quienes le admiran y quieren, entre quienes me incluyo). Me llevé muy gratas sorpresas, nuevas historias y anécdotas combinadas con otras conocidas, pues he leído casi todo lo escrito por el colombiano.

Teniendo eso en consideración, encontré en este libro un interesante equilibrio entre el Gabo periodista y el Gabo novelista y cuentista, dependiendo de la ocasión de cada discurso. Mientras en unos puede dar cifras de la FAO y la UNESCO sobre la pobreza y el desastre ecológico, en otros cuenta historias emotivas sobre sus amigos Álvaro Mutis, Julio Cortázar y Belisario Betancur, así sobre cómo empezó a escribir. Tampoco podían faltar aquí los que sin duda son los discursos más famosos que ha dado: el que dio cuando recibió el Premio Nobel en 1982, un llamado al mundo a comprender a América Latina, así como el del I Congreso Internacional de la Lengua Española en 1997, donde invitó a deshacernos de los acentos y toda la ortografía en general, levantando mucha polémica en su momento.

Otros temas son la carrera de periodismo, el problema del narcotráfico en la Colombia de los 80 (que inevitablemente nos remiten al México actual), el desastre ecológico y las fuerzas armadas.

Como completista de la obra de GGM, Yo no vengo a decir un discurso es una obra esencial, pero estoy casi seguro que cualquier persona podría quedar cautivada por este pequeño libro que venció mi escepticismo.

The Town, de Ben Affleck

2010-10-31T18:53:00.000-07:00

The Town (2010) es la segunda cinta a cargo de Ben Affleck, quien poco a poco va venciendo los estigmas de un actor carita pero bastante maleta, para convertirse en un director interesante.

En esta ocasión, cuenta con muy buen ritmo un thriller de policías y ladrones con la hermosa Boston como telón de fondo, tal y como hiciera Scorsese en The Departed (2006).

Affleck cumple con creces en su papel protagónico, considerando que todavía no es un gran actor ni mucho menos. Tampoco le beneficia en lo personal, pero sí a la cinta, tener enfrente al sorprendente Jeremy Renner, a quienes las masas conocimos hace apenas un año con la multipremiada The Hurt Locker (2008). Renner entrega otra gran actuación en un papel un poco similar al de la cinta mencionada, en el sentido de que es alguien impredecible y arrojado, con un dejo de peligrosidad pero también de nobleza.

La otra compañía de Affleck es Rebecca Hall (la hermosísima Vicky en Vicky Christina Barcelona (2008)) como la mujer que se involucra con él ignorando que su encuentro no ha sido fortuito, puesto que él la busca con otros fines.

En ese sentido, la historia romántica no es precisamente original, pero es contada de buena manera, lo cual sumado a la historia policiaca y las muy bien ejecutadas escenas de suspenso y acción, dan como resultado un par de horas entretenidas pero que tampoco dejarán una huella imborrable en el espectador.

Florence + The Machine

2010-10-30T12:58:00.000-07:00

Esta mujer es una esperanza para todos los amantes de la buena música. Pronto, más sobre ella...

Biutiful, de Alejandro González Iñarritu

2010-10-29T20:13:00.000-07:00

Biutiful (2010) es el cuarto filme de Alejandro González Iñarritu, - "El Negro" para sus cuates, entre los que no me incluyo, jaja-, y el primero que realiza sin su ex pareja creativa en el guión, Guillermo Arriaga.

Y aunque se suponía que sus anteriores trabajos concluían la Trilogía del Dolor, en Biutiful González vuelve a caminos sombríos,pero filmados con mucha inteligencia y belleza.

De la mano de Javier Bardem, cuenta la historia de Uxbal, un catalán que debe luchar para mantener a sus dos hijos por cualquier medio que tenga a su alcance, incluso aunque no sea lícito, como organizar a inmigrantes ilegales para que vendan piratería o se dediquen a la construcción. Por otra parte, debe lidiar con su ex mujer, quien jura que ha vencido su bipolaridad y quiere comenzar de nuevo.

Explorando lo cosmopolita de Barcelona, pero evitando al mismo tiempo idealizar o romantizar a la ciudad, al principio parecía que Iñarritu quería contar otro Babel, otra declaración como ciudadano del mundo, pero no es así, es una historia más intimista a lo 21 Gramos. Y si bien Bardem siempre se me ha hecho un poco sobrevalorado, aquí brilla con luz propia en el papel de una persona que hace lo que puede por mantener a sus hijos, y que al mismo tiempo intenta ayudar un poco a los demás, sin contar con que el destino le tiene preparada una desagradable sorpresa.

Sin embargo, en el camino la historia pierde un poco su rumbo. Iñarritu abusa de simbolismos y anécdotas que hacen repetitivo su mensaje, mientras que toda la historia relativa a la esposa pudo haber sido mejor llevada, o incluso suprimida en pos de economía de tiempo, ya que la película tarda en llegar a su nudo.

Es precisamente en el desenlace donde llega el momento más emotivo de esta historia, un final poderosísimo que podría conmover hasta al más cínico. Su tuviera un mejor ritmo y narrativa, estaríamos ante una obra maestra, pero tendremos que "conformarnos" con una historia inolvidable, una cinta con un nombre osado, pero que cumple con lo prometido: hermosa.

Conversaciones con un genio

2010-10-28T22:03:00.000-07:00

Conversaciones con Woody Allen (2007), de Eric Lax, es uno de los libros que más he disfrutado en mi vida. Como ya he publicado en este espacio, las cintas de Woody han sido si no una guía, una compañía de primera en mi vida, así que leer sobre el hombre que creó tantas historias cercanas a mí ha sido la mar de entretenido, emocionante y aleccionador como pseudo contador de historias que me gustaría ser.

Lo mejor y más impresionante es que abarca entrevistas del periodista Eric Lax que abarcan ¡40 años!, desde el set de grabación de Sleeper (1973) hasta el estreno de Cassandra's Dream (2007), e incluso vislumbra la realización de Vicky Christina Barcelona (2008) y Midnight in Paris (2011).

Hay gente a quien no le gusta saber los secretos detrás de los trucos de magia, e incluso yo me considero dentro de ellos la mayor parte de los casos, pero me resultó irresistible conocer los detalles detrás de las películas que más me han gustado en la vida. Y este libro abarca todo de la vida profesional de Woody en 8 capítulos inteligentemente divididos como "Guión", "Actores", "Dirección", "Música", "Montaje", y prácticamente todas las etapas en la realización de una película ya que, como buen autor, Woody se involucra en todas y cada una de ellas sin dejar nada en manos de alguien más.

Paradójicamente, aunque Allen está presente en cada aspecto de la realización, tampoco se toma las cosas demasiado en serio, y si bien hace todo lo posible porque todo quede como lo visualizó (haciendo muchos llamados posteriores a la producción en sus primeros años), una vez realizado su trabajo sólo espera poner manos a la obra en el siguiente, sin importarle la crítica ni la opinión de las demás, con la conciencia tranquila de saber que hizo lo mejor que pudo.

La diferencia es que lo mejor que puede Woody sobrepasa el promedio de lo que puede hacer un cineasta común, y esto lo logra gracias al apoyo de la gente con la que ha trabajado por ya casi 50 años. De esta manera, conocemos también los detalles de su labor con personas como los productores con los que colaboró durante más de 20 años, así como dos editores, dos fotógrafo, su coguionista de muchos trabajos Marshall Brickman y, por supuesto, las grandiosas Mia Farrow y Diane Keaton, recordándonos la hermosa labor colectiva que es el séptimo arte.

Indispensable para los fans de Woody Allen, lo van a gozar a morir, pues descubrirán cosas como cuál considera que es su peor cinta, cuáles han sido subestimadas y cuáles son sus favoritas.

Interpol en vivo

2010-10-24T16:47:00.000-07:00

Al igual que más de 80 mil personas, yo también estuve en el Corona Capital Fest, nombre mamón para un festival de rock con un muy decente cartel encabezado por Echo & The Bunnymen, James, Interpol y Pixies, según el programa oficial.

Sin embargo, para mí, esa tarde del sábado 16 de octubre sólo significaba una cosa: Interpol. Pero antes Gersom y yo, después de haber perdido por siempre y para siempre a Óscar, tuvimos que escuchar a Two Door Cinema (correctos pero monótonos), Temper Trap (decepcionantes), White Lies (muy interesantes), Regina Spektor (demasiado clavada en su rollo), James (imposible clasificarlos debido al pésimo sonido de su escenario, pero "She's A Star" sonó bien, y Echo & The Bunnymen (fantásticos, cuando empezaba a creer que haber llegado temprano había sido un error).

Y entonces, "Success" del nuevo álbum comenzó la gran noche donde no faltó prácticamente ningún clásico e incluso un par de sorpresas como "Mammoth" y "Rest My Chemistry" (¡sí!). También sorprendente pero un poco inexplicable fue escuchar las nuevas "Summer Well" y "Try It On", las dos pasaron sin pena ni gloria debido a la desesperante costumbre de la "fanaticada" mexicana de siempre quedarse con lo primero. Lo mismo podría decirse de "Lights" y "Barricade", ambas ejecutadas excelentemente por una banda bien cohesionada incluso con el nuevo bajista que, por momentos, hacía olvidar la ausencia de Carlos Dengler. En ese sentido, me sorprendió ver que Daniel Kessler tiene tanto protagonismo como Paul Banks en el escenario; ambos sorprenden y entretienen, prenden, conmueven. Sam Fogarino en la batería no se queda atrás en absoluto. Mientras avanza el concierto, la intensidad y el calor también lo hacen, gracias a extraordinarios temas como "Narc", "Evil", "C'mere", "Stella was a diver and she's always down", "PDA" y "Not Even Jail". Tras lo cual dejaron el escenario.

Entonces la incertidumbre se apoderó de todos, ya que ninguna banda hasta el momento había realizado un encore. Pero todos sabíamos que faltaban "Obstacle 1" y "Slow Hands". Muchos empezaron a irse para ver a Pixies, mientras otras veces repetían "tienen que regresar", no podían dejarnos así. Y no lo hicieron.

Volvieron para tocar "Untitled", tras lo cual vino una de las mejores reacciones del público con "Obstacle 1" -hasta el momento la mejor había sido con la jodidamente increíble "C'mere, quizás mi canción favorita de la banda-, pero tras "Obstacle 1" todos escuchamos que Pixies ya habían comenzado, incluido Paul Banks, quien se notó sorprendido. Entonces todos supimos que la siguiente canción sería la última, pasara lo que pasara, y nos preparamos para despedirlos como lo grandes que son. Estoy seguro que el suelo tembló al ritmo de Interpol y sus feligreses con "Slow Hands". Fue, realmente, un clímax como sólo una banda tan buena como ésta puede darnos. Mi espera de seis años rindió sus frutos, y no me queda más que esperar por una segunda oportunidad. El tiempo está de mi lado.
PD: A Pixies no los conozco, y gracias a la mierda de sonido, tampoco pude hacerlo esa noche, pero de que no prendieron como Interpol, no me queda duda.
PD2: Las fotos son de Óscar, gracias a quien supe que en el encore de Interpol estaban programadas cosas como "The Heinrich Manouvre","Take You On A Cruise" y "Leif Eriksson", pero es mejor ya no pensar en eso, sino en esa segunda oportunidad.

Actividad Paranormal 2

2010-10-23T21:55:00.001-07:00

Paranormal Activity 2 (2010) lleva las cosas mas lejos de lo que lo hizo su predecesora, con resultados muy parecidos.

Cuando me enteré que se realizaría esta película, no pude más que mostrarme escéptico por obvias razones. La primera cinta fue un gran éxito pero con una fórmula que desde entonces parecía que no daría para mucho.

Y la verdad es que sólo da para más de lo mismo: sustos de audio y una confianza en la sugestión colectiva. Eso es en el fondo, pero en la forma la cinta tiene un par de agradables sorpresas. La primera de ellas es la manera en que ligan este filme con la cinta original, mientras que la segunda está en las nuevas técnicas y efectos que utilizan para espantar, lo cual es bueno considerando que la historia no es nada original para los que nos gustan este tipo de historias. También es evidente y obvio que el éxito de la primera tendría que redituar en una mejor producción.

Por otra parte, creí que verla en el cine sería una buena experiencia, dado que vi la otra cinta en mi casa, pero estaba muy equivocado, puesto que me hartó que la gente se espantara tan fácil y lo demostrara haciendo tanto ruido. Habría preferido verla solo o con poca gente.

Si les gustan las historias de fantasmas, por mucho que las hayan escuchado, creo que esta cinta les agradará, es como un capítulo largo de Historias de Ultratumba, pero con mayor producción y en la pantalla grande.

Recomendable para ver, con paciencia, junto a la primera parte, y en este otoño y noche de brujas que se acerca inexorablemente...

September, de Woody Allen

2010-10-22T15:45:00.000-07:00

September (1987), de Woody Allen es un drama intimista donde un grupo de personas, sin salir de una casa, encontrarán un punto de quiebre en sus vidas.

Woody construyó la casa en un estudio y tuvo que rehacer la película en su totalidad ya que la primera versión no lo convenció. En la segunda vez, cambió de actor en 4 de los 6 papeles.

En la primera parte, la historia resulta difícil de seguir, incluso no se establece muy bien la relación entre algunos personajes. Sin embargo, en la mitad mejora gracias a una excelente fotografía en una casa donde se va la luz y los secretos comienzan a emerger. Ya para el final, Allen tiene preparadas un par de grandes sorpresas en un clímax inmejorable que eleva la calidad de la cinta en lo general.

September es un drama con todas las de la ley, casi una tragedia. No muy recomendable si buscan una cinta que entretenga o si están en la depresión. Es más -como ya dije- intimista y emocional, reflexiva y silenciosa. Una obra interesante del buen Woody, pero hasta ahí

Chica del Norte

2010-10-12T22:46:00.000-07:00

Si viajas a la feria del norte

Donde el viento pega fuerte en la frontera

Recuérdame a alguien que vive ahí

Alguna vez fue mi verdadero amor

Si vas donde hay tormentas de copos de nieve

Donde los ríos se congelan y termina el verano

Por favor mira si lleva un abrigo caliente

Que la proteja de los vientos que aúllan

Por favor mira si lleva el cabello largo

Si rueda y flota hasta sus senos

Por favor mira por mí si lleva el cabello largo

Puesto que así la recuerdo mejor

Me pregunto si me recuerda en absoluto

Muchas veces he rezado

En la oscuridad de mi noche

En el brillo de mi día

Así que si viajas a la feria del norte

Donde el viento pega fuerte en la frontera

Recuérdame a alguien que vive ahí

Alguna vez fue mi verdadero amor

Año Bisiesto, de Michael Rowe

2010-10-10T22:31:00.000-07:00

Por fin se estrena en México Año Bisiesto (2010), precedida por su éxito en su corrida festivalera, notoriamente por la Cámara de Oro en Cannes.

Después de verla, se entiende el porqué. Narrada con naturalismo, vemos el día a día de Laura, una mujer que, por su trabajo como periodista independiente, no tiene que relacionarse con nadie, ni tampoco lo quiere así; excepto cuando ocasionalmente sale de su departamento para regresar con hombres con quienes y apenas cruza alguna palabra.

Y sin embargo, añora ese contacto y conexión con alguien más, pues se masturba espiando a la pareja de vecinos que simplemente están sentados en el sillón tomando cerveza, viendo la tele.

Poco a poco, la historia y el personaje de Laura se van desarrollando de gran manera. Y es que cuando lleva a Arturo a su casa, parece que su vida está a punto de tornarse peligrosa, aunque ella tiene una sorpresa guardada para la audiencia.

Sorpresa si consideramos cómo empieza la cinta, pero conforme a avanza, tiene toda lógica y es de esperarse, si es que uno está poniendo atención a los detalles y a un guión redondo que, escena a escena va mostrándonos un poco más de quién es Laura.

Hasta la mitad del filme, parece ser una revisión de la soledad que la emparenta con la también mexicana Párpados Azules (2007); sin embargo, los eventos de la segunda parte muestran un tono muy distinto a aquella, rayando incluso con lo sórdido. La gente en la sala se limitaba a reír nerviosamente, mientras yo en una escena de plano me quedé boquiabierto, literalmente.

Sólo puedo decir que la entrega a su papel de la protagonista Mónica del Carmen es para remarcarse, una auténtica revelación en un papel que seguramente nadie olvidará. Su contraparte, Gustavo Sánchez Parra (un veterano con más de 50 trabajos en 10 años) brilla con la misma intensidad en un papel que seguramente sería la delicia de cualquier actor. Magnífico.

Del director, Michael Rowe, no se puede decir menos. Con una cuidada producción, logra sacar a flote una historia llevada a cabo en una sola locación, gracias también en gran parte a su dirección de arte. Incluso cuando empieza a sentirse un agotamiento en la trama, es justo ahí donde llega el clímax/anticlimax actuado espectacularmente por del Carmen y Sánchez Parra. Habrá que estar muy atentos a la voz de Rowe, esperando que el éxito de esta cinta le permita filmar seguido.

No hagan caso a los comentarios que pudieran llegar a escuchar sobre Año Bisiesto. En todo caso, les sugeriría que la vieran y decidieran por ustedes mismos. Espero que disfruten uno de los mejores guiones en la historia reciente del cine mexicano.

True Blood, Vol. 2

2010-10-08T18:47:00.001-07:00

True Blood (2008) es una de las mejores series que se han hecho en esta década de los diez. Del extraordinario Alan Ball, creador de Six Feet Under (2001-2005) y American Beauty (1999), y basado en los libros de Charlaine Harris, esta serie presenta una historia sobre vampiros como pocas veces podemos verlas: sexy, divertida, misteriosa, gore, exagerada.

Pero la serie se cuece aparte. Esta entrada está dedicada al soundtrack volumen dos, que incluye temas de la segunda y tercera temporada, y que supera por mucho a la primera entrega musical de la serie más adictiva de los últimos años.

Producida por Gary Calamar, ganador del Grammy por sus también excelentes colecciones para Six Feet Under, estamos ante una de las mejores compilaciones que he escuchado jamás.

Calamar encuentra una genial combinación rockera-country-bluesera con grandes temas, algunos de ellos exclusivos, como el de Beck, "Bad Blood". ¡Sí, Beck es fan de True Blood!. El tema no decepciona dentro de lo que podemos esperar del güero consentido del rock alternativo.

El creador del tema de la serie ("Bad Things"), Jace Everett, regresa con otra gran pieza, "Evil (is going on)". Pero antes, M. Ward, Jordan Hudson y Mike Coykendall abren con "Howlin' for my baby", un tema muy ad hoc para la trama de la tercera temporada, y una excelente canción para empezar un disco. "How to become clairvoyant" da ese toque sexy misterioso que abunda en la serie, al igual que "The forgotten people", de Thievery Corporation.

"Shake and fingerpop" es uno de los temas divertidos, bailables; mismo caso que el de "Gasoline and matches". Una sorpresa es el tema del músico de culto Screamin' Jay Hawkins con "Frenzy", canción familiar para los fans de The X Files, y una de las piezas más locas que podrán escuchar en su vida, créanme, búsquenla y se sorprenderán.

Otra enorme sorpresa es el único tema romántico, una pieza exclusiva para esta producción, y es nada más y nada menos que Elvis Costello a dueto con Lucinda Williams cantando la preciosísima "Kiss like your kiss".

Pero al final mejora aún más. La espectacular "New world in my view", un remix de King Britt a la canción de gospel de 1957 de la hermana Gertrude Morgan. Una verdadera joya musical que además fue usada a la perfección en la serie.

El disco termina de manera inmejorable con el mejor letrista de la historia, el gran Bob Dylan, con su gran canción del 2009, "Beyond here lies nothing", primer sencillo de su álbum Together Through Life, y que además fue escogida como la canción principal de los primeros promos de la segunda temporada. Qué les puedo decir, es una gran rola de Dylan, no se puede decir más. Salvo que pronto verán más de esta canción en Hedonismo & Reflexión.

Pero el que podría ser mi tema favorito es "Fresh Blood", de Eels, pues creo que engloba a la perfección el mood de la serie con todas las características que ya les he mencionado, incluyendo esa necesidad de querer siempre más.

Repito, es uno de los mejores soundtracks compilatorios que he escuchado en mi vida por su variedad, su selección perfecta para el producto, y la calidad de los artistas incluidos.

Los dejo con el video de Eels, "Fresh Blood".

Necesito ese disco

2010-10-04T21:42:00.000-07:00

Necesito ese disco. La muerte (o posible supervivencia de las tiendas independientes de discos) (2008) es un documental tan insufrible como su título.

Lleno de una nostalgia muy maniquea, habla de la crisis de las tiendas de disco, presas de los malos malosos grandes almacenes y las corporaciones y grandes disqueras.

Aunque tiene buenos argumentos en ciertas partes, la falta de rigor es su mayor defecto.

Lo que más me gustó es que me trajo buenos recuerdos de la era del fantástico Napster... aah, qué tiempos aquellos. Maldito Metallica, me acordé de porqué me cagan.

Otro factor en contra del documental es que intenta abarcar un tema tan amplio como los derechos de autor y el acceso digital en menos de 80 minutos, lo cual resultaría imposible para el mejor de los documentalistas.

Y bueno, escribo sobre ella para que quede constancia y vaya al conteo de pelis. Nada más.

El Mensajero

2010-10-03T21:34:00.000-07:00

Ben Foster, Woody Harrelson y Samantha Morton protagonizan The Messenger (2009), cinta debut de Oren Moverman, y que sorprendió entre la crítica y en la temporada de premios a inicios de año.

Es la historia de un soldado (Foster) que, después de ser herido en Irak, regresa a su país, donde le es asignada la penosa misión de notificar la muerte de soldados a sus familiares. Pronto, y a pesar de los consejos de su mentor en la tarea (Harrelson), este soldado entabla una relación con la viuda de un fallecido (Morton).

Estamos ante una cinta de ensamble, pues todo gira alrededor de las matizadas y grandes actuaciones de los tres protagonistas. Así como un sólido guión que nos habla del dolor de la guerra tanto para las personas que pierden a alguien, como a los que sobreviven, sin hacer en ningún momento apología de la guerra, sino al contrario.

Traten de verla.

Yo no sé mañana

2010-10-02T09:57:00.000-07:00

Esta canción la conocí hace poco, desde la primera vez me gustó muchísimo. Quizás muchos no lo sepan pero... me encanta la salsa. Me gustaría bailar mejor, pero se hace lo que se puede, jajaja. Ahí cuando quieran inviten. Como está en español, prefiero que la escuchen y no que la lean.

I try

2010-09-28T21:23:00.000-07:00

Aaah, una de las razones por las que cree este espacio es para compartirles las rolas que, para mí, no tienen comparación en este mundo.

Es por eso que hoy les dejo esta espectacular canción de Macy Gray, una de las mejores que he escuchado en mi vida y que se me hace perfecta. Gocen... (la traducción, como siempre, es mía)

Intento

Juegos, cambios y miedos

¿Cuándo se irán de aquí?

¿Cuándo se detendrán?

Creo que el destino nos ha traído aquí

Y deberíamos estar juntos, nene

Pero no lo estamos

Finjo, pero sueño contigo

Mantengo mi frialdad pero me desvanezco

Intento decir adiós y me ahogo

Intento marcharme y me tropiezo

Aunque intento ocultarlo, es claro

Mi mundo se derrumba cuando no estás cerca

Adiós y me ahogo

Intento marcharme y me tropiezo

Aunque intento ocultarlo, es claro

Mi mundo se derrumba cuando no estás cerca

Puede parecer que soy libre

Pero sólo soy una prisionera de tu amor

Puede parecer que estoy bien y sonreír cuando te vas

Pero mis sonrisas son sólo una fachada

Finjo, pero sueño contigo

Mantengo mi frialdad pero me desvanezco

Intento decir adiós y me ahogo

Intento marcharme y me tropiezo

Aunque intento ocultarlo, es claro

Mi mundo se derrumba cuando no estás cerca

Adiós y me ahogo

Intento marcharme y me tropiezo

Aunque intento ocultarlo, es claro

Mi mundo se derrumba cuando no estás cerca

Esta es mi confesión

Seré tu posesión

Chico, necesito tu tacto

Tu amor, tus besos y demás

Con todo mi poder lo intento

Pero esto no lo puedo negar

Finjo, pero sueño contigo

Mantengo mi frialdad pero me desvanezco

Intento decir adiós y me ahogo

Intento marcharme y me tropiezo

Aunque intento ocultarlo, es claro

Mi mundo se derrumba cuando no estás cerca

Adiós y me ahogo

Intento marcharme y me tropiezo

Aunque intento ocultarlo, es claro

Mi mundo se derrumba cuando no estás cerca

El luchador, y el arte imitando a la vida

2010-09-26T19:57:00.000-07:00

Mickey Rourke nos regaló una de las mejores actuaciones que se hayan visto en la pantalla grande con The Wrestler (2008), del impredecible Darren Aronofsky.

Conmovedor a morir en su vulnerabilidad y ganas de sobrevivir, Rourke interpreta a un luchador dentro y fuera del cuadrilátero, un hombre que ha cometido errores en su vida y que está dispuesto a enmendarlos, enfrentando además su mala costumbre a echar todo a perder.

Asimismo, Rourke físicamente también se vuelve un luchador, en una sorprendente transformación que hace más creíble su interpretación como alguien que alguna vez triunfó, pero ya no es más que un perdedor, una gloria del pasado, alguien que está en las últimas.

Por otra parte, creo que a Aronofsky le sientan más este tipo de cintas en un tono más real (siendo esta, sin duda, la más realista que haya realizado hasta el momento), que cuando se pone muy tremendo e "innovador". Para mí, éste es el mejor filme que ha hecho en su carrera.

Sobre Rourke, este largometraje representó su regreso después de algunos años de exceso y retiro involuntario, desde entonces no ha parado de trabajar y demostrando su gran talento incluso en porquerías como The Expendables (2010). Asimismo, fue nominado al Óscar para darle pie a otra de las grandes injusticias y estupideces de la Academia al otorgárselo a Sean Penn por Milk. Pero tampoco pasa nada, pues el trabajo de Rourke en esta película ya pasó a la historia por su inmensa calidad.

Sleeper, de Woody Allen

2010-09-24T16:39:00.000-07:00

Woody Allen es sin duda mi director favorito. Todo surgió una mañana de sábado o domingo cuando, por casualidad, transmitieron en el Once Take The Money And Run (1969), un falso documental sobre una patética banda de reos que huyen de la cárcel y sus esfuerzos por no ser capturados.

No recuerdo si la vi con conocimiento de causa de quién era Allen y si lo hice para conocerlo, pero creo que no fue así, estoy casi seguro que aquella fue la primera vez que veía en la pantalla a este tipo torpe pero extremadamente gracioso.

Curiosamente, tampoco recuerdo el orden de las cintas que fui viendo, sólo que cuando salió Celebrity en 1998, ya era fan y la vi en el cine. En resumen, he visto 36 películas de él, las cuales reviso cada que puedo; he leído un libro de textos humorísticos y estoy leyendo un magnífico libro sobre su obra y forma de trabajar.

Allen me gusta porque cuando se propone hacer reír lo hace como pocos. Pero creo que, como a mucha gente, me fascina todavía más por su increíble capacidad de escribir sobre nuestra naturaleza cotidiana de ser humanos, sobre todo en la hora de relacionarnos sentimentalmente e intelectualmente. En mostrarnos cómo en el corazón no se manda, y muchas veces éste nos mete en problemas increíbles.

En sus dramas, Woody siempre encuentra la manera de conmoverme y de identificarme con él y con algún momento de mi vida, en alguna mujer, en alguna tragedia, en algún triángulo, o simplemente en algún deseo.

En sus comedias, no hay mucho qué agregar. Sus ocurrencias y timing lo han hecho uno de los grandes también en ese departamento. Sleeper (1973) es un excelente ejemplo de porqué. Utilizando el pretexto de un viaje al futuro que se parece mucho al que realiza Matt Groening en Futurama (1999) - el antiguo dueño de una tienda, de todas las personas, después de ser congelado por accidente, despierta doscientos años en el futuro y ahora tiene que enfrentar a un régimen totalitario a la 1984 - Sleeper va contando gags y one liners sin parar, acudiendo también a humor de slapstick y de utilerías como las verduras gigantes, o la inolvidable máquina automática de orgasmos y el "orb", versión futurista de la marihuana.

Diane Keaton, brilla por su belleza y extraordinaria naturalidad actoral que no por nada la hicieron la primera actriz de cabecera de Woody. Diane es una actriz clave de la década de los 70 (¡¡un año antes salió en El Padrino, por Dios!!), y en gran medida se debe a la mancuerna profesional que formó con Allen, siendo la joya de la corona Annie Hall (1977), uno de los trabajos actorales más celebrados, y una de las parejas más entrañables en la historia del cine.

Sleeper es sólo una muestra del trabajo cómico de Woody, un gran inicio para los que no lo conozcan, y una de las muchas obras maestras del mejor cineasta americano de todos.

Natalia Lafourcade y las sorpresas de la vida

2010-09-21T19:05:00.000-07:00

Aah, la vida me da la oportunidad de por fin reseñar el Hu Hu Hu (2009) de Natalia Lafourcade, gracias al lanzamiento de su edición especial.

Quizás algunos la recuerden por temas como "En el 2000" o la lindísima "Casa". La cuestión es que con su disco debut homónimo, Natalia se perfilaba como una de las artistas a seguir dentro de la escena pop mexicana, gracias a un refrescante sonido jazzero bossa nova. Después su carrera fue tomando un rumbo distinto, por presiones de su disquera, las canciones se volvieron más "accesibles" y poperas.

Fue necesario que esta chica se diera un descanso y decidiera hacer el disco que ella quería, para obtener el resultado de Hu Hu Hu, un trabajo que rebosa honestidad artística y, sobre todo, talento para dar y regalar.

Con los súper tracks "Cursis Melodías", "No Viniste", "Ella Es Bonita", "Hu Hu Hu", "Let's Get Out", "Look Outside" y, sobre todo, la piece de resistante, "Azul", esta personita de 1.50 metros -o menos- nos lleva por muchos lugares sónoros, ejerciendo al máximo su imaginación, aunque coqueteando un poco con la sobreproducción.

Esta edición especial contiene 5 temas del original en vivo, un tema nuevo lindo pero que se explica su exclusión de la primera edición. Otras características son un pobre remix de "No Viniste" y una versión acústica de "Tiempo Al Viento". Pero entre los extras, destaca el cover que Sinamantes hace a "Cursis Melodías".

Asimismo, todos los tracks en vivo son una muestra de que Natalia es tan buena en el escenario como en el estudio, y aunque es un poco molesto escuchar a los fanboys aplaudir sólo porque empieza cualquier canción, lo importante es gozar de los alcances de la Lafourcade.

El DVD contiene los mismos 5 temas en vivo desde el Teatro Fru-Fru de la Ciudad de México con comentarios de Natalia entre cada canción, así como los videos de los 4 sencillos y un muy buen remix de "Cursis Melodías".

Sin duda, un gran trabajo más que recomendable, no sólo para los fans, ya que si no lo son, seguramente se llevarán una muy grata sorpresa.

Den click aquí para ver y disfrutar de "Cursis Melodías"

The Dark Knight

2010-09-16T13:31:00.000-07:00

Tres años después de Batman Begins, llegaría The Dark Knight (2008), llevando las cosas a otro nivel.

Empezando por lo técnico, esta cinta contiene 6 secuencias filmadas en su totalidad en IMAX, es decir, en el doble de tamaño y calidad tanto de audio como de video en comparación con el resto de las cintas normales. Actualmente, no existe nada mejor que el IMAX para ver en las salas de cine.

La ambición de Nolan se trasladó también al guión y a la producción. En primera instancia porque crea una compleja historia con varios giros y sorpresas (aunque esta fue una de las princiaples críticas a la cinta); y en segunda instancia por la creación del batpod o batimoto, así como secuencias de acción más complejas que en la primera cinta... ¡ah! y el hecho de irse hasta Hong Kong para grabar una de ellas.

Sin embargo, la tragedia habría de empañar el estreno de la cinta, pues éste se dio algunos meses después de la muerte de su co protagonista, Heath Ledger como el sádico Guasón, en una de las mejores actuaciones de los últimos años, la cual le valió uno de los pocos Óscares póstumos otorgados por la Academia. Ledger fue todo lo que se rumoraba antes del estreno y más: salvaje, sádico, loco, listo y, sobre todo, anárquico. Actor y guionistas desarrollaron un personaje redondo, pues no se desvían en cosas como su origen, lo cual le quitaría el misterio que lo rodea, y se centran en sus motivaciones, las cuales le dan precisamente ese toque escalofriante: no le interesa el dinero y el poder, su locura radica en que sólo quiere crear caos y "ver al mundo arder". Más peligroso, imposible.

Mucha gente recuerda y seguirá recordando a The Dark Knight por Ledger, lo cual es bueno y merecido. Pero también se incluye el trabajo de otro gran actor, Aaron Eckhart como Harvey "Dos Caras" Dent, de quien sí vemos su trágico origen mediante una caída en espiral de ser un hombre admirable y con poder hacia la locura (con una poca de ayuda de El Guasón, en una de las mejores escenas de la cinta que yo disfruto enormemente cada vez que la veo).

Como en Batman Begins, la historia no descuida a personajes importantes como Alfred (Michael Caine), Rachel (la hermosa y talentosa Maggie Gyllenhaal en sustitución de Katie Holmes, quien a mi no me desagradó en la primera cinta), y el Comisionado Gordon (Gary Oldman, hablando de grandes actores). Todos y cada uno de estos personajes tienen su peso específico en la historia, y ayudarán a que la misma avance.

El resultado: en cuanto a recaudación, The Dark Knight se convirtió en la segunda película más exitosa en la historia del cine. Lo cual demostró que -afortunadamente - la gente de este planeta todavía puede responder a historias inteligentes, originales, con personajes bien desarrollados, y filmadas con maestría.

PD: Si tienen la oportunidad, revisen esta cinta en alta definición de Blu Ray. Es todavía más espectacular.

Batman Begins

2010-09-16T12:52:00.000-07:00

Después de varios patéticos intentos por llevar al mejor súper héroe al cine, por fin "comenzó" a contarse la historia cómo se debía en Batman Begins (2005).

Desde aproximadamente el 2002, cuando se dio la noticia de que Chris Nolan sería el encargado de esta nueva adaptación, tanto cinéfilos como fans del hombre murciélago nos emocionamos, sabedores de que al fin se vislumbraba la posibilidad de que se le hiciera justicia en la pantalla grande al personaje creado por Bob Kane en la década de los 30. No nos equivocamos.

Y aunque el título indica una cosa, Batman Begins no se concentra solamente en el origen del héroe, pues esto pasa en la primera mitad de la cinta, mientras que la segunda presenta más conflictos. Y así, mientras vemos la génesis de Batman, la trama se centra en el miedo como arma principal para enfrentar a los delincuentes; y en la segunda parte se habla de otros conflictos, en especial el cómo las acciones definen a una persona.

La estafeta del Hombre Murciélago es algo tan importante como la de James Bond o Superman, y en este caso, la Warner no sólo encontró al director definitivo en Nolan, sino que además este se apoyó en Chris Bale para encarnar al Caballero Oscuro, otra de los grandes aciertos del director, pues Bale sabe interpretar muy bien la entereza de Wayne más la inteligencia y dureza de Batman. He leído varias entrevistas con Bale en relación con este y otros personajes, y créanme, que estamos ante un hombre muy inteligente que además sabe plasmarlo en la pantalla grande.

En conclusión, se trata de otro éxito para Nolan gracias a su efectivo guirón, producción, actuaciones y ejecución, aunque quizás pocos estaban preparados para lo que estaba por venir...

Just be good to Lily

2010-09-14T22:23:00.001-07:00

Aunque sea como invitada, ¡¡es bueno ver que sigue presente!! =D